100 parimat filmi läbi aegade

Tšiili-Prantsuse kuulus filmirežissöör, luuletaja, dramaturg ja muusikahelilooja Alejandro Jodorowsky Prullansky ütles kunagi: 'Olen alati arvanud, et kino on kõigist kunstidest kõige terviklikum kunst.' Ma nõustun. Mõnes mõttes on kino tegelikult kõigi teiste oluliste kunstiliikide: maali, kirjutamise ja muusika ühendamine. Ei saa olla juhus, et ka kino on kunstiliikidest kõige moodsam. Lõppude lõpuks oli kino loomiseks vajalik teiste kunstiliikide evolutsioon. Asjaolu, et see jääb kõige populaarsemaks kunstivormiks peaaegu selle tekkimise hetkest, näitab teile nii selle tugevust kui ka nõrkust: see on hõlpsasti kättesaadav ja seetõttu ka kaubeldavam.

Seda silmas pidades on mul hea meel teile esitada The Cinemaholic’s nimekiri 100 parimat filmi läbi aegade . Enne kui hakkate meie 100 populaarseima filmi nimekirja uurima, tuletame veel kord meelde, et nende olemuselt pole nimekirjad kunagi täiuslikud. Nii et me ei väida, et see on Püha Graal maailma absoluutselt parimate filmide nimekirjas. Kuid võin teile kinnitada, et selle loendi koostamise taga on palju uuringuid. Kaaluti tuhandeid filmi pealkirju ja arutati iga viimase valiku üle. Olen kindel, et leiate paljud oma lemmikfilmid nimekirjast puudu. Ka paljud minu lemmikud on puudu! Kuid selle asemel, et pettuda, kasutage seda võimalust, et näha filme, mida te pole veel näinud. Kes teab, võite lõpuks avastada oma uue lemmiku (d)!

100. Cherbourgi vihmavarjud (1964)

Jacques Demy värvib oma romantilise ooperi leebe, kohatu keerukusega, mis tuleb pisut hipsterina välja. Kuid see värv ei ole ainult seintel, riietel ja vihmavarjudel. See on ka võimatult armunud noore tüdruku põskedel, kui ta ületab tänavat, et tervitada oma väljavalitut ja selle puudumist, kui näeme seda nägu looris, noor tüdruk on nüüd kellegi teise pruut. Värve on ka selles, kuidas inimesed räägivad, või kui täpsem olla, siis üksteisele lauldakse. Kuid nende lüürilised vestlused ei riimi nagu enamik laule. Kui kõik, alates armukutsest kuni muredeni raha pärast, on köidetud eristamatu kirega, ei oleks sul palju kasu riimide või põhjuste tõttu kalal käia. Kui film ja kõik selle meloodilised ilmutused, mida toetab Michel Legrandi ebamaine muusika, on südamest romantiliselt romantiline, on kõik otsused, mida meie tegelased teevad, nagu kõik elus, otsustavalt mitte.

Nii tüütult tuntud süžee jaoks, olles näinud seda lugematute poplaulude ja seebiooperite aluseks, on ‘Cherbourgi vihmavarjud’ iga melanhooliast pakatav kaader ahvatlevalt värske, isegi harjumatu. Seda saate omistada sellele, kui ehedad on emotsioonid ja kui siiras on nende väljendusviis. Nii tagasihoidlikul skaalal töötades hävitavad ‘vihmavarjud’ teid kõige väiksemate peegeldustega. Olin jahmunud, kui oluline võib olla kahe tühja tooli mõju, mille kaks armastajat on kord täitnud. Demy meeleldi valmistatud hõrgutises marsime lindide ja konfettidega täidetud karnevalides, kaunistame jõulupuid ja jagame üksteisele kingitusi, pistes kõik oma tunded kuhugi südamenurka, sest ükskõik kui raske on kellegi puudumine taluda või minevik on unustada, kõik, mida saame teha, on elada tänapäeva fantaasias.

99. Trainspotting (1996)

Endale sarnaseid kinefileid on ‘Trainspotting’ fanaatilisuse kohta veidi keeruline seletada. See jõudis umbes ajani, mil narkootikumide tegelikkus oli just hakanud vajuma. Ütleks, et see glamuurib narkootikumide kuritarvitamist ja on teatud määral tõsi. Fakt, mis sellest välja tuli, oli Danny Boyle'i katse näidata narkootikumide kuritarvitamise kõrgeid ja madalamaid tasemeid, ilma et see pooldaks. ‘Trainspotting’ on kultusfilm, mis räägib sõltuvusega neljast sõbrast ja nende trüstist. Ennekuulmatu ja veider on ainsad kaks sõna, mis seda kirjeldavad. Narkomaan, kes soovib puhtaks minna, et oma sügavaima tungi tõttu igal sammul kõikuda. Huumorist üleannustatud heldelt püüab film tõsiasja tõsiasjale alla tõmmata: Hoolimata luksusest, mida elu pakub, eitab noorus neid palju. Ja põhjused? Põhjuseid pole. 'Kellel on vaja heroiini saamise põhjuseid?'

98. Lõpetaja (1967)

Ah, nooruse päevad! Hoolimatu ja rõõmus. Lõbu, mis pole muret täis. Ei hoolita minevikust, mis on maha jäänud, ja pole muret tuleviku pärast, mis on veel ees. Benjamin Braddock juhatas seda muretut elu pärast ülikooli lõpetamist. Ja kui ta lõpuks kodulinna tagasi tuli, kohtus ta seal proua Robinsoniga. Asja leek hakkab põlema. Elu võtab kelmika pöörde, kui noor Ben eksitab seksi kaaslaseks. See muutub ülitugevaks, kui ta kukub oma tütre järele. Mõtlemapanev film komöödia rõivastuses on “Lõpetaja” üks naljakamaid filme üldse. Dustin Hoffmani peaosas on sellel ikooniline joon - 'Proua Robinson, kas te üritate mind võrgutada?'

97. Veronique kahekordne elu (1991)

Võib-olla ei mõistnud ükski teine ​​filmitegija naisi nii sügavate emotsionaalsete sügavustega nagu Krzysztof Kieslowski. Mees lihtsalt armastas neid ja ta näitas seda nii kirglikult ja lähedalt, et sa ei saa aidata, kuid tunned end selle toorest emotsionaalsest võimust. ‘Veronique’i kahekordne elu’ võib olla lihtsalt tema suurim kunstiline saavutus. Film räägib naisest, kes hakkab tundma, et ta pole üksi ja et kuskil maailmas elab osa temast teises hinges. Veronique ja Weronika on kaks identset naist, kes ei tunne üksteist ja omavad siiski omavahel salapäraselt intiimset emotsionaalset sidet. Slawomir Idziaki ülimalt stiliseeritud kinematograafia maalib filmi hellalt melanhoolse tundega, mis mähib sind ja jätab minemata. On tundeid ja emotsioone, mida on meil väga raske sõnadesse panna ja film annab elu neile seletamatutele mõtlikule kurbusele ja üksindusele. ‘Veronique’i kahekordne elu’ on uimastav kunstiteos, mis kujutab inimese hinge kõigis selle kaunites nõrkustes ja helluses.

96. Kino Paradiso (1988)

Paljud inimesed peavad kino kui järeleandmist, vaba aja veetmist, lõbustust, millel pole elus mingeid tagajärgi. Kuid mina, tulihingeliste sinefiilide armeega, kes mind tulihingeliselt toetaks, võin täiesti veendunult öelda, et kino on elule sama vajalik kui elu kinole. Ja ‘Cinema Paradiso’ on ilus, kui irooniline viis oma arvamust välja öelda. Edukas filmirežissöör Salvatore naaseb ühel päeval koju teatega, et Alfredo on surnud, ja ta sähvib tagasi oma kodulinna 1950. aastatel Sitsiiliasse. Noor ja vallatu Salvatore (hüüdnimega Toto) avastab kestva armastuse filmide vastu, mis meelitab ta küla filmimajja Cinema Paradiso, kus Alfredo on projektionist. Pärast seda, kui poiss on väljamõeldud, saab vanast mullist isa kuju, kui ta õpetab Totole hoolikalt oskusi, mis oleksid tema filmitegemise edu alustalaks.

Toto ja Alfredo vaatamine kino üle aukartusega arutlemisel ning Alfredo nägemine klassikaliste filmide tsitaatide kaudu elunõu annab, on puhas rõõm. Toto täiskasvanuks saamise loo kaudu heidab ‘Cinema Paradiso’ valgust Itaalia kino muutustele ning traditsiooniliste filmide, montaažide ja linastuste surevale kaubandusele, uurides samal ajal noore poisi unistust jätta oma väikelinnast väljapoole maailma. Üks parimaid filme filmidest, mis seal kunagi olnud on.

95. Üks lendas kägu pesa kohal (1975)

Üks neist haruldastest filmielamustest, mis paneb sind tundma korraga paljusid emotsioone. See on osade kaupa naljakas, mõnes on meeliülendav ja teistes sirge. See on ka üks lihtsamaid ja tõhusamaid jutustamisi, mis räägib kurjategijast Randle McMurphyst, kes vanglasse hiilimise lootuses võltsib vaimuhaigust ega tunnista end hullumeelsuse tõttu haruldasena. Vaimuhaiglasse jõudes mässab ta klassikalises järjekorras vs kaos stsenaariumis autoritaarse meditsiiniõe Rachedi (keda mängib terasest Louise Fletcher) vastu. Film kinnitab, et tõepoolest pole kedagi paremat, kes saaks mängida võrdselt mõõtu ja võlu kui Jack Nicholson ise, saades talle filmis esitamise eest väärilise Oscari võidu. See, mis algab kestva ja südantsoojendava filmina, laieneb traagilisele, ehkki lootustandvale lõpule, järgides häirivaid stseene, mis hõlmavad enesetappu ja elektrokonvulsiivset ravi patsientidel. Siiski ei tohi film kunagi lahti lasta vaataja tähelepanust ja paatosest ekraanil olevate tegelaste suhtes, tekitades ehtsat emotsiooni ja rõõmu inimvaimule, mis õhkub ka vastutasuta autoriteedi korral.

94. Pyaasa (1957)

Tihedateks sotsiaalsete muutuste ideedest ja ühiskonna valitseva pahatahtlikkuse ja häbimärgistamise kommenteerimisest, kujutas ‘Pyaasa“ mitte ainult India kino kuldaega, vaid peegeldas ka India kodanlust ennast. See on film, millel on enda kohta peen kvaliteet, kus kõik jultunud tõed ja ühiskonna karm reaalsus sumisevad pinna all all ja ootavad, et tähelepanelik publik seda uuriks ja ekstrapoleeriks. ‘Pyaasa’ on ajatu klassika, mitte ilma põhjusteta. Isegi pärast vabastamist 60 aastat on see aktuaalne ka tänapäeval, sest Indiat kimbutavad jätkuvalt samad ühiskondlikud needused - korruptsioon, misogüünia, materialism -, mida ‘Pyaasa’ otseselt või kaudselt käsitleb.

93. Uus aeg (1936)

‘Modern Times’ on võimsa sõnumiga humoorikas film. Kandes Chaplini kaubamärgi lootuse ja vaesuse teemasid, keskendub see pilt masinate ja muude tehnoloogiliste edusammude kahjulikele mõjudele rahvale, tõmmates rambivalgusse vabrikutöölise, kelle elu läbib palju keerdkäike, kui ta proovib uue maailmaga hakkama saada. Ehkki laks on pisarateni naljakas, on see kõik kurbuse anumas. ‘Modern Times’ kasutab nutikaid ja peeneid elemente, et aeg-ajalt tähtsaid filosoofilisi küsimusi esitada. Kulminatsioon on üks kõige puudutavamaid, mis on kunagi olnud, hõlmates kurba õnne vormi ja reaalset vastust ega lahendust. See film võib väga hästi olla Chaplini kõige paremini kirjutatud teos ja on üllatav, kui asjakohased on siin esitatud ideed ka täna. Olles kahtlemata ajaproovile vastu pidanud, on tänapäevane aeg oma mõtete jagamiseks ilmselt selle kinematograafia triumfi parim külg.

92. Õhuke punane joon (1998)

Terrence Malick Naasmist filmitegemisele 20-aastase vaheaja tagant tähistas see suurepäraselt vapustav sõjadraama, mis uurib mitte sõda, vaid sõja vastu võitlemise emotsioone. Film on oma olemuselt tõeliselt Malick-ian, rõhuasetus visuaalile kui loole, võimaldades teil selle kogemusest läbi imbuda. Filmi geenius peitub Malicki nägemuses ilu nägemisest nii pimedas ja pöörases kui sõjas. On vaja absoluutset geeniust, et muuta midagi nii jõhkraks ja veriseks kui sõda selliseks hüpnootiliseks kogemuseks, mis ületab sõja tegelikkuse ja laseb teil selle tegelaste emotsioonidest leotada. See on nii ümbritsev kogemus, mis palub teil tunda inimesi relvade ja pommide taga. Need on laastatud hinged nagu meiegi, kes igatsevad õrna puudutuse järele, kaotavad oma armastajate ja naiste hingesoojuse, samal ajal kui nad peavad tegelema kõige koledama reaalsusega, mis asub neist kaugel. ‘Õhuke punane joon’ on lihtsalt selline kogemus, nagu ükski teine; selline, mida tuleb näha, tunda ja mille üle järele mõelda.

91. Blade Runner (1982)

Ridley Scotti filmi “Blade Runner” lõplik lõik on minu arvates suurim düstoopiafilm, mis eales tehtud. Ehkki Metropolis on vaieldav valik, tuleb jälgida saksa ekspressionistliku kinoga seotud ebaautentseid visuaale. ‘Blade Runner’ on seevastu enam kui täiuslik maailma ülesehitamisel, mis kannatab rahalise ebavõrdsuse, rahvastiku buumi, puuduse tõttu milleski loomulikus, sest isegi liha ei saa siin usaldada. Pimestav valgustus on kontekstuaalselt loomulik, kuna see on elektrooniline maailm ja Jordan Cronenweth kasutab seda sarnaselt film noiris igapäevaselt valgustavate objektidega. Ehkki see ei pruugi nii kaugeleulatuvaid küsimusi tekitada kui „Kosmose Odüsseia”, paneb meid siiski mõtlema, kas androidid unistavad elektrilammastest.

90. Fargo (1996)

Vägivaldne, naljakas, soe ja jõhkralt intensiivne ‘Fargo’ on üks 90ndate parimaid Ameerika filme ja üks suurimaid krimidraamasid, mis eales tehtud. Film räägib mehest, kes võtab tööle kaks meest, kes röövivad oma naise ja pressivad oma rikkalt käepoisilt raha välja. Coen Brothersi hiilgav tumeda huumori kasutamine läbib filmi sooja õhuga, mis annab filmile väga iseloomuliku tooni. Just see meisterlik segu komöödiast, draamast ja vägivallast teebki Fargost nii meeldejääva kinokogemuse. See imeline avapauk Minnesotasse täidetud lumest, mida täiendab kummitav partituur, annab filmile tooni ja tekitab sügava kurbuse tunde, mis peitub filmi pakatava vägivalla ja huumori all. Frances McDormand on selgelt filmi staar ja varastab saate, kujutades rasedat politseijuhti, kes on sattunud kurjuse ja jõhkruste maailma, kuid suudab leida valgust ja lootust. ‘Fargo’ on emotsionaalselt toores, jõhkralt intensiivne, armastavalt naljakas ja valusalt realistlik tükk puhast neetivat kino.

