100 kõigi aegade parimat filmi

Kuulus Tšiili-Prantsuse filmirežissöör, luuletaja, näitekirjanik ja helilooja Alejandro Jodorowsky Prullansky ütles kord: Olen alati arvanud, et kõigist kunstidest on kino kõige terviklikum kunst. Ma nõustun. Mitmel viisil on kino tegelikult kõigi teiste oluliste kunstiliikide: maalikunsti, kirjutamise ja muusika liitmine. Ei saa olla juhus, et kino on kunstiliikidest ka moodsaim. Lõppude lõpuks oli kino eksisteerimiseks vajalik teiste kunstiliikide areng. Asjaolu, et see on jäänud populaarseimaks kunstivormiks peaaegu hetkest peale, kui see eksisteeris, ütleb teile nii selle tugevuse kui ka nõrkuse: see on kergesti ligipääsetav ja seetõttu paremini kommertsialiseeritav.

Seda silmas pidades on mul hea meel teile esitada The Cinemaholic’i nimekiri 100 kõigi aegade parimat filmi . Enne kui asute uurima meie 100 parima filmi nimekirja, mis kunagi tehtud, tuletagem uuesti meelde, et loendid pole oma olemuselt kunagi täiuslikud. Niisiis, me ei väida, et see on maailma absoluutselt parimate filmide nimekirja Püha Graal. Kuid võin teile kinnitada, et selle loendi koostamise taga on palju uurimistööd. Kaaluti tuhandeid filmide pealkirju ja arutati iga lõpliku valiku üle. Olen kindel, et loendist puuduvad paljud oma lemmikfilmid. Paljud mu lemmikud on samuti puudu! Kuid selle asemel, et selles pettuda, kasutage võimalust ja vaadake filme, mida te pole näinud. Kes teab, võite lõpuks avastada oma uue(d) lemmiku(d)!

100. Cherbourgi vihmavarjud (1964)

Jacques Demy värvib oma romantilist ooperit maheda, ebatavalise rafineeritusega, mis mõjub pisut hipsterina. Kuid see värv pole ainult seintel, riietel ja vihmavarjudel. See on ka võimatult armunud noore tüdruku põskedel, kui ta ületab tänava, et tervitada oma väljavalitu ja selle puudumist, kui näeme seda loori all olevat nägu, noort tüdrukut, kes on nüüd kellegi teise pruut. Värve on ka selles, kuidas inimesed räägivad või täpsemalt laulavad omavahel. Kuid nende lüürilised vestlused ei riimu nagu enamik laule. Kui kõike alates armastuse elukutsest kuni rahamurdeni on ümbritsetud eristamatu kirega, ei teeks sulle kuigi palju kasu, kui lähed riimi või mõistust püüdma. Kuigi film ja kõik selle meloodilised paljastused, mida toetab Michel Legrandi ebamaine muusika, on südantlõhestavalt romantilised, ei ole kõik meie tegelaste otsused, nagu kõik elus, kindlasti mitte nii.

Nii tüütult tuntud süžee jaoks, olles näinud seda lugematute poplaulude ja seebiooperite aluseks, on iga melanhooliast pakatav „Cherbourgi vihmavarjude” kaader ahvatlevalt värske, isegi harjumatu. Selle võib seostada sellega, kui ehedad on emotsioonid ja kui siiras on nende väljendus. Nii tagasihoidlikul skaalal kui ka tegutsedes laastavad vihmavarjud teid kõige väiksemate peegeldustega. Olin hämmingus, kui suur võis olla kahe tühja tooli mõju, mille kaks armukest kunagi täitsid. Demy hellitavalt valmistatud maiuspalas marsime paelte ja konfettidega täidetud karnevalidel, ehime kuuske ja teeme üksteisele kingitusi, torkades kõik oma tunded kuhugi südamenurka, sest ükskõik kui raske on kellegi puudumist taluda või minevik on unustada, kõik, mida me teha saame, on elada tänapäeva fantaasias.

99. Trainspotting (1996)

Meiesugustele sinefiilidele on veidi raske selgitada Trainspottingu fanatismi. See tuli umbes ajal, mil uimastite tegelikkus oli just hakanud sisse vajuma. Võiks öelda, et see glamuureeris uimastite kuritarvitamist ja mingil määral on see tõsi. Fakt, mis sellest välja tuli, oli Danny Boyle'i katse näidata uimastite kuritarvitamise kõrgeid ja madalaid külgi, ilma pooli võtmata. 'Trainspotting' on kultusfilm, mis räägib neljast sõbrast ja nende kohtumisest sõltuvusega. Selle kirjeldamiseks on ainsad kaks sõna ennekuulmatu ja veider. Narkomaan, kes tahab puhtaks saada, et igal sammul kõigutada oma sügavaima soovi tõttu tõusta. Huumoriga heldelt üledoseeritud film püüab ülima tõsidusega rõhutada tõsiasja: vaatamata luksusele, mida elu pakub, salgavad noored neid suure julmusega. Ja põhjused? Põhjuseid pole. Kes vajab põhjuseid, kui teil on heroiin?

