10 parimat dialoogifilmi kogu aeg

Seni, kuni on olnud suurepäraseid filme, on õitsenud ka suurepärased stsenaristid. Ilma kaubakriptide kindla aluspinnata võivad ka suurimad režissöörid viimasel tõkkel takerduda ja seetõttu on kirjutamine koos redigeerimisega võib-olla lavastuse kaks kõige olulisemat (ja pehmelt räägitavat) elementi. Allpool asuvad ühed stseenide stsenaariumi kirjutamise parimad tükid. Mõni ajab sind naerma, teine ​​ajab nutma ja mõni sunnib mind pugema palli ja soovin maailmale mõneks ajaks eemale - aga igaüks neist on nende mängu tipus töötava fantastilise artisti märk. Nautige, kõigi aegade parimad filmidialoogi stseenid.

10. Glengarry Glen Ross - 'Alati sulge'

Vähesed stsenaristid saavad needusesõnade kasutamisega sama asjatundlikult hakkama kui David Mamet ja oma näidendi tähtkujulises muganduses saavutas ta oma absoluutse tipu. Kõige silmatorkavam on selle lõputu hulga meeldejäävate lagunemiste seas Al Pacino, Kevin Spacey ja Jack Lemmoni vaheline stseen, kus esimene tulistab lõõmavat rida. Mamet säilitab täiusliku tempo- ja raevutunde, kui Pacino enamasti vaikne tegelaskuju plahvatab, ammendades tema tavapäraseid solvanguid ja siirdudes seejärel lõbusale vahelduvale ardnale kummaliste pallimängude suhtes.

Kui Pacino stseenilt lahkub, teeb Lemmon Spaceyle mööduva kommentaari, mis sütitab veel ühe tüli, mis lõpeb otsustavalt endise traagilise iseloomu pärast - jättes ta täiesti hukule. See on geniaalne viis tõmmata peatuseta peatuseta olemus kokku, koondades kogu selleks hetkeks üles ehitatud hoogu ja lastes kogu selle varjatud pinge laitmatult juhitud keelelise jõuga. Leidlik kirjutamine.

9. Dr Strangelove - telefonikõne

Suur osa Strangelove'i kirjutistest on koomiline kuld ja vaatamata monoloogi tehnilistele juurtele pole Stanley Kubricku 90 minuti kuni südaööni segatud suhtlemine sama lustakas kui Ameerika presidendi telefonikõne Venemaa juhi 'Dimitriga'. Stseen on lühike ja ometi lööb see igas reas nii tugevalt, et mul polnud probleemi lisada seda siin kui komöödiat. 'Pardisupi' kiire kuulsus ja kuulus 'Leegitsevad sadulad' on küll teise koha saanud, kuid miski ei trumpa kompaktset ja alati tõhusat biiti, mis seda stseeni trummib.

8. Tõeline romantika - “sitsiillased”

Kõigist fantastilistest lavastuses kasutatavatest stseenidest, mida Quentin Tarantino kunagi kirjutanud on, on vähesed täidetud sama paljude imeliste sõnamängude õitsengutega kui Christopher Walkeni ja Dennis Hopperi vastasseis Tony Scotti ‘True Romance’ keskel. Alates Walkeni surematutest algusjoontest kuni patsiendi ja haarava monoloogini, mille Hopper toimetab, kui ta oma saatuse aktsepteerib, on lehel või ekraanil vähe paremaid sõnalahinguid.

Osa kiitust tuleb anda Scottile endale, suunates stseeni mõlema osapoole efektiivse kajastusega ja lastes klassikalise muusika laiaulatuslikku koormust varundada Hopperi lõplikku trotsi just õigel hetkel. Kuigi „Inglorious Basterdsi” keldrijärjestus või „Jackie Browni” mõni suurepäraselt kirjutatud hetkest olid selle koha peal tulised vaidlused, ei saa eitada erakordset võimekust, mida Tarantino selle meisterliku tselluloosikirjutise edastamisel näitas.

7. Meister - töötlemine

Paul Thomas Anderson on alahinnatud ja sageli kurvalt tähelepanuta jäetud stsenaariumite kuningas. „Seal saab olema veri” tähelepanuväärne peenus ja „Magnolia” viimaseks kolmandikuks olev purustuspall on küll lähedased sekundid, kuid vaatamata kogu teose irdumisele ei saa ma aidata, kuid „Meistri” äge lähedus on neelatud Stseeni töötlemine.