89. Eraserhead (1977)

‘Eraserhead’ on õpikuartikkel atmosfääri õudustest. Rääkides lugu kummaliste juustega mehest, kes üritab ise omamoodi peret kasvatada, saab sellest filmist iga minutiga rohkem sürrealistlik õudusunenägu. Kasutades heli ja lähivõtteid klaustrofoobse hirmu tunde pakkumiseks ja joondades selle süžeega, millel pole esimesel vaatamisel eriti mõtet, osutub David Lynchi debüüt meisterrežissööri parimateks, mis iseenesest on väga kiitus. See, mida ‘Eraserhead’ teeb, on düstoopilise maailma loomine - laiali laotatud koledate hoonete ja tigedatesse must-valgetesse kastetud mehaaniliste konstruktsioonidega - ning viskab sellesse tegelasi, kes on ümbritsevast enam-vähem segaduses. Kuigi selle pildi tähenduse väljaselgitamine on peaaegu võimatu, tuleb mõista, et see pole kunagi eesmärk. ‘Eraserhead’ paneb oma publiku teadvusse täieliku ebamugavustunde, kasutades nii visuaalset kui ka sürrealistlikku stiili, ning leiab viisi, kuidas nende mõtetega manipuleerida. Ainult käputäis pilte on sama ilusti ülesehitatud, kuid vaieldamatult ähvardav kui see pilt, ja ainult Lynchi-sugune võiks selle välja tõmmata.

88. Poisipõlv (2014)

‘Poisipõlv’ on meeldiv meeldetuletus möödunud aastatest pärssimata rõõmust, vankumatust optimismist ja pulbitsevast süütusest. See tugineb ilu, rõõmu ja emotsioonide ammutamisele inimeste tavalisest elust, mitte ühestki kõrgendatud draamakäigust (leib ja või enamiku filmide jaoks). Põnev on vaadata, kuidas stseenist stseenini toimuvad mitte ainult tegelaste füüsilisuse muutused, vaid märkate ka nende moe, soengu, muusikamaitse ja üldiselt eluperspektiivide muutumist. „Poisipõlv” ületab kino piire viisil, mida teevad väga vähesed filmid, ja saab väikeseks osaks meie endi olemasolust ja kogemustest. Linklater tuletab meile veel kord meelde, miks ta on tavalistest inimestest lihtsate lugude rääkimisel parim äris.

87. Taeva päevad (1978)

Terrence Malicki areng täielikult kontrollitud autoriteetseks kinovisionääriks on üks suurimaid asju, mis Ameerika kinoga kunagi juhtunud on. Tema varajastest teostest on selge, et ta tahtis meeleheitlikult kino tavapärastest piiridest välja hüpata. Filmidel nagu „Badlands” ja „Taeva päevad” olid pealtnäha sirged jutustused, kuid need olid filmid, mis püüdsid olla midagi enamat. Midagi enamat kui lihtsalt lugu. Kogemus. ‘Taevased päevad’ saavutavad selle hiilgavamalt kui ‘Badlands’. Paljud inimesed on filmi sageli kritiseerinud selle nõrga loo tõttu. Ma ei saa öelda, et nad täiesti eksivad, kuid lugu pole siiski filmi kõige olulisem aspekt. Malick kasutab siin kino visuaalsust, milles rõhutatakse pigem loo meeleolu kui lugu ennast. Tema eesmärk ei ole muuta teid emotsionaalseks, kasutades selleks tegelaste olukorda, vaid selleks, et lasta teil neid jälgida, tunda maastike ilu ja selle koha lõhna. Ja sellise vistseraalselt liikuva kogemuse meisterdamine pole midagi muud kui ime.

86. Tulekärbeste haud (1988)

Tugev ja liigutav film, mis on paralleelne igas aspektis, mida võite välja mõelda, teiste elavate märulifilmidega tõstetakse esile sõjasaaki. See Jaapani animafilm keskendus Teise maailmasõja õudustele, keskendudes õe-venna paari elule, murdis mu südame viisil, mida ükski teine ​​film pole suutnud, ja jätkasin tükkide lõpuni trampimist. Kuna tegemist on sõjafilmiga, teeb see imesid ka inimrindel, realiseerides ja arendades kaunilt Seita ja Setsuko õrna suhet, pidades silmas Teises maailmasõjas olnud raskusi. Sõnum on vali ja selge. Ükski sõda pole tõepoolest võidetud ja kogu võiduga kaasnev hiilgus kaasneb ka sõjas hävitatud süütute elude hädaldamisega. Ma kiidaksin filmi selle eest, et see ei olnud ilmselgelt emotsionaalselt manipuleeriv ja pani meid selle tegelaste juurutama; kuid ärge tehke viga, selle võimas ja kompromissitu seisukoht sõja ja õdede-paari läbitud travestide suhtes vähendab teid nutuhäireks. See on SEE kurb. Nagu öeldud, pole mul teistmoodi võimalust. See on täiuslikkus kõige südantlõhestavamas vormis.

85. Manhattan (1979)

Romantika Woody Alleni filmides on alati tundnud end valusalt tõetruuna ja masendavalt realistlikuna, hoolimata sellest, et ta neid mässab. Kui „Annie Hall” jääb tema kõige julgemaks filmiks, siis „Manhattan” tuleb kunstiliselt küpsema teosena välja. Filmis on Allen mänginud igavat ja segaduses olnud New Yorkerit, hiljuti lahutatud, kohtamas keskkooli tüdrukut, kuid armub lõpuks oma parima semu armukesse. Allen vähendas selle filmi huumorit veidi, et saaksime tõesti tunda tema tegelasi haaravat kurbust, mis muudab selle nii emotsionaalselt kurnavaks kogemuseks. See on lihtsalt sügavalt terav portree kõikuvatest suhetest ja vigastest inimestest, kes võitlevad iseenda ja oma eksistentsiga ning otsivad meeleheitlikult õnne, mida nad kunagi ei tunneks ega saavutaks. Ja just see armsalt delikaatne, terav inimolendi teadvustamine teebki ‘Manhattanist’ nii võimsa filmi.

84. Marketa Lazarova (1967)

Tšehhi ikooni Franti & scaron; ek Vláčili sisutu unistuste maastik, Marketa Lazarová, on lihtsalt üks kõige uskumatumaid kunstiteoseid, mis on tulnud 20-st^thSajandil. Selle avangardne lähenemine kinokeelele sobib vaevalt selle sageli hukutava fraasipöörde piiridesse - sest see on midagi enamat. Hämmastav vaate ja heli sulandumine, mida ei lepi kokku kokkulepe, struktuur ega muud kirjalikud reeglid, on mässavad kinoteadlased aastate jooksul filmivormile löönud. Võrdluseks võib öelda, et kõik muu tundub nii rangelt kontrollitud - nii ebaloomulik ja teostuses väljamõeldud. Marketa Lazarová on toores, vistseraalne ja ehmatavalt dünaamiline. Lühidalt: see on tasuta - tõeline tipp iga tollise kinokandja uurimise võimalustest. Seetõttu kuulub see kõigi aegade suurimate filmide hulka.

83. Singin vihmas (1952)

Singin ’In The Rain on Hollywoodi kuldajastu kõige määravam muusikal. On võimatu unustada pilti Gene Kellyst, kes tänavavalgusti taga tantsib, kui räägime kinos säravatest hetkedest. Film ei tähista mitte ainult oma oskusi rõõmustavalt, vaid ka kino läbimist visuaalsest meediumist resoneerivaks ja stimuleerivaks. Monumentaalne saavutus kinos Technicolor: kriitikud ja publik viskasid Kelly lavastajatöö algul lõbusalt kõrvale. Usun, et selle klassika olulisus kasvab päev-päevalt, kuna vahe filmi kajastatud ajavahemike (tegelik ja reel elu) ja oleviku vahel kasvab järjest. Me kaotame sideme olulise ajastuga ja see film kihutab teid oma nostalgiaga.

82. Ära vaata kohe (1973)

On väga raske leida visuaalset kunstitükki, mis oleks sama hüpnootiline kui Nicolas Roegi „Dont Look Now”. Paljuski on see meistriteos otsekui kohutav kääbus. See on kaunilt kaetud ekstaatiliste värvidega, kuid sisaldab elu halvimat osa: surma. Ükskõik kui tõhus Sutherlandi tegelaskuju ka pole, usun, et see on emotsioonidest juhitav film, kuna Roeg asetab kadunud armastuse otsimise lõplikule loole. Gooti vundament on väga võimas seade, et välja hõigata nende sidemete tähtsust, millele ta toetub, isaliku ja perekondliku armastuse tähtsust, samuti anda peategelast kummitavatele ebamäärase kuju. 'Mõni koht on nagu inimene, mõni särab ja mõni mitte'.

81. Võitlusklubi (1999)

Iga natukese aja tagant saabub kunstiteos, mis määratleb ühe põlvkonna psüühika. Mis puudutab kino, siis 50ndatel oli ‘Põhjuseta mässaja’, 60ndatel oli ‘The Graduate’ ja 70ndatel ‘American Graffiti’. Isegi kaks aastakümmet sobib ‘Fight Club’ meie põlvkonna hauduva, rahulolematu, asutamisvastase eetosega nagu kinnas. Nagu nii mõnigi suurepärane film, on ka võitlusklubi väga lõhestav ja seda saab filosoofiliselt tõlgendada mitmel erineval viisil - mõned leiavad, et see määratleb kaasaegset mehelikkust, teised aga arvavad, et see ülistab vägivalda ja nihilismi.

Põhimõtteliselt põnevusfilm on filmi rääkinud unetuse all kannatava nimetu peategelase POV-st, kes pole rahul oma monotoonse tööga, kes ristub hoogsa seebivalmistaja nimega Tyler Durden. Durden ja peategelane asutavad peagi põrandaaluse võitlusklubi, mis on viis, kuidas ühiskonna rahulolematud liikmed saavad oma viha välja lasta. Kuid peagi on Tyleri plaanid ja jutustaja suhted tema kontrolli alt väljunud, mis viib plahvatusliku haripunktini (sõna otseses mõttes!)

Koos leviva kuradihooldushoiakuga on ‘Võitlusklubi’ ka kaasaegse legendi David Fincheri mõningate ässade suuna tunnus. Sombune värvipalett, terav montaaž ja nõtke kaameratöö on inspireerinud filmi jälgivat tumedate põnevike hordi. 1990ndate veelahe.

80. Enne päikeseloojangut (2004)

Siin on tõde inimarengu kohta, mida keegi teile ei ütle: inimkond kaotab peagi vestluskunsti. Tehnoloogilistel edusammudel on suur kõrvalmõju: inimesed on üha vähem huvitatud reaalsest vestlusest - kuna neil on tehnoloogia, mille taha varjata. Ja just seepärast hoiab Enne-seeria vastu aastakümneid. Filmide sari, mis räägib kahest inimesest, kes tegelevad reaalse vestlusega, on isegi selle põlvkonna jaoks haruldus. Tulevikus ei tehta selliseid filme üldse. Sellepärast vaatavad tulevased põlved aukartusega ja imestades tagasi enne triloogiat. Ja ma ei imesta, kui triloogia leiab väärilise koha mitte ainult filmiajaloos, vaid ka iga filmikooli raamatukogus.

Kolme Enne-filmi seas paistab ‘Enne päikeseloojangut’ silma selle poolest, et see on kõige südantlõhestavam. Film, mis oma olemuselt räägib kõige tugevamast inimlikust soovist: soovist olla koos kellegagi, kellega võiksite veeta kogu oma elu. Kui vaatate tähelepanelikult, saab ‘Enne päikeseloojangut’ lõppkokkuvõttes peegel, millesse uurides saate hinnata oma suhteid: kus te valesti läksite? Kes oli teie jaoks tegelikult see 'üks'? Millistest võimalustest sa ilma jäid? Mis oleks võinud olla? See on üks haruldasemaid haruldasi filme, kus teie enda elukogemus rikastab ja toidab teie kogemust filmiga.

79. Maatriks (1999)

Wachowskite ekraanile jõudnud geniaalne nutikas idee, mille tulemuseks oli film, mis pani paljusid vaatajaid ettevaatlikult suhtuma reaalsusesse, kuhu nad sattusid. Tõsi, kui „Matrix” valmis tehti, ei olnud enam tagasiteed, vaid see muutus asju. Lisaks sellele, et film murdis oma loos mõnevõrra uue koha, muutis see ka viisi, kuidas ulme- ja märulifilmid hiljem välja mõeldi. Filmi „Maatriks” edu peitub ka selles, kuidas ta meisterlikult möllab teemade, sealhulgas filosoofia, eksistentsialismi ja isegi religiooni vahel, kandes samal ajal mingi tegevuse ja ulmefilmide varju. Neo võime manipuleerida simuleeritud reaalsusega, et sooritada näiliselt võimatuid fikseeringuid, ja filmi leidlikkust lisab „kuuliaja“ kasutamine - tegevusvõte, mis pole praegu midagi muud kui ikooniline. Praegu võib see žanr olla üle koormatud, kuid kui see esimesena välja tuli, võib kindlalt öelda, et publik polnud midagi sellist näinud.

78. Seitsmes manner (1989)

Michael Haneke ’seitsmendal kontinendil’ õudusfilmiks nimetamine kõlab minu jaoks väga valesti, kuid nii viitavad enamik seda näinud inimestele. Nendega on raske vaielda, sest selle filmi vaatamine jätab lootusetu, masendunud ja hirmunud tunde. See 1989. aasta klassik on seotud perekonnaga, kes vihkab maailma ja elu üldiselt, ning võtab kolme mängija ülejäänud ühiskonnast veelgi isoleerimiseks külma ja kauge hoiaku, mis paneb publikut aeglaselt, kuid kindlalt tundma end nende kui oma eksistents võtab tumeda pöörde. Olles üks kõige häirivamaid filme, mis kunagi hõbedase ekraani armu pälvinud, mõnitab Haneke debüütükk vaatajat ja ei lase kunagi lahti. Kui publik nimetab seda õudusfilmiks, siis nad teevad seda viidates õudusfilmile, mis ei erine teistest. Hõlmatud ebaselguse ja realismiga Seitsmes manner on isikupärane, intiimne ja kohutav tõestisündinud loo ümberjutustus, mis jätab teid vaikusesse, sest vähemalt paariks minutiks pärast selle lõppu ei saa te enam ühtegi sõna välja öelda.

77. Zodiac (2007)

‘Zodiac’ pole teie tavapärane põnevik; see on aeglase tempoga ja keskendub rohkem meeleolule ja tegelaskujudele kui süžeedele. Seal on aura, mille David Fincher ehitab nii palju, et saate filmi meeleolu luudes tunda. See ei ole film, mis jätab teid selle lõppedes õnnelikuks. See on ka film, kus võidab paha poiss, kaotavad head poisid. Ja sellepärast on see nii hea. Mitte ainult hea, vaid moodne meistriteos. Kui film suudab teid kaks ja pool tundi täis tõmmata ja jätab teid päevadeks mõtlema, peab see olema paljud asjad korda saanud, mida tavapäraselt tehtud põnevusmängud ei tee. Minu arvates on ‘Zodiac’ Fincheri parim film, kus ta oma distsipliini ja oskuste ulatusega näitab, miks mõnikord on „vähem on rohkem“.

76. Magnoolia (1999)

‘Magnolia’ on kahtlemata Paul Thomas Andersoni kõige isiklikum teos. Hüsteeriline vibe, millele Anderson filmi sisse ajab, toob melodraamasse teatud emotsionaalse voolavuse, mis on oma energias nii uskumatult sõltuvusttekitav ja katartiline. Film toimub täielikult San Fernando orus, kus erinevad omavahel seotud tegelased läbivad oma elu erinevaid etappe, püüdes toime tulla omaenda sisemiste deemonite ja emotsionaalsete konfliktidega. Anderson armastab neid inimesi, ta tunneb neid ja mõistab neid, kuid esitab neid kui vabandamatult neid, kes nad on; räigelt alasti, toores ja puhas inimene, astudes vastu ja ületades oma sügavaimad hirmud ja nõrkused. Magnolia teeb nii eriliseks see, et see on film, mis räägib nii palju selle filmitegijast. Me saame piiluda Andersoni ellu, kohta, kuhu ta kuulub, ja inimesi tema elus. Andersoni on kogu filmis lihtsalt nii palju. Sellise filmina nagu Magnolia, oleks seda juhtinud mõni teine ​​filmitegija, oleks see olnud aegunud ja tundunud üsna omaaegne toode, kuid Andersoni juures lisab see ainult filmi atraktiivsust.