Pange Philip Seymour Hoffman väikesele lauale Joaquin Phoenixi vastu - paar osaleb labürindilikus sõnamängus, mis keerleb sisse ja välja mitmesugustest küsimisniitidest ning koorub aeglaselt üha enam Phoenixi tihedalt haavatud tegelaskuju mentaliteedi ja mineviku kohta. See on täiesti kaasahaarav ja üks osavalt maalitud kirjatükke hiljutises mälus.

6. 12 vihast meest - 'ignoreeritud'

Kombinatsioon selle meeletult osavast stsenaariumi kirjutamisest, Sidley Lumeti peenest, kuid tõhusast suunast ja kõigi asjaosaliste silmapaistvast tööst - punkt „12 vihast meest”, kus kohtunikud hakkavad oma lauast lahkuma, et välja tuua ja võita nende partei pahatahtlik liige on filmi üks võimsamaid hetki. Veelgi enam: see on ülev kirjatükk, mis võtab võimu ära sõnadest, mis on seni filmi edenevat narratiivi valitsenud. Selle asemel laseb vaikus kasvada süžeel ja antud juhul ühel tegelasel kahaneda. Dialoogipõhine võib olla kinnisideeks leida leidlikke viise, kuidas sõnu kasutada tegelase (a-la Lumeti enda fantastiline 'Idamaade ekspressi mõrv') - ja stsenaristi ainulaadne õõnestamine selle sageli liiga komplitseeriva omaduse jaoks alternatiivina kõike ära riisuda on uskumatu vaadata. Antidialoogi tipp.

5. Kolmas mees - 'raha kulutamine'

Orson Wellesi hiline sisenemine režissöör Carol Reedi filmi “Kolmas mees” õnnistab meid kino ühe karismaatilisema kurikaelaga ja no kus see põlastusväärne, kuid võluv Harry Lime luust sõrm meid veenvalt veetleb kui vaateratta otsas.

Seal räägib ta sellest, kui palju inimesi ta on valmis kulutama, devalveerides vaevata inimelu kaugel olevate väikeste pisipiltidega võrdlemise ja väikese monoloogi jaoks, mille kinnitab tõeliselt keeruline moraalne küsimus. Reed lubab oma näitlejatel kogu töö teha, mängides stsenaariumiga orgaanilise vooluga, mis muudab surmava languse sõidult üha pingelisemaks, kui pinge hakkab kasvama. See on asjatundlikult käsitsetav kinoteos, mis võidab punkte selle kohta, kui sõnaosavalt väljendab Lime pikka aega puudunud tegelane end inimesena nii lühikese aja jooksul.

4. Psühho - “eralõksud”

Enam kui 50 filmist ei kirjutanud Alfred Hitchcock kunagi ühtegi stsenaariumi. Tundub, et mees oli rohkem lavastuse ja montaaži meister kui kõik muu, tänu oma uskumatule kontrollile näitlejate üle selles psühholoogilises võtmetähtsuses näidatavas stseenis, mis näitab, et stsenaariumi kirjutamine pole tingimata vajalik nende mõistmiseks ja tõhusaks tõlkimiseks.

Siin võtab Leighi Marion Crane'i ja Perkinsi Norman Batesi koostoime meisterlikult filmi läbiva teema ja annab sellele selgelt mõista surematu vahetuse, mis kunagi ei tule nii otsekoheselt sümboolne, kui suurepäraselt etendatud ja hoolikalt kirjutatud see on. Nii emotsionaalse kui ka ekspositsioonilise pideva teabevahetuse tõttu on see psühho mõistatuse oluline osa ja see, kui iga rida on juurdunud mõlema tegelase väljendusviisiga, muudab selle, mis oleks võinud olla lapselikult ilmne seade, üheks parimaks dialoogistseeniks, mida ma tean .

3. Isik - 'pihtimused'

Teine omamoodi monoloog, ehkki kui meil on nii, et jagame juukseid, võib parim monoloog olla kunagi olnud KÕIK Ingmar Bergmani 'Persona' ja lihtsalt öeldes: On vähe kirjatükke, mis publikut nii köidavad kui see sädelev seniit tabas mehe 1966. aasta meistriteost. Bibi Andersson (andes parimat tööd näitlejana) keerleb üha enam mälestusse oma minevikust - jada kulub ülekaaluka keelelise sensuaalsusega, mis hiilib kaugemale kui lihtne kurikuulsat kohtumist esitav montaaž. Interaktsioon ise on sündinud Bergmani kannatlikust suunast ja kaasnäitleja Liv Ullmani kaaslase loo vaikivast, kuid ilmekast kuulamisest, pannes atmosfääri veelgi paksemaks kogemuse jaoks, mis kannab teid edasi, ilma et teid üldse kuhugi liigutataks.