75. Rosemary laps (1968)

‘Rosemary beebi’ on tume, keerdunud kunstiteos, mis mängib süütuse abil, et tekitada õuduse tunnet. Seoses naisega, kellel on raseduse ajal tüsistusi, võtab film oma kavaga täiesti värske tee, lubades rituaalsetel elementidel mängida suurt rolli. Armastada on selles filmis nii palju, alustades hästi kirjutatud tegelaskujudest kuni kaugesse hauduva keskkonnani, mis ümbritseb kõiki juhtumisi. Kogu pildis on alati tunda pinget ja seda osalt tänu Polanski tiheda lavastajastiiliga teostatud vaikivale, venivale kinematograafiale. Mia Farrow annab siin karjääri parima etenduse Rosemary Woodhouse, naine, kes muutub lapse kandmisega kaasnevate valudega võitlemisel nõrgemaks. Üldiselt sobib selle filmi tabatud õhkkond vähestega ja see, kuidas see su nahka imbub, on tegelikult midagi muud.

74. Hea, halb ja kole (1966)

Legendaarsete näitlejate mängitavad kaasahaaravad tegelased, ohjeldamatu, jõhker relvastus, haarav muusika ja intensiivne filmikunst - triloogia ‘Dollars’ kolmas osa, mis on väidetavalt spagetivesternide sünd, on parimas osas järeleandlik, kaasahaarav, meelelahutuslik kino. Blondie või No Name (The Good), kutseline püssimees ja tagaotsitav Tuco (The Inetu), moodustavad soovimatu truuduse, kui nad mõlemad saavad teada olulise detaili põgeniku konföderatsiooni peidetud kullavarrast. kelle tapma pannakse hittmängija Angel Eyes (Pahad). Trio teekond moodustab neetimise süvendi, mis lõpeb klassikalises läänepärases stiilis vahtimisega. Clint Eastwood Blondie rollis on machismo kuju, Lee Van Cleef Angel Eyes'ina on kehastunud isik ning Eli Wallach Tuco rollis lisab kahe suurema tähe lihtsamatele, kuid veelgi efektsematele Hea Vs Evil tegudele keerulise impulsi ja raevu. Kuid ohjad on Sergio Leone käes igavesti režissöör - menetluses pinge tekitamiseks kasutab ta laialivalguvaid pikki kaadreid ja intensiivset lähivaateid. Žanriliselt määrav film Quentin Tarantino, üks kaasaegse lääneriikide suurimaid eksponente, kandis kunagi nime “maailma kõige paremini lavastatud film”.

73. Rändavad mängijad (1975)

Liiga kaua oli Theo Angelopoulose intiimne, peenelt kokku pandud eepos teada vähestele filmihuvilistele ja võib-olla hindasid seda veel vähem. Selle väärikas ja järkjärguline kinomälestise püstitamine meie esoteerilisele, krüptilisele suhtele ajaga ei ole mõistetav kõigile. Kuid uudishimulike seas meie seas on teada, et see pakub lohutust, annab tarkust ja kingib taju, mis aitab leida konstandid, millest kinni jääda selles universaalselt ja julmalt dünaamilises maailmas. Paljude asjade seas, mis see film õigeks saab, on ka põlised haarangud orestese jutu ilmutustest. Traagilise figuuriga seotud mütoloogia on tabatud meelt tuimalt alandlikult ja ometi suudab film meid oma nõtke nägemuse kaudu viia 20. sajandi keskpaiga Kreeka melanhoolsesse, venivasse vaatesse. Selle ajaline elegants õigustab ajaloo vaatamist trupi kõrval seistes: väljastpoolt. Kipud nii tajuma selle karmust kui mõtlema selle loomisele. See on haruldane antifašistlik ajalootund, sest see ei ütle meile kunagi, mida mõelda. See näitab meile ainult seda, mida tunda. Angelopoulos ja operaator Giorgos Arvanitis paigutavad meid südant peatavatesse kohtadesse ja pesevad need ajastu laastava õelusega välja. ‘Rändavad mängijad’ on tagasihoidlik, haruldane pärl, mis tundub, nagu oleks see päästetud massirahutustega tänavatelt ja jääks nälga. Lihtsamalt öeldes ei vääri me seda.

72. Vahemälu (2005)

Michael Haneket süüdistatakse sageli süngete narratiivide käsitlemises. See iseloomustus on täiesti ebaõiglane, sest see, mida ta sisuliselt teeb, on inimlik sissevaade pimedusse, mis meid kõiki ümbritseb, kuidas meie vigane arusaam viib piinava isolatsioonini ja kuidas meie pettekujutelmad vähendavad meie võimalusi nimetatud isolatsioonist üle saada. ‘Caché’ pole mitte ainult massiline, kripeldav dokument, mis osutab Seine'i jõe 1961. aasta veresauna õelusele ja meie kui inimkonna ebainimlikkusele, vaid ka poeetiliselt universaalne tegelaskuju. Georges, meie peategelane, tajub elu ja oma kohalolu sotsiaalse olendina moonutatud rõõmutundes. Ta põgeneb teistest usaldamise ja suhtlemise mugavuse eest. Ta naudib oma võõristust, nagu ka võõrastab paljusid, kes teda nii kalliks peavad. Sellega mõnitab Haneke põlvkonda, kes soovib üksi jääda. Tema kaamera on kohati ebatavaliselt kauge, nii nagu nii paljud meist on ümbritseva suhtes. Kuid tema kontrolli all peame seisma silmitsi oma sündsusetuse, kaalumatusega, reaalsusega. Üks kõige keerulisemaid kinotükke, mida te kunagi näete.

71. Mesipuu vaim (1973)

Hispaania meister Victor Erice tegi enne pensionile jäämist vaid kolm mängufilmi. Tänapäevalgi elus olevad filmid nagu El Sur, kudoonia “Päikese puu” ja eriti Mesinduse vaim, tema määratlematu debüüt, mis panevad meid kõiki soovima, et ta ikka filme teeks. Parabilise lugu kahest lapsest, üks uurib tema olemasolu süütu, sageli hämmastava vaimustusega ja teine ​​on kinnisideeks nende kohalikus teatris mängitud filmi „Frankenstein”. Selle müstifitseeriva portree Hispaania südalinnast jätab Erice'i iseloomuliku neutraalse suuna meelitav kahemõttelisus - harva proovitakse filmimeetodil vaikse vaatluse kasuks. Sellest tulenev töö on hämmeldav, kaasahaarav ja jätab teid mõtlema elu sisemise mõistatuse üle: selle vastuseta küsimused, suured saladused ja nende hämmastav vastupandamatus. Et jätta teid täiesti hävitatuks või võrreldamatult liigutatuks, pole kahtlust, et mõlemale äärmuslikule mesipuu vaimule on oluline kogemus.

70. Kõik presidendi mehed (1976)

Watergate. Üks sõna, mis tõi kardinad Richard Nixoni presidendiametisse ja pani inimesi mõistma, et isegi presidendi kasvuga inimene võib oma asjade tegemiseks võimalikult madalalt kummarduda. Kui presidendi kaaslased olid hõivatud tema loodud segaduste koristamisega, oli kaks reporterit, kes said sellest õhku. Vaatamata ähvardavatele ähvardustele töötasid nad väsimatult, ajasid kaasa ka kõige väiksematele juhtmetele ja tõid kohati ohtu, et faktid inimestele kätte saada. Reporterite Bob Woodwardi ja Carl Bernsteini kirjutatud samanimelise raamatu põhjal on ‘Kõik presidendi mehed’ terav tähelepanek, milline peaks olema tõeline ajakirjandus. Režissöör Alan J Pakula kandideeris see kaheksale akadeemia auhinnale, võites lõpuks kolm ja kaotades muide parima pildi ‘Rockyle’.

69. Varjude armee (1969)

Ma arvan, et Jean-Pierre Melville'i teose uustulnukate jaoks on suurepärane võrdlusmoment Stanley Kubrick. Mõlemad praktiseerivad äärmist tehnilist täpsust ja õhutavad absoluutset enesekindlust igas pikkade ja loovalt tulusate karjääride jooksul tehtud töödes. Nagu öeldud, on odava, kuid väljakutsuva kaebuse, mille igaüks saab Ameerika režissöörile esitada, tema „hingetus”. Inimese väljendusvabadus. Melville'i puhul see nii ei ole. Filmis “Varjude armee” põlevad Melville’i tegelased kibedast meeleheitest tingitud sädemest, mis paneb nende iga tegevuse inimkonnast nõrguma. Sõjaaja vastupanu liikumise surmavas maailmas võib üks vale käik põhjustada täieliku hävingu ning just eelmainitud armu ja virtuoosse kontrolliga tema kino üle õmbleb Melville täiesti usutava, veenvalt surnud maailma seemned. ‘Varjude armee’ on üks kõige vaiksemaid, intrigeerivamaid ja monumentaalselt mõjutavaid teoseid, mis prantsuse kinost välja tulevad - ja sellisest kriminaalselt tähelepanuta jäetud klassikast ilmajäämine tähendaks endale tõsist karuteenet.

68. Sära (1980)

Stephen Kingi klassika kohandamisega lõi Stanley Kubrick 1980. aastal filmi, mis määratles õudusžanri uuesti. Siin ei karda sünd mitte ainult lugu ega tegelasi. Keskkond ja viis, kuidas seda on filmitud, aitavad imeliselt, võimaldades vaimu tuimastavatel pingetel publiku mõtetesse tungida. Film jälgib hotelli The Overlook äsja ametisse nimetatud hooldajat Jack Torrence'i ja tema perekonda, kui nad veedavad salapärases hoones täieliku isolatsiooni. Läbi vapustavate esituste ja suurepärase kaameratöö tagab Kubrick, et filmi sisu vajub sügavale meie alateadvusse. See, kuidas ta heli ja atmosfääriga manipuleerib, on täiesti uskumatu ning loob nii unustamatuks kui ka selgroogaks kaheks ja pooleks tunniks. “The Shining” maailm on kaunilt tume, haarates teid kogu hingekosutava kolmanda vaatuse kestel kaelarihmast kinni.

67. Hiinalinn (1974)

Nende kahe vahel on film noir ja neo-noir ning otse nende kahe vahel istub Jake Gittes, riides kenasti karge fedora, et kiita seda nägu. Ehkki Polanki suur austaja, on alati midagi, mis ei ühti tema filmide lõpptoodanguga. Välja arvatud Hiinalinn. See põhiline meistriteos mitte ainult ei loonud enda jaoks identiteeti, vaid seda vaatavad alati ka filmitegijad, kes laenavad selle stiili, et luua oma filmile identiteet. Polanski on mustkunstnik tööl, petab meid nii eristatavate juhtmete kui ka klassikalise noir-tempo ja seadistusega. Kuid siis tuleb Hiinalinna viimane tegu, mis lagundab nii kiiresti kõik konventsioonid, mis algselt sarnaste müsteeriumifilmide külge kinnitati, ja teil on valdav šokk ja lootusetus. Selle ebaõnnestumine ristiisa II peksmises tekitab minus endiselt hämmeldust, kuid poole sajandi pärast on inimesed Sitsiilia unustanud, kuid mitte kunagi Hiinalinna.

66. Saatanatango (1994)

Pihtimus number üks: ma ei näinud peaaegu kunagi Béla Tarri laialivalguvat ja imelist meistriteost. Võiks eeldada, et see on kõigi aegade sinefiili lemmiku staatus ja silmapaistev maine, mille ta on ameerika kunstimaja ringkondades kogunud, ja kogu maailma kõige teadlikumate filmikriitikute seas oleks see mind huvitanud. Kuid selle kestuse tohutu mõõtmatus (umbes 432 minutit) ja lorisarnane tempo, mida ma Tarri ‘Werckmeisteri harmooniates’ nii nautisin, tundusid hirmutavad. Pihtimus number kaks: esimest korda nägin ‘Sátántangót’ ühe korraga. Mind hüpnotiseeris selle pragmaatiline tunnetus reaalsest maailmast ja kannatlik, mõistlik kinotunne. See vaatas rohkem kui peegeldas ja mõtiskles rohkem kui esitas korralikult vormistatud avaldusi. Selle müütiline, sünge realism oli liiga hea, et olla tõsi, ja liiga jõhker, et seda ilu pilguga realiseerida.

Ainus, mida ma lõpuks teha soovisin, oli sulgeda kõik aknad ja ümbritseda end pimedusse, sest minu jaoks oli film olnud nagu kirikus see hull ja selle hädaldamisel oli olnud liiga palju mõtet. Pihtimus number kolm: mul on hea meel teatada, et ‘Sátántangó’ sagakad sotsiaalsed ja poliitilised mõtisklused on hakanud mulle selgeks tegema, kuna olen selle juurde korduvalt tagasi pöördunud. Eriti meeldejääv oli suvi, mis kulus László Krasznahorkai romaani neelamisele, mis toimib filmi algmaterjalina. Nüüd saan vaid loota, et saan sellest õnnelikust õnnetusest jätkuvalt dividende lõigata.

65. Eksortsist (1973)

William Friedkini “Eksortsist” on suurepäraselt lavastatud. Mees on kurikuulus ebakorrapärase karjääritee pärast, mis näeb klassikat varitsuse tõttu (ja sageli lähevad need kaks gruppi üle kinematograafilise häbematuse põnevate uurimiste tõttu). Oma parima filmiga otsustas Friedkin filmida draama, mis just juhtus olema deemonlikust valdusest: õmblema oma keerukate tegelaste jaoks paatoset ja tõlkima visuaalselt originaalautori William Peter Blatty teksti, mis oli kinni uskumuse ja sandistavate kahtluste vahel. Lõpptulemus, kui kaks suurepärast kunstnikku töötasid oma mängu tipus, et edastada Ameerika kino sädelevat klassikat: see, mis varjutab peaaegu kõik oma žanri filmid (võib-olla takistab mõistmatult õõvastavat „Ärgates ehmatuses” või Tobe Hooperi serendipitous tour-de -jõud Texase mootorsae veresaun ). Lihtsalt uimastatav.

64. Suspiria (1977)

'Sest unenägudes siseneme maailma, mis on täiesti meie enda oma' - J.K. Rowling. Ja mis siis, kui üks kino kõige keerulisematest peadest otsustab oma alateadvuse kiletükile pritsida. Dario Argento filmi Suspiria peetakse oma imelikult ülesehitatud looga kinoloogikat trotsivaks. Kuid ma usun, et see on uusekspressionistlik meistriteos, mis haarab kino tõelist olemust, see tähendab, et me tunneksime end tõeliselt, tõeliselt elusana. Argento mõistab ruumi väärtust ja näitab seetõttu suuremat tähelepanu kinematograafiale ja lavakujundusele, mis on tema filmi domineerivad elanikud. ‘Suspiria’ ei esinda mitte ainult Argento stiili, vaid kogu Itaalia õudust, žanri, mida pikeerib kunsti esteetika.

63. Mees põgenes (1956)

Laitmatult täpne ja inspireerivalt ökonoomne, Robert Bressoni oi kui haruldane härjasilm löödi 1956. aasta teosega “A Man Escaped”. Mehe filmitegija elavhõbete tipp on see, mis järgib Prantsuse vastupanuagendi Fontaine'i katseid põgeneda üha ohtlikumast natsivanglast ja leiab tähenduse igas kaadris. Alates vapustavalt inimlikust peaosatäitjast näitleja François Letterrierilt, kelle vajunud põsed ja välja puhutud silmad väljendasid nii veenvalt sõjaaja elamise muserdavat kaalu, kuni Bressoni minimalismini, mis õnnestus kasvatada publiku ja meeleheitel mehe vahel kõrvetavat lähedust : Sagedastest POV-idest ja elegantsetest kompositsioonidest, mis ei olnud tehnikaga liialdatud, on Bressoni ümbritsev looming mõnikord uppunud. Ma ei tõmbaks ühtegi kaadrit kõrvale - ja seega on see filmikunst filmitegijatele absoluutselt oluline haridusviis: maalige midagi nii erksat ja tihedat, ilma et see oleks kunagi ülemäära.

62. Mockingbird tappa (1962)

Sellistel aegadel pole paremat filmi kui filmi „Killer Mirdingbird“, et selgitada uusnatsidele kasti, usutunnistuse ja rassi tõelist tähendust. Rassiliselt jagatud Ameerika ajateljesse seatud Aafrika-Ameerika meest süüdistatakse valge naise tagasihoidlikkuse rikkumises. Rassilise ülekohtu tipphetkel, kui valgeid inimesi täis kohus heidab tema verd, tuleb tema mehega võidelda ühe mehe poolt. Üks valge mees, nimega Atticus Finch. Ta võitles vapralt selle nimel, et välja tuua asjaolu, et kõik mehed on loodud kohtus võrdsed, olgu see siis värviline või mitte. Tema pingutused on asjata, kuna kohus tunnistab mehe süüdi. Kuid vaataja juurde jääb õppetund, mille Atticus Finch oma lastele sisendab. See tähendab, et 'te ei mõista kunagi inimest tegelikult enne, kui kaalute asju tema vaatenurgast'. Harper Lee samanimelise bestselleri põhjal valminud film „To Kill A Mockingbird“ on üks kõigi aegade suurimaid filme.

61. Tagumine aken (1957)

Meistriteose põnevusfilmi eristab regulaarselt meie peale kuhjatud reovee hulgast see, et viimases saabuvad keerdkäigud välguga, tuginedes rohkem meie šokile kui pöörde tõesusele mõju avaldamiseks. Kuid sellistes filmides nagu „Tagumine aken“ on pisiasjad ilmsed ajaratastega sõitnud professionaalse fotograafi L.B. 'Jeff' Jeffries näeb tagaklaasist välja, koguneb tilkhaaval kuni üleujutamiseni, pannes süütu Jeffi kahtlustama, et üle sisehoovi elav mees on mõrva sooritanud. Hitchcock kasutab oma kaamerat meisterlikult nagu illusionisti tööriistu, et hoida oma vaatajaid pinges, lolliks ja äraarvamiseni, kuni lõualuu langemine paljastab. Jeffi huvitava teema jälitamise kaudu kommenteerib Hitchcock vuajerismi eksitusi, seda, kui ahvatlev see võib olla ja üksildase linnaliku elustiili süngust, mis selleni viib. Veelgi uskumatum on see kommentaar vaataja vuajerismile kui Jeffi; kuna meid köidab Jeffi köitmine. Vaatamine, kui teid ei vaadata, on kuri rõõm; Hitchcock teab seda, imetleb ja tõmbab meid endaga kaasa.

60. 4 kuud 3 nädalat ja 2 päeva (2007)

Mõni film liigutab sind; mõni ajab sind naerma; mõni murrab su südame. ‘4 kuud, 3 nädalat ja 2 päeva’ kuuluvad filmide erikategooriasse: need, mis muudavad teid ärevaks ja närviliseks. Nagu oleksite arvanud, on sellised filmid haruldasematest tõugudest haruldasemad. Film jälgib kahte sõpra, kes üritavad korraldada aborti Rumeenia julmas Ceausescu kommunistlikus režiimis. Vistseraalne ja kompromissitu film haarab teid kaelast ja ei lase teil kunagi minna. Selle filmi vaatamine on justkui kogenev soolestikuvastane tunne, mis tekib siis, kui ootad närviliselt, millal üks lähedastest pärast operatsiooni operatsiooniteatrist välja tuleb. See pole ainult realistlik kino oma parimas vormis; see on ka üks elu muutvatest filmidest, mida sa kunagi näed.

59. Eelmine aasta Marienbadis (1961)

Alan Resnais ’1961. aasta film„ Eelmine aasta Marienbadis “ on kõige lähemal unenäo visualiseerimisele ja seda tehakse võimalikult kummalisel viisil. Enamiku tööaja tagamaad hõivav muusika toimib rahustina, mis viib publiku unisesse seisundisse. Vaatamata sellele on meie pilti ekraanilt eemal hoida üsna võimatu, sest kogu pildil toimub nii palju, kuigi näidatakse ainult vähe. Mulle meeldib mõelda ‘Last Year At Marienbad’ kui alateadvusest välja kujutatud film, selle korduva ja segase olemuse tõttu. Tegelased on segaduses veider maailmast, kuhu ka neid on pandud. See on küps ja kogenud teos ning leian, et põhiline süžee - mis hõlmab meest ja tema suhet kummalise naisega, kellega ta selgelt mäletab kohtumist eelmisel aastal, ehkki naine ei mäleta tema kohta sama - on väga ümbritsev, originaalne, kirglik, romantiline, unenäoline ja muidugi geniaalne.

58. Metsmaasikad (1957)

Kas olete kunagi olnud teel, kus teil pole midagi paremat kui aknast välja vaadata? Teatud aja jooksul vaatate välist vaadet, enne kui teie mõtted tormavad ja see, mis väljas on, on nüüd lihtsalt mall - see ei hoia enam teie tähelepanu. Nii juhtub Isman Borgiga, kes on Bergmani klassikalise meeleolutüki peategelane, kes on leidnud koha lugematutes kõigi aegade parimate filmide nimekirjades, sealhulgas Stanley Kubricku koostatud 1963. aastal. Ta reisib koos väemehega kraadi saamiseks 'Doktor Jubilaris' tema alma mater'ist. Ta ei meeldi talle ja plaanib oma poja maha jätta. Kuid meie professor, keda mängib särav Victor Sjöström, pole tuleviku vastu eriti huvitatud. Tema mõtted ja selle tagajärjel film, mille katapulteerisid paljud inimesed, keda ta oma teekonnal kokku puutub, heitis valguse ainult tema minevikule. Bergmani andestava ja kinnitatud objektiivi kaudu vaadatuna on tema mälestused lihtsad, tuttavad ja inimlikud. Nad ei ülista tema elu ega lükka tagasi tema saavutusi. Nad on räpased, nagu enamik meist ja on meelega moonutatud. Kui ta lõpuks kohale saabub, et talle au anda, mõistame, et ta ei vajanud kunagi tasu. Ta sai selle juba nendes maasikates, mida ta kogus koos lapsepõlve kallima, kaupmehega, kes teda mäletas, probleemseid suhteid oma naisega, häid ja halbu, lunastavaid ja andestamatuid. Nagu ka meie selle salapärase, seletamatult liikuva filmi kujul.

57. Mängureeglid (1939)

Jean Renoiri geniaalne, hammustav komöödiakomöödia suudab pärast kõiki neid aastaid üllatavalt hästi vastu pidada, jäädes samas mänguliseks ja kummitavaks kui kunagi varem. Nii kriitikud kui ka publik vaatasid selle väljaandmise ajal kõrvale, mille tulemusel lõi Renoir pärast katastroofilist esilinastust märkimisväärse osa filmist välja - osa, kus esines enamasti Octave'i tegelaskuju, keda mängis Renoir ise. Vaevalt on üllatav selle kasvu kasvu sellest ajast peale. Film oma kavalas ja autoriteetses žongleerimises tegelaste, teemade, toonide ja kujundusega on alati meelelahutuslikult meelelahutuslik, kuid mitte kunagi vähem hoolas või vähem uhkelt meisterdatud kui selle aja maailma parim kino. Selle hoolikalt võltsitud visuaalid pulseerivad keerukusega, kuid jõupingutusi pole kunagi nähtud ja film jätab teid imestama, kui sügavalt takerdunud te selle oskuslikult üles ehitatud õhkkonnas olite. Operaator Jean Bachelet ja Renoir mängivad kaameraga viisil, mis annab filmile õhulisust, kuid nende lakkamatu kontroll on see, mis muudab selle pidevalt intrigeerivaks ettevõtmiseks. Kui sellest kõigest ei piisa, peaksite teadma, et Alain Resnais ütles kunagi, et film oli ainus kõige ülekaalukam kogemus, mida ta kunagi kinos oli saanud. Hõõguvamat soovitust oleks raske leida.

56. Kolmas mees (1949)

Film-noir on žanr, mis on seotud filmidega, mis selle kõige katteks üllatavad tumedaid alleesid, varjatud, võrgutavaid tegelasi, salapära ja kreemjat mustvalget. Kuigi paljud neist piltidest on intrigeerivad ja pakuvad head aega, proovivad vähesed midagi uuenduslikku ja teistsugust. Kolmas mees on üks suurimaid filmimänge, mis kunagi tehtud, sest see räägib oma hämmastava loo erakordselt hästi, kasutades muljetavaldavaid hollandi kaldeid, silmatorkavat valgust ja kaunist muusikat. Film on seotud mehe ja tema enda läbi viidud uurimisega rahaliselt kindlustatud sõbra mõrva kohta. Süžee Kolmas mees on vooderdatud romantika, tumeda huumori, keerdkäikude ja põnevusega. Filmi võib oma südames nimetada armsaks armastuslooks, kuid kui kõik muu sisse visata, jääb see armumine kahtluse alla. Mängides meisterlikult kirjutatud stsenaariumi, on Carol Reedi põhiline opus see, mis hoiab teid oma istme servas kogu selle tagasihoidlikust, kergemeelsest esimesest aktusest kuni lõpuni, mis võib väga hästi olla kõige nutikam finaal mis tahes pildil. ' kunagi näen.

55. Karjed ja sosinad (1972)

Ingmar Bergmani traagiline peredraama käsitleb kurbust, mis on nii laitmatult meeleheitel kui ka palavikuliselt pakiline. See ei ole stseenide kaupa kannatlikult ehitatud ja lõpuks taldrikule toimetatud. Teid pannakse seda sisse hingama juba filmi avamisest alates, kus tutvustatakse peamisi mängijaid ja nende paadunud põlevat kurbust uhkete lähivõtetega, mis muudavad nende lämmatava ebamugavuse ilmekaks. Kõik see on kaetud armuandmatu punasega, karmiinpunase kujul, millega maja seinad, milles lugu toimub, on maalitud. Bergman teadvustab meid surmahaisust, mis ümbritseb naisi nii suurejoonelise suunaga, et tegelik surm ei põhjusta ärevust. Naiste olemuslikult vägivaldne igatsus muutis filmis kõik minu jaoks kummitavaks, verest läbi imbunud mälestuseks. Sven Nykvisti järjekindlalt paeluvaid visuaale leevendab Bergmani peen kirjutus ja näitlejate meisterlikult sisse elatud etendused. Helendav Liv Ullman näib müstifitseerivat ja vaimustavat iga kord, kui kaamera on tema peal, samas kui uskmatud Ingrid Thulin ja Harriet Andersson on oma töös nii varjatud, et tundub olevat invasiivne oma tunnetega kokku puutuda. Bergman ei anna meile selgeid ideid koju kaasa võtta, kuid eitab meile kõiki muid sensatsioone peale nende, mida tema tegelased kogevad. Me imestame, kui kaugele tema juurdepääs meie emotsioonidele ulatub ja ta laiendab seda igal sammul. Lõppkokkuvõttes ei tohi ‘Hüüdeid ja sosinaid’ uskuda, vaid neid tuleb elada.

54. Ükskord läänes (1968)

Võib-olla on see Morricone'i kummitav skoor või võib-olla Delli Colli nägemus, mis on sama lai kui läänes, või võib-olla Bronsoni ja Fonda silmis askeldav ränk rämps ja võib-olla on see kõigi nende aspektide kulminatsioon peaaegu igas kaadris maestro, Sergio Leone poolt . Kui vajate läänelikku, millel on nii John Fordi ilu kui ka Sam Peckinpahi andestamatu metsikus, siis pole Leone lähedal lihtsalt kedagi. Oma suurejoonelisena saavutab ta selle, mis võttis temalt 3 filmi varem, et luua keset kuskil müstiline maailm. Ehkki pinnal ei pruugi olla midagi vaimset, on filmis jumalaid. Jumalate spordikroonid, mis on täidetud 10 liitri püssirohuga, ja rüübavad, et nad neelavad veega alla. Samuti oli Henry Fonda antagonistiks valimine ilmselt selle kümnendi otsus, kuna tema jäised sinised silmad ei erinenud kõigest, mida Lääs kunagi näinud oli.

53. Annie Hall (1977)

Keegi ei saa väita, et mõistab segadust tekitavat ja kõikehõlmavat mõistust, mis on armastus nagu Woody Allen. Ja ükski Woody Alleni film pole lähedal selle näitamisele selle ehtsas, omapärases hiilguses kui see lugu Alvy Singerist, neurootilisest, nihilistlikust koomikust New Yorgis, kes armub kiindunud, lendava, rõõmsameelse Annie Halli ja siis kukub sellest välja. Film uurib ka Alvy’s ja Annie ‘Yin and Yang’ omamoodi suhete kaudu soolisi erinevusi seksuaalsuses. Lõpuks aktsepteerib isegi Alvy armastust kui 'irratsionaalset, pöörast ja absurdset', kuid elus vajalikku. Mitmete uuenduslike narratiivivõtete kasutamine, näiteks neljanda seina eksprompt lõhkumine, mineviku ja oleviku kiire vaheldumine sujuvate lõikude abil, subtiitrites kuvades, kuidas Alvy või Annie end tunnevad, kui nad tegelikult räägivad midagi täiesti erinevat, ja lugu loos 'tipphetkena tõstke juba kaasahaaravat lugu. ‘Annie Hall’ on tõenäoliselt esimene tõeliselt modernistlik romantika tselluloidil ja on selle asemel inspireerinud põlvkonda romantilisi komöödiaid. Ükski pole nii võluv kui see, mida nad püüavad jäljendada.

52. M (1931)

Helisalvestustehnoloogia algus - nähtus, mille pealkiri seisis 1927. aastal ‘The Jazz Singer’, viis filmides dialoogi küllastumiseni. Seda tehnoloogiat peeti enesestmõistetavaks otsese täiendusena, mitte tööriistana, mida kasutada koos väljakujunenud kinokeelega. Fritz Lang, mees, kes alustas oma karjääri hääletu kinos terve rea meisterlike teostega, sealhulgas Destiny, mängur Mabuse, Die Nibelugen ja erakordne Metropolis. Tema heliränne jõudis haripunkti 1931. aasta filmis „M” - filmis, mis vastupidiselt kõigile ümbritsevatele allikatele oli eemaldanud peaaegu kogu ümbritseva müra. Tulemuseks on vaikiv talkie, millel on valdavalt elutu õhkkond: selline, mis oma narratiivi nii tõhusalt toetab. Kõnealune lugu paistab silma lapsemõrvarile ja Saksamaa valitsuse ebapädevusele teda tabades - moodustades mõrvari karistamiseks oma känguru kohtu. See, mida Lang siin suhtleb, on sõnumis uskumatult küps: õiglust, mis väärib teenimist, õõnestab selle aja poliitiline kontekst - Natsionaalsotsialistliku Partei fikseeritud eutanaasiapoliitika ja üha vägivaldsemad ideaalid, mis avalduvad inimeste süüdistuste juures tigeda kasvajana. . Peter Lorre’i ettekujutus, mis on rikas paatosest ja piinatud humanismist, aitab koju haarata sügavat „M” -petust, mis on mõõtmatult liikuv ka tänaseni.

51. 12 vihast meest (1957)

Vastust, kas poiss oli süüdi või mitte, ei saa me kunagi teada. Kuid üks asi, mida 12 vihast meest kinnitavad, on loogika alati intuitsiooni üle, kui lollide maailmas on üks terve mõistusega mees. Ja kas rumalus on haigus või lihtsalt teadmatuse kõrvalprodukt? Sidney Lumeti draama ei palu teil kasutada oma aju südame üle, vaid püüdke jõuda punkti, kus saaksite otsuse langetada, töötades mõlemad tandemina. Koos oma neetiva stsenaariumiga, mis asub uhkelt kogu maailma filmikooli õppekavas, on kaameratöö ja lavastus Jaapani uue laine klassikast otse välja. Ansambli koosseisu unustamatu etteastega uhkeldav 12 vihast meest on Ameerika kino monument.