2. M - 'kohtuprotsessil'

Fritz Langi tõeliselt eriline M tähistab end kinoloo ajaloo kõige sisikamatest hetkedest. Need, kes peavad vanemaid filme oma olemuselt aegunuks, peavad vaatama vaid seda 1931. aasta filmi, mis räägib lapsemõrvarist ja võimalikust pedofiilist ning sellest, kui julgelt astus see oma poliitilise alltekstiga kokku ajal, mil Saksamaa elas vaieldamatult kõige kohutavama revolutsiooni 20-st.^thsajandil. Selles viimases stseenis asetab Langi film mõrvari kängurukohtu vastu, mis koosneb tema tegevuse ohvritest - kurvastavatest vanematest ja kohkunud kodanikest, kes on kõik selle ähvarduse hävitamise kuradit. Mõnes muus filmis on täiesti selge, et inimestel on õigus ja see deemon tuleks surma mõista, kuid Lang on sellest palju vähem mustvalge.

Heitke pilk 1931. aasta Saksamaale: natsionaalsotsialistlik partei, kes kavatseb võimu võtta. Laiema üldsuse soov Wall-Streeti krahhi muredele äärmusliku lahenduse leidmiseks tekitas nende rahvast. Hiljem immuniseerimine psüühiliselt ebastabiilne. „M” lõpus võtab Fritz Lang vastu maailma kõige lihtsama otsuse ja teeb sellest ühe kõige traagilisema väljakutse, mis ekraanile on kunagi pandud. Kas me tapame süüdlase, kes palub abi, mis võiks ta rehabiliteerida ja säästa inimväärsemat inimkaotust, hoolimata „kättemaksust“, millega tänavakohtumõistmine võib neid inimesi täita? Kas me oleme nende poolel, arvestades, et nendest inimestest saavad need, kes toetavad natsipartei esilekerkimist ja hakkavad praktiseerima selle poliitikat, et ignoreerida abihüüdeid ja kasutada selle asemel lihtsat võimalust, et see kisa lämmatada kuulirahega. surmavad nõelad? ‘M’ jutlustab: „Kui mees on haige, siis saadate ta arsti, mitte timuka juurde“ ja ainult stseenis M täpselt selle tegemise ajal toimiks see stseen. Inspireeritud, mõistmatult julge ja igavesti ettenägelik kino.

1. Kõrge ja madal - eraldusvõime

Miski on midagi õõvastavat, kas pole? Sellised filmid nagu ‘Synecdoche, New York’ vaidlustavad meid otseselt mõttega, et surm on saabumas, kuid kus Akira Kurosawa kirjutis erineb kurnavast ideede virr-varjust, millega tavaliselt fantastiline Kaufman meid oma filmis pommitab, on see, et see on peen. See vihjab, pigem ja väidab. Varitseb ja viibib, selle asemel, et otseselt rünnata. Nagu John ja Chris Nolan kunagi kirjutasid: 'See on aeglane nuga, mis lõikab kõige sügavamalt'. Ma ei saa piisavalt rõhutada, et kui te pole veel näinud Kurosawa kõige paremat filmi, 1963. aasta filmi “High & Low”, siis peaksite seda enne selle lugemist tegema.

Siin on film, mis veedab kaks tundi kannatlikult mitme inimese elu. See armistab väikest last korvamatult. See rebib hinge varem õitsvast perekonnast välja. See laseb suurtel parukatel ärimeestel võita, samal ajal kui kangelane varitseb endise varanduse hääbuvate fragmentide vahel. Kõigele sellele ei anta kunagi otseselt süüd. High & Lowi lõputute tragöödiate taga seisval koletaval kaabakal puudub nägu - meil, publikul, on lubatud süüdistada inimesed, kelle valime, lootuses, et hr Gondo saab taas õnnelikku elu elada.

Ja siis pärast seda kõike istub Akira Kurosawa meid oma ülima meistriteose viimasesse stseeni ja seisab silmitsi selle ütlemata õudusega, et möödapääsmatu vari, mis küünistab meile otse haua tagant: Mitte midagi. Ma ei ütle midagi kustutamatu kinoteose kohta, mis filmi katab, vaid palun jälle, et otsiksite selle võimalikult kiiresti. Sõnadega ei suudeta kirjeldada tunnet, mis häirib filmi viimaste hetkede iga kaadrit.