50. Linnatuled (1931)

Mitte paljudel varajastel filmitegijatel pole Chaplinile meeldivat tunnustust ja populaarsust tänapäeva kultuuris. Põhjuseks võivad olla paljud põhjused. Tema filmid kõnetavad igaüht ja on kõhutäie lõbusad, kuid lisaks sellele vaatavad tema lood melanhoolseid olukordi humoorikas valguses. Nii on tema tõenäoliselt isiklikuma pildiga ‘City Lights’, mis jutustab loo trampist ja tema püüdlustest nii vaesele pimedale lilletüdrukule muljet avaldada kui ka aidata. Ta teeb seda fassaadi all, teeseldes rikka mehe tähelepanu äratamiseks, kuid satub seda tehes hätta. Kui film on tänapäeval jätkuvalt sama naljakas ja puudutav kui enam kui 75 aastat tagasi, tähendab see tavaliselt, et midagi tehakse õigesti. „Lambivalgustid” on rasketel depressiooniaastatel vaesuse ja elu kujutamisega oma jälje jätnud, mis on nii hästi teostatud ja tundus, et ei jäta publikut kunagi liikuma, andes neile samal ajal lootust. parem homme.

49. Tule ja vaata (1985)

Uskumatult osava filmitegemise meeskonna teine ​​pool oli režissöör Elem Kilmov abielus Larisa Shepitkoga - heleda virtuoosiga, mis peitis tiibu ja tõusu. Kui ta autoõnnetuses nii kurvalt suri, lõpetas Kilmov töö oma erakordse poolelioleva projektiga „Hüvasti” (mis oleks selle koha lihtsalt võinud võtta) - ja ma arvan, et kogu selle konteksti teeb nii võimsaks see, kuidas mehe lein veritseb tema töö igas kaadris. Kilmovi kino näeb väljendamata raevu ja meeleheidet: kogu oma emotsioonide ülekaalus - ja vähesed kunagi tehtud filmid on pulseerinud sama võimsa tundega kui Tule ja vaata . Väidetavalt parim sõjafilm, mis kunagi tehtud, kajab Wehrmachti sissetungi Valgevenesse põrgatav kõrvulukustav plahvatus, košmaarne visuaal ja aeglaselt elust tühjenev maailm - stseenid on üles võetud uhkes õõnes valguses. Kuid kogu selle ängi korral leiab Kilmov tee transtsendentselt küpses järelduses tee mõistmiseni. Võib-olla leiab ta pühendumises elu mööduvuse mõtisklemisele lõpuks jõudu oma hilise naise luude matmiseks. Jääb vaid loota.

48. Seitsmes pitser (1957)

Alates esimestest piltidest Bergmani ikoonilisest dokumendist usu, hirmu ja rahulolu kohta on teile loits. Terav, teraline pilk merele, rannikule ja sellel julge julge rüütel ja tema saatuslik kohtumine surma kehastamisega määrab filmi objektiivsuse selguse, isegi kui see jätab ruumi võrgutavale, peaaegu hirmuäratavale ebaselgusele, et pidevalt kohal olla. Magnetlavastusest saavad kasu võrreldamatu Max von Sydow ja rühm näitlejaid, kes tõstavad Bergmani hämmastava materjali, mis põhineb tema näidendil 'Puidumaal' ootamatule tasemele, ja 'Seitsmes pitser' oma 90 minutiga mõjutab põlvkondade kaudu edasi antud vana muinasjutt, mis käivitab kujutlusvõime palju avaramalt, kui see ise loota suudab. Gunnar Fischeri sädelev, karge must-valge tagab, et ahistav intensiivsus roomab meie naha alla. Voolusarnane voolavus on tingitud ülevast enesekindlusest ja käegakatsutavast tasakäelisusest. See võib olla täiesti lihtne lugu, et sellegipoolest peidab end rinnal väärtuslikke ideid, kuid see on õmmeldud nii keeruka ja julge kangaga, et ei saa muud üle vaadata, kui see kestvaks mälestuseks tõlgib.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellini ettevaatlikult, kannatlikult ja poeetiliselt pehmendatud virtuoos on tema Palme d'Ori võitja juures täielikult välja pandud, mis haarab oma hingestatud ja varjulises glamuuris eluviisi, mis tundub liiga tabamatu ja mõnes mõttes liiga reaalne. Selle tempo rõhutab peategelase sihitust ja sunnib meid suplema elu elavuse sümfoonilises paigutuses ja selles, kui põgus see kõik on. Seda peategelast mängib karjääri parim Marcello Mastroianni, kes kasutab seda ajaannet selleks, et täita oma silmad vastupandamatu maailmaväsimusega. „La Dolce Vita” teatavate osade olulisuse kahtluse alla seadmine, mis võib tunduda filosoofilise impordi või narratiivse asjakohasuseta, on lükata tagasi võimalus lasta pikantsetel detailidel end üle uhada ja mõelda tagajärgedele. Kui Nino Rota taevane partituur viib meid Rooma peadpööritavasse maailma, vaadatuna läbi Fellini illusoorsete silmade, näete te ainult seda, mida ta soovib, et te näeksite, ja see muutub kiiresti ka teie.

46. ​​Psühho (1960)

Inimesi võib parimal juhul kirjeldada omapärastena. Inimese mõistus, mis on võimeline paljudeks hämmastavateks asjadeks, on võimeline ka taandarenema üle mõistuse. Alfred Hitchcocki ’Psycho’ ei vaja tutvustusi, kuna hoiab pead kõrgel, aegumatute kinode keskel. Lisaks klassikale on see ka kurb kommentaar inimeste ebaõnnestuva moraali kohta. Ja see ei ole Norman Batesi meelest! Proua Batesi söövitav seos, mis Normani elu läbi lapsepõlve ja lõpuks täiskasvanuks muutis, on meeldetuletus sellest, kuidas armastus võib lämmatada. Kuulsalt võttis hr Hitchcock psühho kohta vastu kummalised põhimõtted, mis hõlmasid ka hilistele osalejatele mitte lubamist filmi. See võeti vastu, et tagada filmi pulseeriva kulminatsiooni stseeni täielik õiglus. Tõelises vormis põnevusfilm „Psycho“ on lugu pojast, tema emast ja nende ebatervest omandisuhtest. Hitchcockit valiti finaali pärast nii ägedalt, et ta propageeris filmi selle sildireaga - 'Ära anna lõppu - see on ainus, mis meil on!'

45. Solaris (1972)

Tarkovski ‘Solaris’ on üsna sarnane filmis kujutatud nähtustega. Alustades mind selle sügava juurdunud kontseptsiooniga ja lõpetades üksuseni, kellega ma ei saa lahku minna, on see kogemus, mis paneb mind mõtlema iga universumi moodustava molekuli unustamatu olemuse üle. Võib-olla oleme teadlikud teaduslikest mõõtmetest, kuid kas mõni seade suudab arvutada, kui palju armastust või kurbust on südames nanogrammis? Kas suudab midagi leida ajurakku, kus elab unustamatu mälestus? Alates Bachi lummavast muusikast avanädalas kuni mitmeaastase kiirteestseenini on Tarkovski ajakasutus vaataja eraldamiseks normaalse maailma toimimisest meisterlik. Solaris on valdkond, kus emotsioonid saadavad teid pöörasusega pöörlema, kuid kes ei emiteeriks, kui hullumeelsus on katsumiseks ilus ja piisavalt siseeluline, et vabastada teid iseendast.

44. Schindleri loend (1993)

Oluline film, mis Spielbergi dramaatilisusest annab suurt kasu, on see enda jaoks sama häiriv ja tundlik kogemus. Film on nagu paljud teised selles nimekirjas meistriklass milleski, mida mulle meeldib nimetada lihtsaks, mõjusaks jutustamiseks. Jutustus järgib saksa ärimeest Oskar Schindlerit, kes päästis holokausti ajal oma tehastes tööle pannes enam kui tuhande juuti elu. Kõik kolm peaosa, Liam Neeson Oskar Schindleri rollis, Ralph Fiennes Amon Gothi rollis ja Ben Kingsley Itzhak Sterni rollis, on suurepärases vormis, pöördudes kõige siiramates etendustes. Eriti filmi lõpu poole jääv stseen, kus Schindler laguneb, arvestades veel mitmeid elusid, mida ta oleks võinud päästa, on sügavalt liigutav ja jääb minu meelest Cinema üheks võimsamaks, südant esitavaks stseeniks. See, et film on filmitud mustvalgena, harva ja aeg-ajalt kasutatava värviga olulise elemendi sümboliseerimiseks või esiletoomiseks, suurendab kogemust. Spielbergi parim film on hõlpsasti oluline filmi vaatamise kogemus.

43. Araabia Lawrence (1962)

Kino kui meedium muutub aina suursugusemaks. Kuna nende käsutuses on tipptasemel tehnoloogia, pakuvad tänased filmitegijad meile siseelundite filmielamusi. Kuid on mõned filmid, mis on tehtud enne, kui CGI oli moes, mille puhas ja monumentaalne ulatus pole eakaaslast leidnud. Elul põhinev David Leani eepiline ajalooline draama T. E. Lawrence , üks Suurbritannia tunnustatumaid tegelasi, on üks selline film. Selles mängib Pater O’Toole Lawrence'ina ja krooniks tema seiklusi Araabia poolsaarel Esimese maailmasõja ajal. Kohe algusest peale maalib David Lean lõpmatust kõrbest särava liikuva pildi kogu oma hiilguses, abiks operaator Freddie Young ja haarav partituur Maurice Jarre. Kuid see ei ohusta mingil juhul emotsioone ekstravagantsuse nimel. Selle keskmes on „Araabia Lawrence” vapustav Lawrence'i tegelaskuju - tema emotsionaalsed võitlused sõjale omase isikliku vägivallaga, tema enda identiteet ja jagatud truudus oma kodumaise Suurbritannia ja selle armee ning tema vastloodud seltsimeeste vahel. araabia kõrbehõimud. See tervislik kvaliteet muudab filmi “Lawrence Of Arabia” üheks mõjukamaks filmiks, mis üldse eksisteerinud.

42. Otsijad (1956)

Väidetavalt kõigi aegade suurim vestern, John Fordi suurepärase karjääri parim film “Otsijad” on Ameerika klassika, mis kuulub viiekümnendate aastate parimate filmide hulka. Ehkki tol ajal imetleti ja austati, ei tunnistatud selle loksutavat, vapustavat jõudu paar aastat, kuid seitsmekümnendate aastate alguseks tervitati seda kui žanri klassikat ja võib-olla kõige paremat läänelikku, mis eales tehtud. Kindlasti on aeg mõnda filmi võimsust kahandanud, kuid mitte seda Wayne'i kõrguvat, raevukat etendust ega filmi rassismi, mis viha ja raevu üles kütab. Filmi juhtiv narratiiv, Ethan ja tema otsingud on ajatud, sama võimsad tänapäeval kui toona, võib-olla rohkem seetõttu, et nii paljud peened jutupunktid on nüüd selged.

41. Pather Panchali (1955)

Film, mis tõi India kino maailmale ja andis kinole ühe parima autori, Satyajit Ray. Bibhutibhusan Bandopadhay romaani põhjal on ‘Pather Panchali’ jutustatud vaesunud perekonnast, kes püüab läbi elada paljude elu raskuste kaudu. Võib väita, et see romantiseerib vaesust, sest vaataja on tunnistajaks paljudele katsumustele, millega pere silmitsi seisab, elatist teenides. Vaatamata sellele jäävad vaatajasse just hetked, sekka maestro Ravi Shankari muusikat. Kiindumuslik suhe Appu ja tema õe Durga vahel, rongijada, mis on filmi üks tipphetki, viib filmi hoopis teisele tasandile. Aastate jooksul on ‘Pather Panchali’ saanud üheks kultusfilmiks ja ilmub regulaarselt kõigi aegade suurimate filmide nimekirjadesse ja seda ka teenitult.

40. Casablanca (1942)

Põhiline Ameerika klassikaline film. Selle võlu on võib-olla midagi nii nakatavat, et sa ikka armud sellesse, isegi kõik need aastad. Lisaks tohutule uuesti vaadatavuse tegurile on selle meeldejääv tulemus (kui aeg läheb!) Ja ülimalt tsiteeritav dialoog tugeva juhtumi. Lihtsamalt öeldes on see maiuspala, kui suurepärase kinokogemuse kõik elemendid on olemas just õiges koguses!

Süžee on pehmelt öeldes lihtne, mõnikord piirdub banaalsega. Küüniline ja südamest murtud mees, kes peab Casablanca kuulsamat ööklubi, satub teeristile, kui armastatud daam ilmub koos abikaasaga. Siinsed süžeeseadmed on kuulsad transiidikirjad, kuid lugu räägib otseselt kahest armukesest, kes on asetatud Teise maailmasõja algfaasi taustal, ja Bogarti tegelaskuju karmist otsusest riputada või lahti lasta. Kuid nagu paljude selle žanri filmide puhul, teeb ka hukkamine trikki, muutes ‘Casablanca’ üheks kõigi aegade kõige veenvamaks romantiliseks draamaks, mis on samuti uskumatult hästi mängitud; Humphrey Bogart ja Ingrid Bergman on tipptasemel ning neid toetavad osavalt sellised mängijad nagu Paul Henreid, Claude Rains ja Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Kino kui kunstivormi vaadates ei saa eitada Barry Lyndoni täiuslikkust, alates kaunist kinematograafiast, hüpnotiseerivatest setidest, silmapaistvast muusikast kuni võimsa lavastamiseni. Jutuna räägib see noore mehe elust 18. sajandi Euroopas, kui ta ronib sammudel aristokraatia suunas, et teda oma halb saatus tagasi juhtida. Pilt sisaldab endas suurimaid stseene, mida on kunagi filmitud, kasutades lõuapidi valgust, värve, füüsilisi omadusi jne. Pole paremat viisi inimese elu kokkuvõtmiseks kui objektiivne vaatamine ja see on see film on tehtud ebausaldusväärse jutustaja abil. See on külm ja kauge, andes publikule harva võimaluse tunnetada peategelast. Sellest vaatenurgast Barry Lyndon on rikkalik tegelaskuju, millel on rikkad tegelased, realistlik puudutus ja poeetiline viis emotsioonide edastamiseks. See on lihtsalt kino oma parimas vormis.

38. Kindral

Nimekirja üks vanimaid pealkirju ‘The General’ on meeldetuletuseks, et paljud tänapäevased action-meistriteosed istuvad väga pikas varjus, mille pole keegi teine ​​kui vaikne komöödiageenius Buster Keaton. Nii suurejoonelise loominguga nagu isegi Charlie Chaplin, kaubeldakse viimase kunstniku armsate trampidega Keatoni puhul mõnusalt totakate tegelaste kavalkaadiga; kõik ümbritsetud harjava kinematograafiaga, mis venitas meediumi piire sellistes filmides nagu Sherlock juunior ja The Cameraman. Seda kõike mainimata isegi tema magnum opust, 1927. aasta „Kindral: Pärast konföderatsiooni inseneri, kes tormas hoiatama oma poolt edasiliikuvate liidu vägede eest Ameerika kodusõja ajal. Selle narratiiv moodustab malli George Milleri hiljutisele filmile 'Mad Max: raevu tee' ja peaaegu igale kunagi tehtud kassi-hiire filmile, mis kestab oma lustaka komöödia, muljetavaldavate eriefektide ja vaprate trikkidega, mis näevad, et Keaton seab oma elu rohkem ohtu. kui kunagi varem oma armastava publiku kummardamise pärast. Kindral on endiselt üks - kui mitte - parimaid põnevusfilme, mis eales valminud - see on lõbus iga oma untsu ja suudab kokku kutsuda nii palju suurepäraselt käsitsetavaid eepilise skaala hetki, et konkureerida kõigi tänapäeval tehtud CG-ga koormatud mölludega.

37. õhk (1966)

Aeg ? Õõtsuvad kuuekümnendad. Koht? London. Pimestav ja rabelev linn. Elujõuline ja glamuurne. Seks, narkootikumid ja rock n roll. Kokkuvõttes üks päev Thomas, elu elava moefotograafi elus, ütleme nii, et kahtlane moraal. Sündmusterohke päevaga avastab ta pargis üsna varjatult jäädvustatud paari fotosid, avastades selles surnukeha. Ta läheb samasse kohta ja leiab, et keha on paarist pärit mees. Kardab, et ta tuleb tagasi oma stuudiosse, et leida see rüüstatud, kuid alles on üks surnukeha foto. Järgmisel päeval keha kaob. Kes ta mõrvas? Ja miks keha kadus? Miks tundis Thomas, et teda jälitatakse? 'Blow Up' on režissöör Michelangelo Antonioni klassitegu, mis on aastate jooksul inspireerinud paljusid filmitegijaid, sealhulgas Brian De Palma ja Francis Ford Coppola.

36. Täpse meele igavene päikesepaiste (2003)

Armastuse ja südamevalu peadpööritavat, sürrealistlikku epifaaniat pole kunagi uuritud nii ja nii edukalt, nagu seda teeb „Täpse meele igavene päikesepaiste”. Lopsakas kaunite piltide ja leiutava partituuriga, mis sarnaneb vaikse ajastu stiilis heliribaga, on võimatu kõike seletada ‘Täpse meele igavese päikesepaiste’ kohta. Kahtlemata on film kaetud raskesti jälgitava narratiiviga - ehkki tegelikult on see lihtne, kui hakkate jälgima - see on üks neist filmidest, mis on rikkalikult tasuv juba sellepärast, et te ei saa end takistada ülimõtliku kontseptsiooni üle ujutamisest ja sügavalt liikumisest film, mis see on. Kuid saate tegelik staar on selle kirjanik, Charlie Kaufman , kes filmi „Täpse meele igavene päikesepaiste” näol oleks võinud väga hästi kirjutada kõige sügavaima geniaalse stsenaariumi filmiajaloos. Film, mis pole mitte ainult omamoodi ainulaadne, vaid on ka lõpmatult uuesti vaadatav, kusjuures igal vaatamisel võib leida midagi uut.

35. Taksojuht (1976)

Saates 'Taksojuht' annab Martin Scorsese meile Travis Bickle'i ühe meie aja häiritumaid, ebatõenäolisi, kuid siiski kapriisseid peategelasi. Film jälgib teda, kui temast saab unetusega toimetulekuks taksojuht ja jälgib, kuidas teda ümbritsev linnas valitsev hullus aeglaselt ületab. Tegelik viis, kuidas taksojuht filmina võidab, on see, kuidas see õnnestub teie juurde pugeda, tehes aeglaselt trassi ja õuduse, mis näib Travis Bickle'i vaevavat. Selles teenib see õigustatult oma vahet psühholoogilise põnevusena kui draama, töötades sageli mitmel tasandil kui lihtsalt need kaks. Film võib oma tumeda teema, veelgi tumedama käsitluse ja käputäie vägivalla tõttu olla mõnele häiriv kell, kuid vaatajate jaoks, kes soovivad sellest mööda vaadata, pole see sugugi suurepärane katse mõista filmi osa inimese psüühika, mis enamasti tuleneb endast valvsuse vormis. Ma mõtlen, kes ei muhele meie aja ebakorrektsuse juurde jõudmise ja selle tagasi andmise üle? Taksojuht mängib väga sügaval soovide täitmise fantaasias väga tõhusalt. Nüüd peetakse seda filmi laialdaselt üheks kõige olulisemaks filmiks, mis kunagi tehtud on, ja see tutvustas maailmale Scorsese jõudu.

34. Au teed (1957)

Enne kui Stanley Kubrick marssis edasi uurima ühiskonna seletamatuid aspekte, mis mitte ainult ei ületanud aega, vaid ka vaatajate ootusi nende endi poolt, tegi ta selle neetiva sõjatüki, mille ma asetan kõrvuti ‘Tule ja vaata’ kõrvale. Erinevalt viimasest eraldab Paths of Glory oma südantlõhestava WW-esituse samast inimlikkuse madalusest, mis domineeris Kubricku viimastes teostes. Kubricku maailmas pole deemonid verest ja mudast kaetud, vaid medalite ja uhkusega ning pagan süveneb kõige pühamates kohtades, kohtus. Ajal, mil tööstus oli võtnud kasutusele atraktiivse 3 riba, värvis Kubricku monokroom sõda ühe varjundiga. Laibad, kaltsud, kasarmud, suits, tuhk, kõik olid maskeeritud piinava agoonia ühise vaatega.

33. Kolm värvi: punane (1994)

Kunstniku surma kõige kurvem osa on see, kui arvate, et nende viimane teos on juhtumisi kõigi aegade suurim. Nii oli see Poola autori Krzysztof Kieslowski ja tema viimase filmi ‘Punane’ puhul. Kieslowski oli juba pärast filmi esilinastust 1994. aastal Cannes'is teatanud, et ta loobub filmitegemisest, kuid see on veelgi kurvaks teinud tema traagiline surm peaaegu kaks aastat pärast pensionist teatamist. ‘Punane’ on tema ülimalt hinnatud „Kolm värvi“ triloogia viimane osa ja räägib noorest naisest, kes satub kokku vanainimesega pärast seda, kui ta kogemata autoga oma koera lööb. Vana mees on pensionärist kohtunik, eraldatud elust ja igasugustest emotsioonidest ning veedab aega teiste inimeste luuramise üle. Nende kahe vahel tekib ebatõenäoline side peene romantilise alatooniga. ‘Punane’ räägib juhustest ja kokkusattumustest, mis meid igapäevaselt tabavad, ning meie suutmatusest selle ilu ja olulisust ära tunda. Filmis on seletamatu melanhoolia tunne, mis räägib inimsaatuse ja aja tragöödiast ning sellest, kuidas me maailmas inimestena oleme mingil või teisel viisil seotud. ‘Punane’ on filmitegemises hämmastav saavutus ja on lihtsalt üks suurimaid filme, mis kunagi tehtud.

32. Sierra Madre aare (1948)

Nagu nimigi ütleb, seostame aardejahti sageli pulseeriva seikluse ja sellega seotud adrenaliinilaksuga. Kuid on väga vähe lugusid, mis räägiksid emotsioonidest, mida inimesed selle kulla saamiseks teekonnale asudes kogevad. Sageli öeldakse, et raskused toovad esile teie tegeliku iseloomu. ‘Sierra Madre aare’ räägib loo, kus kullaiha toob tegelastes kaasa ebameeldivaid muutusi, mis lõppkokkuvõttes toovad kaasa nende isikliku kõleduse. Ehkki keskendutakse südametunnistuse rikkumisele tekitatud ahnusele, jääb vaataja juurde ebasoodsates olukordades inimtegelase uurimine. Traagiline ahnuse ja reetmise lugu võitis see film akadeemia parima režissööri, kõige paremini kohandatud stsenaariumi ja parima kõrvalosatäitja auhinna. Aastate jooksul on sellest saanud kinokunstnike kultusklassika kogu maailmas.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, termin, mida tähistatakse ajakirjades või raamatutes, kus tuuakse esile vägivald, seks ja kuritegevus. Need elemendid panid ajakirjad müüma nagu kuumad pannkoogid. Tarantino võttis need elemendid, sulandas need kolme loo ümber ja lõi narratiivi, mis ei olnud väiksem kui kinogeenius. Üks ainulaadsemaid popkultuurifilme, mis on tehtud, tutvustatakse vaatajale maffiamängija Vincent Vega, tema kuritegevuse ja motoorika partneri Jules Winnfieldi, gangsteri naise Mia Wallace'i, poksija Butch Coolidge'i maailma kuritegevuse ja vägivalla stiilne käsitlus. Filmi üks olulisemaid külgi, mis selle edule aitasid, oli Samuel L Jacksoni esitus. Nagu lööja Jules Winnfield, kes tsiteerib piiblisalmid löögiliinidena, oli ta fenomenaalne. Selle ajastu üks suurimaid filme ‘Pulp Fiction’ on muutunud õpikuteks pürgivatele filmitegijatele kogu maailmas.

30. Alžiiri lahing (1966)

Vähesed filmid on poliitilise koormuse kandnud viisil, mis rikastab nende kinematograafilist efekti, kuid jätab liialdatud nimega süütavale Itaalia maestro Gillo Pontecorvole ülesandeks võtta Alžeeria rahva 50-ndate aastate lõpupoole endiselt hõõguv leegipunkt ja muuta see millekski täiesti veenev. Jätkuvalt paralleelsed paralleelid, mis Pontecorvo tänuväärselt neutraalselt täheldab mõlema poole terrorit ja terrorismi, muudab Alžeeria lahingu läbielamise põnevaks väljakutseks meie arusaamisele mustvalgest sõjast, a-la Miklós-i külmetavast külmast. Jancsó kustumatu filmograafia. Pealegi on selle uudiskirjanduse monteerimistehnikad filmikommunikatsiooni maamärgiks ja kasutasid minu meelest Nouvelle Vague'i meeletut lõikamistehnikat palju tugevamalt kui paljud selle uurivad mastipead. Kord nähtud, mitte kunagi unustatud - ‘Alžeeride lahing’ on lihtsalt maailmakino oluline osa.

29. Goodfellas (1990)

Režissööri unistus on luua ajastu film, mis on tehtud. Kuid Martin Scorsese jaoks on see harjumus. Iga aastakümne jooksul, mil ta on olnud A-Lister, on ta teinud filmi, mida peetakse selle perioodi suurimate hulka. 1970. aastatel tegi ta „Taksojuhi”, 1980. aastatel „Raging Bull”, 1990. aastatel „Goodfellas”, 2000. aastatel „The Departed” ja 2010. aastatel „The Wolf Of Wall Street”. Ja see 1990. aasta gangsteridraama, mis põhines mafioosikaaslase Henry Hilli tõelisel lool, sai žanri üheks etaloniks. Hill esitas esimeses isikus jutustatud filmi kroonika tema tõusust ja langusest osana New Yorgi maffiast aastatel 1955–1980. Vastupidiselt kogu gangsterite ekstravagantsusele filmis „Ristiisa” või „Scarface” käsitleb „Goodfellas” filmi gängsterite igapäevase elu autentsed üksikasjad, keskendudes sama palju tähelepanu Hilli suhetele oma naise Kareniga kui tema ekspluateerimist oma jõukaaslastega. Kuid Scorsese kasutab oma trikkide värisemas olevaid nooli, et muuta see asi ahvatlevaks see legendaarne pika jälgimise lask , mõni meeldejääv dialoog ja plahvatusohtlik tegevus Joe Pesci poolt Hilli tormilise kaaslase Tommy DeVito rollis. Kui rääkida krimižanrist, siis on ‘Goodfellas’ nii hea kui saab.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese on tuntud oma filmides purustatud, vigade, sageli ennasthävitavate peategelaste lugude kujutamise poolest. Ja ta on sageli uurinud ajaloo aastaraamatuid, et leida oma langenud kangelasi tõestisündinud lugudest. ‘Raging Bull’ on legendaarse poksija Jake LaMotta elulugu, kelle enesehävitav ja obsessiiv raev, seksuaalne armukadedus ja loomalik isu, mis olid temast ringis meistriks teinud, hävitasid tema suhted naise ja perega. Film on üleni must-valgelt üles võetud, et tõestada kujutatud ajastut ja selle määratletud tumedat, masendavat meeleolu. Scorsese arvas, et see saab olema tema viimane projekt. Seega oli ta filmitegemisel hoolikalt nõudlik. Sama pühendunud oli Robert De Niro, kes mängib peaosa. Ta kogus 60 naela ja õppis tegelikult poksijaks. Ta imbub LaMotta lühisulanud maneeridega tulise täiuslikkusega, kui ta end täielikult karakterisse uputab. Ta sai hädade eest väärilise. See on Scorsese-De Niro suurim triumf. Intensiivne, võimas magnum opus.

27. Ristiisa: II osa (1974)

Teiste osade ajaloos on teada, et vähesed filmid vastavad esimeste hiilgusele, üksi jätmine ületab neid mõnes aspektis. Kui koostatakse nimekiri sellistest filmidest, on selle kroonijuveeliks „Ristiisa: II osa”. Esimese pärandi järgi elamine oli iseenesest mammutülesanne, kuid see ristiisa saaga jätkamine ei õnnestunud mitte ainult selles, vaid laiendas ka oma pärandit, et saada osaks Ameerika suurimast organiseeritud kuritegevuse loost, mida kunagi räägitud on. Film esitab kahte paralleelset narratiivi; üks tegeleb Michael Corleonega kui Corleone ‘pereettevõtte’ uue juhiga, teine ​​demonstreerib noorena Vito Corleonena suurepärast Robert De Nirot ja tema võimuletulekut. Need kaks lugu on oskuslikult kootud, pakkudes ahvatlevat narratiivi, mis ei lõdvesta vaataja haaret kordagi. Al Pacino teeb siin oma parimaid töid, tema uus pilk närib maastikku praktiliselt iga kord, kui ta ekraanile ilmub. Üks neist täiuslikest filmidest, mida saab vaadata ajast, kohast ja viimasest vaatamisest sõltumata, ja lõpuks jõuate täieliku alluvuse ja aukartuseni. Kui I osa on püha altar, siis II osa on leib ja vein.

26. Kellakeelne apelsin (1971)

Esimene asi, mis pähe tuleb, kui palutakse seda filmi ühe sõnaga kirjeldada, on ‘häiriv’. Ainuke film nimekirjas, mida julgen uuesti vaadata, tabasin end seda filmi vaadates mitu korda võpates. ‘Kellakeelne apelsin’ on kõige kompromissitum sotsiaalne kommentaar, pakkudes teravaid pilte, millest ei pruugi kunagi taastuda. See on pime, väändunud ega paku lunastust neile, kes otsivad seda filmis, kus ühiskondlikus mõttes on düstoopia ilmselt kõige süngem. Ja selles peitub minu arvates filmi edu häiriva sõnumi koju viimisel. Mis tahes viisil, mida võite ette kujutada, ebatraditsiooniline, see pakub meile peategelasi, kes on südamest hoolimatud ja kes lasevad end ultraviolettide ja vägistamiste vastu; see kommenteerib asjade sotsiaalpoliitilist olukorda kõige karmimal viisil, mida võite ette kujutada, paneb teid segadusse, kuna Alex DeLarge (keda mängib karismaatiline Malcolm McDowell) allutatakse ebainimlikele viisidele ja ta jätab publiku hätta. farrago kõigist asjadest, mida see häiriv kogemus tekitab korraga. Tõesti, Kubricki mõõtmetega teos.

25. Vertigo (1958)

„Vertigo” lugu on selline - endine detektiiv Scotty (James Stewart) põeb akrofoobiat seoses ametikohustusel aset leidnud juhtumiga. Tema poole pöördub üks vana sõber, et hoida silma peal oma naisel Madeleine'il, keda ta usub olevat vallatud. Esialgu skeptiliseks muutus Scottie peagi ennasthävitavalt päris kena kinnisideeks, kes näib olevat palju enamat, kui ta lubab. Alfred Hitchcocki sära seisneb selles, et tema suurimad filmid, mis on põnevust esimest korda vaadata, näivad iga järgneva piilumise korral vaatajale uue mõistmiskihi. Muidugi, pealiskaudsel pilgul ‘Vertigo; on hästi välja töötatud psühholoogilise mõrva mõistatus. Kuid seda ikka ja jälle jälgides hakkavad tema teemad - mehe agressioon ja naispildi loomine mehe mõtetes - avanema lõpmatu kastina ja haarama teid. Tõenäoliselt kõige peenemini vananenud film, mis kunagi tehtud, Vertigo aeglaselt põlev sära annab tunnistust tõsiasjast, et segaste arvustuste avamisel peetakse filmi laialdaselt üheks suurimaks filmiks, mis kunagi tehtud. Meistriteos põnevusmeistrilt.

24. Hiroshima, minu arm (1959)

Prantsuse vasakpoolse kalda visionääri Alain Resnais 'meelest sündinud ‘Hiroshima mon amour’ on film, mis nutab transtsendentaalse jõuga. Selle ajaline lugu on põimunud mälu ja mõlema armistumisega, mis aset leidsid Hiroshimas Teise maailmasõja ajal ja mida jutustasid kaks inimest - üks prantslane, üks jaapanlane -, kui nad üritavad kokku panna valitsevat sõnumit seal põhjustatud laastamisest. Välja arvatud, et sellisest rumalusest pole intellektuaalselt ega emotsionaalselt midagi saada. See on rahvusvahelisest leinast leotatud töö, mis ulatub kaugemale kui konflikt ise ning tõde ja repressioonidesse, mis inimesi iga päev jälitavad. Aatomiplahvatuse kajade kaudu leiame väikese osa sellest, mis meil endil nii valesti on. Asjaolu, et Resnais lihtsalt mõistab seda puutumatut segadust, selle asemel, et seda parandada, on see, mis muudab ‘Hiroshima mon amour’ kino üheks suureks meistriteoseks.

23. Juhuslik Balthazar (1966)

Robert Bressoni kõle meistriteos on enesetunde harjutus. See juhib kõrvale selge peategelase või keskse teema määratlemisest, kui te ei arvesta Balthazari looduse imelist jõudu ja kui võtate filmi nimiväärtusega, siis ei. Kuid kui lubate tal olla oma ligipääsupunkt filmi emotsionaalsele ja temaatilisele maastikule, on sellest tasu saamata tagasitulek keeruline. Balthazari omapärane, lahja ja lahe visuaalne stiil tundub tagantjärele peaaegu glamuurne; selle rahulik haprus mähitud resigneerunud, üksikult tarka kontrollitundesse. Isegi selle käegakatsutav ausus peidab endas uuritud jõupingutusi, et pisut tagasi hoida, toita oma sättimise ja iseloomu lihtsuses rikkust, mis on publikule jäetud avastamiseks ja mõnel hingematval juhul ette kujutada. Kuna näitlejad räägivad oma kitsikusest nii vähe, kogeme juhuslikke, põhjendamatuid julmusi ja tunneme lämmatavat kurbust jaoks neid. Kujundil, kus isegi kõige edukamate kunstnike eesmärk on ainult tõsta vaatajate meeli, vastates proovitud proovile, pakkusid Bressoni pildid mulle lüürilist malli, et minu kaastunde suurusele tugineda, et isegi hinnata, kui teadlik see kaastunne on .

See kõik viib mind tagasi oma algse mõtte juurde. Balthazari iga hetke tähtsuse omistamine ei sõltu sellest, kas eeldame, et selle sisu on sotsiaalse või isegi poliitilise iseloomuga allegooriaid, vaid sellest, kuidas need meid muudavad tunda nautides nende keerukust ja vaikust, selle asemel, et toetuda enamus filmides kasutatavale mõttetusele ekspositsioonile. Seega on täiesti mõistlik, kui peategelane on samanimeline eesel.

22. Andrei Rublev (1966)

Usun, et ‘Andrei Rublev’ on vene autori Andrei Tarkovski ajas kujundamise kontseptsiooni suurim näide. Suur osa tema viimastest töödest olid abstraktsed, kuna ta käsitles uskumatult isiklikke teemasid ja visualiseerimist, mis olid ajaperioodidel laiali. ‘Andrei Rubleviga’ tabas Tarkovsky ise aega ja paitas seda siis kunstniku hinge kõige sügavamate varjunditega. Tarkovski on ilmselt ainus filmitegija, kes suutis kunstniku repressioonide kujutamisel anda kõrgeima saavutuse. Ta uurib Venemaa rõhuvaid režiime, mis on sama põlisrahvuses kui selle põhjalik kirjandus, mis on üllataval kombel seadnud kahtluse alla kõige vaimustavamad vaimse ja metafüüsilise küsimused. Paljusid Tarkovski hilisemaid jooni, sealhulgas loodusvoo filmimist, võib täheldada Andrei Rublevi teekonnal. See on film, mis teid filmib, purustab ja mõtlema paneb - nii filmi ajal kui ka kaua pärast krediidi lõppemist.

21. Seiklus (1960)

Kuidas suhtute lahendamata müsteeriumisse? Või pooleli jäänud lugu? Kas otsite sulgemist, otsides seda meeleheitlikult? Või aktsepteerite fakte ja lähete siis edasi? Kas pole see elu? Kompromiss ja edasi liikumine? Film, mis tõi Michelangelo Antonionile tunnustuse kogu maailmas, ‘L’Avventura’ on lugu noorest naisest, kes kadus Sitsiilia ranniku jahisõidul. Tema otsimine toob endise kallima ja parima sõbra kokku ning algab häiriv suhe. Kuigi lugu on kootud kadunud naise otsimise ümber, on selle tegelik eesmärk luua narratiiv, keskendumata suursündmusele ja suutmata publikut siiski köita. Kesksete tegelaste tegelikke motiive ei selgitata kunagi täielikult ja filmi lõppedes on vaataja sunnitud leppima sellega, et mõned sündmused jäävad seletamatuks, täpselt nagu elu. Vaieldamatu meistriteos!

20. Hingetu (1960)

Juba ammu enne seda, kui Quentin Tarantino purustas Ameerika indie-skeenele oma metsikult läheneva lähenemisviisi filmindusele, mis tõstis stiili fookust ainele, oli see mees nimega Jean Luc-Godard, kes kartmatult võttis üle traditsioonilised kinematograafilised grammatikad ja murdis need hoolimatult filmi nimega 'Hingetu', määratledes ja kujundades filme selliselt, nagu me seda täna näeme. Võib-olla pole ühelgi teisel filmil õnnestunud tabada nooruse põgusat hullumeelsust viisil, mida ‘Hingetu’ teeb oma hoolimatu energia ja joovastava meeleoluga. Hüppelõikude friiklik kasutamine virgutab eelduse loomupärast hullumeelsust, kuna Godard küünitab teid ägedalt oma tegelastest eemale, paludes teil kogu loo asemel keskenduda loo killustatud aspektidele. ‘Hingetu’ on filmiajaloo üks olulisemaid debüüte ja kuigi see jätkab kinefiilide ja kriitikute polariseerimist, ei saa eitada mõju, mida see moodsale kinole avaldab.

19. Seitse samurai (1958)

Akira Kurosawa on üks originaalsemaid, mõjukamaid ja refereeritumaid režissööre, kes kunagi elanud. Roger Ebert ütles kunagi Kurosawa kohta: 'Võib väita, et see suurim lavastaja andis järgnevaks viiekümneks aastaks tööd tegevkangelastele' ja ta poleks võinud olla õigem. Sergeo Leone ’A Fistful Of Dollars’, mis olevat sünnitanud Lääne spagetid, sai inspiratsiooni Kurosawa ‘Yojmbost’. Ka meie praegune sissekanne on tehniline ja loominguline valgala ning on inspireerinud lugematuid otseseid ümberjutustusi, samuti palju visuaalset elementi kaasaegses kinos . Eepiline draama kroonib seitsme loo ronin (meistrita samuraid), kes haaravad relva, et kaitsta vaest tsivilisatsiooni, millel pole enam kohta 16. sajandi Jaapanis röövretkede eest, mis lõpeb ägeda kliimalahinguga. „Seitsme samurai” sära seisneb selles, et see räägib põhidraama saatel hulgaliselt žanrit hõlmavaid hästi koostatud lugusid. Kogu filmis leidub tegevust, seiklust, romantikat ja täiskasvanuks saamist. See koosneb ka nii rikkalikult arenenud tegelastest nagu haruldane praad, millest saaksid hiljem mitme žanri klambrid. Tõesti inspireeriv kunstiteos.

18. Elupuu (2010)

Elupuu on kino kõrgeim vorm: see lihtsalt ei räägi lugu, vaid selle eesmärk on muuta teie elu. See on film, mille väljakasvamine võtab aega, ja kui see juhtub, on teil raske sellele pidevalt mõelda. Erakordse ulatuse ja ambitsiooniga kinolugu „Elupuu” ei palu oma publikul mitte ainult jälgida, vaid ka kajastada ja tunda. Kõige lihtsamalt on see lugu enda leidmise teekonnast. Kõige keerukamas on see meditatsioon inimese elust ja meie kohast asjade suures plaanis. Pole tähtis, millist usku te usute või kas te üldse usute kõrgemasse üksusesse. Filmi tõeline imestustunne tuleneb võlust, mis elu ise on. Filmi kõige ilusam külg on see, et see muutub aja jooksul aina paremaks, nagu peen vein.

17. Lähedalt (1990)

Iraani hiline suurautor Abbas Kiarostami nägi ilu ja luulet sageli inimelu kõige absurdsemalt ilmalikes episoodides. Kiarostami uuris petlikult lihtsate süžeede ja naturalistlike sätetega universaalseid teemasid, mis ületasid sujuvalt kultuurilisi tõkkeid inimkonna tõttu, millesse tema kino oma olemuselt oli mässitud. „Lähedal” on vaieldamatult tema kõige edukam töö ja üks originaalsemaid, leidlikumaid teoseid kunagi toodetud kinokunstist. Film on doku-ilukirjanduse vormis, et krooniks Iraani filmirežissööri Mohsen Makhmalbafina esinenud mehe tegelikku kohtuprotsessi. Koosseisu kuuluvad inimesed, kes olid tegelikult kohtuprotsessis osalenud, mängides ennast filmis. 'Lähedal' on hämmastav inimese identiteedi uurimine, mida näeb tavalise inimese, kes võitleb enda ja oma eluga hakkama saamiseks, silmad ning meeleheitlikust kurbusest ja tõelisest armastusest kinokunsti vastu astub ta oma iidoli kingadesse, et tea, mis tunne on olla tõeliselt elus, imetletud ja austatud. See on filmitegemine kõige kõrgemas järjekorras.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brüssel (1975)

See Prantsuse avangardne joon, mille nimitegelasena mängib Delphine Seyrig, pole pelgalt kinokogemus. See on harjutusele lähemal - test ja mõjutab teid viisil, mida vähesed teised filmid on enne või pärast teinud. Sõltumatu tükk keskendub kolmele päevale üksildase ja vaevatud koduperenaise elus, kui ta läbib oma igapäevaste majapidamistöödega täidetud ranget ajakava. Ta on ema ja lesk, kes teeb härrasmeestele seksitööd õhtul sissetuleku teenimiseks. Probleemid tekivad siis, kui teisel päeval on tema rutiin veidi häiritud, mis viib omamoodi doominoefektini, mis kajastub sellele järgnenud tundides. Jeanne Dielman tõmbab selle oma aeglasesse ja meditatiivsesse maailma koos Akermani eristava lavastajaallkirjaga, mis hõlmab diegeetilist atmosfääri ja hüpnootilist aurat, mille on toonud meistriteose rahulik, peen ja kannatlik isiksus, mis on eksistentsi monotoonsuse valus tähistamine.

15. Rashomon (1950)

Oma aja üks ebatraditsioonilisemaid ja eksperimentaalsemaid filmitegemise tükke vaatab ‘Rashomon’ meistrit tööl, tehes kõik oma jutustamisoskusega. Lihtsustatult öeldes on tegemist juhtumiga, mis leidis aset nelja tohutult erineva vaatenurga kaudu: süüdistatavate, ohvrite ja pealtnägijatena väidetavate seisukohtade kaudu. See paistab silma kõigil tehnilistel põhjustel peaaegu veatu montaaži ja meisterliku lavastusega, kuid film kindlustab oma võidud temaatilistes küsimustes, millega ta tegeleb; küsimused absoluutse tõe olemasolu kohta. Kas tõde on tõesti nii objektiivne ja ebaõiglane, kui selle välja tehakse või on sellega seotud mingi subjektiivsus? Tavaliselt on see objektiivne või vähemalt peetakse seda laialdaselt, ilma et sellel oleks pealtnäha muid versioone. See film seab selle kahtluse alla nii, et vaataja ise jääb küsimustest pahaks, kommenteerides sageli ka seda, kuidas inimesed pole mõnikord isegi enda vastu täiesti ausad. See on temaatiliselt nii keeruline kui saab, kuid näiliselt nii lihtne kui soovite.

14. Stalker (1979)

Hoides oma väiksemaid järeltulijaid, mis hõlmavad ülimenukat telesarja “Westworld”, ei saa ülehinnata “Stalkeri” kolossaalset mõju visuaalsele jutustamisele. Ideed - nii filosoofilised, vaimsed ja teaduslikud - kui ka nende osav ja hiilgav kinematograafiline uurimine filmis „Stalker” on leidnud oma muljed paljudele sellele järgnevatele ulmetele. Nii filmitegijate töös on peegeldunud mitte niivõrd libisemine, transsi tekitav ja punktides abstraktne tempo või hingetõmbav monokromaatilise seepia kasutamine väljaspool tsooni ja Eesti asukohtade jäljendvärvid Terrence Malick ja Lav Diaz, kui nimetada vaid mõnda, kuid püsivat kannatlikkust ja alandlikkust. Suuresti filosoofiliste valitsemisaegade publikule üleandmine jätab Tarkovsky vaatajatele nii palju ruumi, et nad saaksid enda jaoks avastada filmi mitu metafüüsilist tahku, et isegi selle konkurentsitult sõna otseses ja visuaalses luules näib sama palju meie väljamõeldise kui tema enda väljamõeldist. ja tema kaastöötajad. Ja ometi jääb film eemale, juhatades meid mõistuse ja südame mõistetamatutesse saladustesse ning me ei jõua neid kunagi lahti harutada, sest sirge tee pole kunagi õige.

13. Fanny ja Alexander (1982)

Ligi 35 aastat pärast selle esmakordset ilmumist on Bergmani viimast lavastamisomadust sama põnev lahata kui kogu selle aja kriitikutel, kes kõik näisid vaeva nägevat selle nimel, et nende arvamusi kuulda võetaks. Need arvamused olid palju lahkarvamamad kui praegu, kuid filmi kohta Bergmani filmograafias näib siiski olevat raske määratleda. Toonilt, ülesehituselt ja ulatuselt on see erinev kõigest, mida Bergman oli selleks ajaks teinud. Kuid see on ka kõigi tema temaatiliste ja visuaalsete instinktide vaieldamatu ühendamine, mis ristati selles 1900. aastate alguses Rootsis elanud perekonna gobeläänis. Tundub, et selle maaliline üleküllus pöörab kogu teie tähelepanu esmakordsel vaatamisel sügavate ümbritsevate punaste, roheliste ja mahedate, soojade kollaste variatsioonidega, mis moodustavad nii joovastava värvipaleti, et selle puudumine - kui kõik on kaetud valgete, mustade ja karmide sinistega - tundub karistav. Bergmani hoolikalt välja töötatud kroonikad kiirgavad kogu perepikniku tujukusega ja tunnevad inimlikke sidemeid, mida aastakümneid hoiab koos ehe, habras kiindumus. Selles heldelt paigaldatud elu üleviimises on sünd ja surm mõlemad juhuslikud. Väikeses maailmas elavad need tegelased, nagu enamik meist, ümbermõõdulised rõõmud, mida võib loota ja neist piisab neile, nagu meile peakski. Kas see kõik on illusioon? Vaadates, kuidas see hiiglaslik ansambel selliseid imesid teeb, võib nii mõelda. Kui see on nii, siis uskuge mind, te ei taha, et see puruneks.

12. Apokalüpsis nüüd (1979)

On sõjafilme, mis näitavad sõjapidamise nõtkusi (näiteks „Enemy At The Gates”), mõned teised, mis selle mõtet jälestavad ja jälestavad (näiteks „Pianist”), ja siis on jultunud „Apocalypse Now”, mis ei paku arvamus või järeldus, kuid asetab selle asemel sõja õuduste graafilise kujutise, ülistades sõjas osalevaid sõdureid. Siiani on vaieldud, kas ‘Apocalypse Now’ on sõja- või sõjavastane. Armasta seda või vihka seda; kindel on see, et see jääb meelde. Hollywoodi ajaloo üks problemaatilisemaid lavastusi, kirjanik-lavastaja Francis Ford Coppola viimane lõige jõudis tema tehniliselt kõige säravama teoseni. Paljas eeldus on lihtne - kapten Willard peab 'lõpetama äärmise eelarvamusega' kolon Kurtz, kes on sisenenud vaenlase territooriumile ja läinud AWOL-i. Kuid just Willardi kurnav teekond üle Vietnami ahistavate lahinguväljade (mida tõstab Vittorio Storaro hingematvalt kinematograafia) jääb meelde juba kaugel pärast ainepunktide rullumist. Esitades ühe meeldejääva stseeni teise järel ja Martin Sheeni kui Willardi, Marlon Brando kui Kurtzi ja Robert Duvalli kui „napalmi entusiasti” kolonelleitnant Kilgore'i esituses, „Apocalypse Now”, nagu Coppola õigesti märkis, „ei puuduta Vietnami. See on Vietnam ”.

11. 400 lööki (1959)

François Truffaut ’’ 400 lööki “on tõeline kunstiteos, mis tuleneb tõelisest valust. Tõeliselt siiras ja sügavalt isikupärane teos pühendas Truffaut filmi oma vaimsele isale ja rahvusvaheliselt tunnustatud filmiteoreetikule André Bazinile. Oma olemuselt autobiograafilise iseloomuga oli Truffaut 'enda lapsepõlv murelik ja see kajastub filmis väga selgelt. Väljastpoolt räägib film alaealiste ja noorukite kuritegevusest, mille taga on sageli ühiskonna ja vanemate hooletus. Vaadake veidi sügavamalt ja leiate filmi lootusest; see on nii intensiivne kui ka terapeutiline lootus. Peategelane Antoine Doinel on mingil moel ühiskonna enda, ühiskonna, mis peidab reeglite, karistuste ja kohtuotsuste taha oma ebaõnnestumised, terav esindus. Film voolab nagu jõgi ja viib publiku lootuse, lootusetuse, empaatiavõime ja isegi viha teekonnale. Kui olete kunagi soovinud näha, milline meistriteos välja näeb, siis ärge vaadake muud kui ‘The 400 Blows’.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch pole filmitegija. Mees on unistaja. Ja ‘Mulholland Drive’ on suurim unistus, mida ta kunagi unistas. Unistus, mis ümbritseb kõiki emotsioone, mis hõlmavad inimese olemasolu. Sellist filmi nagu „Mulholland Drive” on raske seletada ega kirjeldada, sest see on film kogemustest ja sellest, mida te sellest võtate, mitte tavapärase narratiivi ajendatud süžeest, mis toidab teid vastustega, mille saate hea meelega koju kaasa võtta. Lynch on sageli väitnud, et tema visioon filmist põhineb põhimõtteliselt arvukatel ideedel ja tunnetel. Ja see saab väravaks nii keerulise ja kihilise filmi mõistmiseks kui „Mulholland Drive”. See on unistuste, ambitsioonide, soovide ja õudusunenägude labürint. Lynch teab, mis meid kõige rohkem kohutab ja mis ajab hullumeelsuseni. Ja just see inimese alateadvuse häirivalt intiimne peegeldus teeb ‘Mulholland Drive’i’ nii sügavalt ahistavaks kunstiteoseks. Sellist, mis ümbritseb teid enne kolju lõikamist sooja ja hellusega.

9. Jalgrattavargad (1948)

'Lihtsus on ülim keerukus' - Leonardo Da Vinci. Filmitegemise üks raskemaid ülesandeid on välja mõelda, millal oma film lõpetada. Bicycle Thieves'i lõpp on nii tonaalselt sünkroonis algusega, kui alustame rahvahulgast kerkivast argimehest Antoniost rahvamassi laiali hajuva igapäevase mehena Antonio. Elu sõjajärgses Roomas oli muutunud igapäevaseks võitluseks ja vaevu leidus keegi, kes sellest viletsuse soost tegi. On väga vähe filme, mis pakuvad nii sügavat sisekaemust kui jalgrattavargad. See on film, mis murrab teie südame tükkideks ja inspireerib teid siiski täiel rinnal elama. Harva on oma eelduselt nii lihtne film oma sõnumis nii hiilgavalt tõhus. Filmi on pärast vaatamist praktiliselt võimatu unustada. Kuigi filmi suurim saavutus on see, kui palju sõltumatuid filmitegijaid see inspireeris, kes tänaseni toovad inspiratsiooniks välja „Jalgrattavargad”.

8. Tokyo lugu (1953)

‘Tokyo lugu’ on see, mille poole pürgib iga filmitegija, kes soovib rääkida sisukat lugu. Ilmselgelt jäävad need kõik alla! Pole paremat näidet filmist, mis muudab eepilise loo nii lihtsal, kuid meisterlikul, tõhusal ja unustamatul viisil. Filmiga „Tokyo Story” saavutas Yasujiro Ozu midagi, mis on iga elava filmitegija unistus: elada igavesti publiku südames ja meeles. Igaüks, kes on näinud ‘Tokyo lugu’, saab teada, millest ma räägin. Film räägib vananevast traditsioonilisest jaapani paarist, kes külastab Tokyos oma lapsi vaid selleks, et jõuda karmile arusaamisele, et nende lapsed on oma eluga liiga hõivatud, et neist hoolida ja on neist kultuuriliselt ja emotsionaalselt tohutult kaugenenud. . Mis on filmis ka nii tore, on selle universaalne teema, millega igaüks ja kõikjal saab suhelda. Ozu filmitegemisstiil tagab ka selle, et olete süvenenud loosse, mis pakub sügavat sissevaadet muutuva inimese psüühika muutuvate aegadega. Lihtsalt geniaalne!

7. Armastuse meeleolus (2000)

„Armastuse meeleolus” on lihtsalt suurim armastuslugu, mis kunagi filmile pandud. Periood. Nii kergesti võis see olla näidend või isegi luule. Kaunite, kaasakiskuvate piltide ja peene, hinge tungiva muusikaga jutustab ‘In The Mood For Love’ keeruka loo kahest lihtsast inimesest. Kaks inimest, kes läbivad armastuse hirmu ja peibutise; ja kui see on kord armunud, siis on see täielik puudumine pooleli jätnud. „Armastuse meeleolus” kujutatakse armastust selle kõige haavatavamas vormis. Ja seda tehes selgub meie endi haavatavustest ja sellest, kui abitud oleme armastuse ees. Harva on nii alahinnatud ja reserveeritud filmil pärast vaatamist selline mõju.

Ma pole kindel, kas režissöör Wong-Kar-Wai kavatses oma tehtud filmi teha, arvestades, et ta filmis filmi enamasti ilma stsenaariumita. Kui vaadata ajalugu, siis kõige määravamad kunstiteosed on õnnelikud õnnetused. Loe nende hulgas ka armastuse meeleolus.

6. 8 1/2 (1963)

Itaalia maestro filmograafias number kaheksa ja pool, see ülevoolav, imal fantaasiate, õudusunenägude ja liiga porise reaalsuse eepos on nagu biscotti - kuju poolest resoluutselt absurdne ja küpsetatud viisil, mis ei luba seda täielikult neelata üks käik. Selle hirmutav ja rahutu kaameratöö kiidab Fellini teadlikku nägemust filmitegijast, kes üritab oma uues filmis kanaldada paljusid muutvaid kogemusi, mis tal on olnud sõlmitud elu jooksul. Nii autobiograafiline kui see ka pole, '8 1/2' tuiskab publikust mööda kogu oma vaimustava keerukusega puutumata nii radikaalses tempos, et avastasin end üritamast dekonstrueerida selle hämmastavalt komponeeritud pilte eesmärgiga leida oma koht Fellini kõrguv eripära, kuid ei suutnud kunagi kindlalt maapinnale maanduda.

Kasutades Marcello Mastroianni varjutatud gravitasid, võib Fellini puhas elekter olla valdav. Sa hoiad oma ettekujutust konkreetsest hetkest ja tunned ära selle lämbe rikkuse, et avastada, et filmitegija on liikunud teise lehviva, mõnusalt valmisoleku jada juurde. Tema ideed kunstnike kohta ja nende hämmeldav, naeruväärne kinnisidee iseendale võivad tunduda dateeritud - või mis veelgi hullem, ebaolulised -, kuid nende ehituse ja väljenduse jultumus ei kao meile kunagi. See võlub ja petab meid, lubamata meil kunagi silmi sellest ära võtta ja libiseb siis läbi sõrmede, kui kohale jõuab, et meil pole seda kunagi käes olnud. Fellini ei erine palju filmis selgeltnägijast Mayast, kes näib teadvat, mida kõik mõtlevad: oskus, mille tema assistent omistab telepaatiale. Kui meie peategelane Guido esitab assistendile küsimuse, kuidas ta seda teeb, märgib ta selgelt: „See on osaliselt trikk ja osaliselt reaalne. Ma ei tea, aga seda juhtub. ' Ükski sõna ei saaks filmi kirjeldamiseks sobivam olla.

5. Isik (1966)

Ma arvan, et on ohutu öelda, et ‘Persona’ rikkus kino üksinda. Olles pinnalt õudusfilm, on Ingmar Bergmani 1966. aasta klassika pigem individuaalse identiteedi uurimine kui miski muu. Kasutades uuenduslikke monteerimistehnikaid, teravaid kaameranurka, külmi väljendeid, kaasahaaravaid dialooge ja suurepärast suunda, räägib see film võimalikult täiesti mitmetähenduslikult loo kuulsast näitlejannast, kes kaotab hääle, ja õest, kes tema eest hoolitseb. eraldatud kodus, kus nende eristuvad isiksused hakkavad aeglaselt üksteisega sulama. Olles režissööri kõige kinematograafilisem ettevõtmine, keerutab ‘Persona’ kindlasti iga tavapärase filmitegemise reegli, et proovida tuua värsket ja vaimustavat kogemust. Kuna tselluloidi jaoks on kunagi olnud üks suurimaid näitlejatöid, aitab filmi õhkkond meil hinnata selle kohta tekkivaid küsimusi, suunates oma tähelepanu nutikalt mänguasjale. Pole lihtsalt midagi sellist, nagu ‘Persona’, ja see võib väga hästi olla fakt.

4. Ristiisa (1972)

Võimalik, et kõige mõjukam film, mis kunagi tehtud. Üks haruldasemaid töötlusi, mis on tegelikult parem kui algmaterjal - sel juhul Mario Puzo samanimeline romaan - on film läbi aegade vastu pidanud ja on selle sõna otseses mõttes klassika, mis muutub aina paremaks iga vaatamine. Film kroonib Don Vito Corleone juhtimisel maffiaperet ja keskendub poja üleminekule, kui ta patriarhi surma korral pereettevõtte üle võtab. Kahtlemata on etendused selle filmi üks peamisi tugevusi: suurkujud, sealhulgas Marlon Brando Vito Corleone ja Al Pacino kui Michael Corleone määratlevad oma etendustega näitlemisstandardid uuesti. Kõik muu, eriti stsenaarium ning meeleolu loov operaator ja partituur, on eeldatavasti A-määr ja žanrit määrav. Õigustatult pole olemas sinefiili, kes poleks seda filmi meistriteost näinud. See on altar, kus me läheme palvetama.

3. Kodanik Kane (1941)

Ameerika kino Püha Graal. Kodanik Kane määratles peaaegu kõik aspektid, mis hõlmavad kinokunsti. Film, mis rikkus lugematuid filmitegemise tavasid ainult uute loomiseks. Alates murrangulisest tehnilisest küljest, sealhulgas valgustus, heli ja visuaal, kuni ülimalt uudse jutustamisstiilini, muutis ‘Citizen Kane’ filmide tegemise viisi. Film on sügavalt põhjalik tegelaskuju, mis avaldub müstilise draama kujul, avaldades mõistatusliku kirjastuse suurärimehe elutõdesid, kelle viimane sõna on reporteri huvi äratanud. Ta asub teekonnale, uurides inimest, kes alustas oma elu kunagi toorete ambitsioonide ja soovidega, kuid alistuks peagi ahnuse ja autoriteedi võrgutavale võimule. „Kodanik Kane” on tohutult võimas kunstiteos, mis uurib sügavaid teemasid ja haarab inimesena elamise lõpmatult keerukaid emotsionaalseid tahke.

2. Peegel (1975)

Kas kunst võiks olla kunagi nii isikupärane, et ei suudaks seda loojast eristada? See on küsimus, mis tabas mind, kui nägin esimest korda Andrei Tarkovski filmi “Peegel”. See on kunstiteos, kus kunstnik annab end täielikult oma tööle üle, mida te ei suuda tema ja tema tehtud töö vahel vahet teha. Tundub, nagu oleks Tarkovsky kogu filmi hinganud. Auteurid on teinud oma meistriteoseid, muutes ja kujundades kino sellisena, nagu me seda täna näeme, kuid Tarkovsky astus sammu sellest kaugemale ja saavutas kättesaamatu; tema kunstile elu andmine. ‘Peegel’ on lihtsalt hingekino. Sa võisid näha Tarkovskit, tema perekonda, kultuuri, milles ta üles kasvas. Tegelikult õnnestub sul näha selles iseennast, oma ema ja seal on selline Deja Vu tunne, mis sulle meelde tuleb, neid kohti vaadates. See on peaaegu nagu oleksite seal olnud, võib-olla elus või kuskile kadunud unenäos. Ja selleks, et kunstnik saaks meisterdada midagi, mis on isikupärane ja intiimne, on midagi tõepoolest sõnadest väljas. See on film, mis põhjendab seda, mida me alati teadsime: kino on suurim kunstiliik.

1. 2001: kosmoseodüsseia (1967)

Nagu iga teine ​​selle loendi kirje, on ka 2001. aasta õppetund filminduses. Mitmed filmitegijad, sealhulgas sellised nagu Christopher Nolan ja Denis Villeneuve, on rääkinud sellest, kuidas film on olnud nende inspiratsiooniks. Nii et jah, film on tehniline ime. Kuid mitte sellepärast tõusis film selle paljude suurepäraste filmide nimekirja ette. See istub ülaosas, sest see on film, mis julges minna kohta, kus varem pole ühtegi filmi käinud. Pagan, keegi isegi ei teadnud, et on olemas selline koht, kuhu kino võiks minna. Ja kui kinokunst nõudis kunagi põhjust või tõestust, et kinnitada, et selle eksistentsi eesmärk on palju enamat kui pelgalt meelelahutus, siis siin see on: täiesti kaasahaarav ja ülimüütiline ‘2001: kosmose-odüsseia’.

Stanley Kubrick laiendas kino silmaringi peaaegu kõigi oma filmidega. Filmis „2001: kosmose-Odüsseia” andis ta uue tähenduse ka sellele, mida kino suudab saavutada. Enamik filmitegijaid kasutab kino jutustamiseks meediumina. Kuid Kubrick kasutas kahtluse alla kino. Mida ta küsis? Kõik, alates Jumalast kuni meie olemasolu eesmärgini. Kui ‘2001: kosmose-odüsseia’ on omaette ülimalt intelligentne ulmefilm, on see ka palju muud. Usun, et see on film, mis on pigem filosoofiline püüd selgitada, kas Jumal on olemas. Räägi kõrgele sihtimisest!

.