98. Lõpetanud (1967)

Ah, nooruse päevi! Muretu ja rõõmus. Lõbu täis ilma muretsemiseta. Ei hooli minevikust, mis on maha jäetud, ega muretse tuleviku pärast, mis on veel ees. Seda muretut elu elas Benjamin Braddock pärast kolledži lõpetamist. Ja kui ta lõpuks oma kodulinna tagasi jõudis, kohtus ta seal proua Robinsoniga. Afääri leek hakkab põlema. Elu võtab pöörase pöörde, kui noor Ben peab seksi ekslikult kaaslaseks. Kui ta tütresse armub, muutub see äkiliseks. Komöödia rõivastuses mõtlemapanev film 'Lõpetaja' on üks naljakamaid filme üldse. Peaosas Dustin Hoffman ja sellel on ikooniline rida – 'Proua Robinson, kas sa üritad mind võrgutada?'

97. Veronique'i topeltelu (1991)

Võib-olla ei mõistnud ükski teine ​​filmitegija naisi nii sügaval emotsionaalsel sügavusel kui Krzysztof Kieslowski. Mees lihtsalt armastas neid ja näitas seda nii kirglikult ja intiimselt, et selle toorest emotsionaalsest jõust on tunda vaimustust. 'Veronique'i topeltelu' võib olla tema suurim kunstiline saavutus. Film räägib naisest, kes hakkab tundma, et ta pole üksi ja et osa temast elab kusagil maailmas teises hinges. Veronique ja Weronika on kaks identset naist, kes ei tunne üksteist, kuid jagavad nende vahel salapäraselt intiimset emotsionaalset sidet. Slawomir Idziaki ülistiiliseeritud kinematograafia maalib filmi õrnalt melanhoolse tunnetusega, mis mähib sind endasse ega lase mööda minna. On tundeid ja emotsioone, mida on raske sõnadesse panna ning film annab elu neile seletamatutele mõtliku kurbuse ja üksinduse tunnetele. 'Veronique'i topeltelu' on vapustav kunstiteos, mis kujutab inimhinge kõigis selle kaunites nõrkustes ja õrnuses.

96. Cinema Paradiso (1988)

Paljud inimesed peavad kino nautimiseks, vaba aja veetmiseks, meelelahutuseks, millel pole elus mingit mõju. Kuid mina, kui tulihingeliste kinefiilide armee mind tulihingeliselt toetab, võin täieliku veendumusega väita, et kino on eluks sama vajalik kui elu kino jaoks. Ja 'Cinema Paradiso' on ilus, kui irooniline, viis oma seisukohta väljendada. Edukas filmirežissöör Salvatore naaseb ühel päeval koju uudisega, et Alfredo on surnud, ning naaseb oma kodulinna 1950. aastate Sitsiiliasse. Noor ja vallatu Salvatore (hüüdnimega Toto) avastab kestva armastuse filmide vastu, mis meelitab ta küla kinomajja Cinema Paradiso, kus Alfredo on projitsionist. Pärast poisi kiindumust saab vana põnn tema jaoks isalikuks kujuks, kui ta õpetab Totole püüdlikult oskusi, mis oleks tema filmiedu hüppelauaks.

Vaadates Toto ja Alfredo lugupidamist kino üle ning näha Alfredot klassikaliste filmitsitaatide kaudu elunõu andmas on puhas rõõm. Toto täisealiseks saamise loo kaudu heidab 'Cinema Paradiso' valgust muutustele Itaalia kinos ning traditsioonilise filminduse, montaaži ja linastuse hääbuvale ametile, uurides samal ajal noore poisi unistust lahkuda oma väikesest linnast, et tutvuda väljaspool maailma. Üks parimaid 'filme käsitlevaid filme' üldse.

95. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)

Üks neid haruldasi filmielamusi, mis paneb korraga tundma tohutult palju emotsioone. See on kohati naljakas, mõne puhul meeliülendav ja teistes lausa südant purustav. See on ka üks teistest haruldastest saavutustest lihtsustatud ja tõhusas jutuvestmises, mis räägib Randle McMurphyst, kurjategijast, kes lootes vanglast kõrvale hiilida, võltsib vaimuhaiget ja tunnistab end hullumeelsuse tõttu süüdi. Saabunud vaimuhaiglasse, mässab ta klassikalise korra vs kaose stsenaariumi järgi autoritaarse õe Ratchedi vastu (keda kehastab teras Louise Fletcher). Film kinnitab, et tõepoolest pole kedagi paremat, kes mängiks võrdselt vinge ja võluvamaid tegelasi kui Jack Nicholson ise, tuues talle filmis esinemise eest väljateenitud Oscari. Mis algab kestva ja südantsoojendava filmina, kasvab traagilise, kuigi lootusrikka lõpuni pärast häirivaid stseene, mis hõlmavad enesetapu ja patsientide elektrokonvulsiivset ravi. Ometi ei kaota film kunagi vaataja tähelepanu ja paatost ekraanil olevate tegelaste suhtes, tekitades ehedaid emotsioone ja rõõmu inimvaimule, mis õhkub isegi vastamata autoriteediga silmitsi seistes.

94. Pyaasa (1957)

Ühiskondlike muutuste ideedest ja ühiskonnas valitseva pahatahtlikkuse ja häbimärgistamise teravatest kommentaaridest tulvil 'Pyaasa' ei kujutanud endast mitte ainult India kino kuldaega, vaid peegeldas ka India kodanlust ennast. See on film, millel on enda kohta peen omadus, kus kõik ühiskonna jultunud tõed ja karm reaalsus kihisevad pinna all ning ootavad, et tähelepanelik publik neid uuriks ja ekstrapoleeriks. 'Pyaasa' on ajatu klassika, mis pole põhjuseta. Isegi pärast 60-aastast ilmumist on see tänapäeval aktuaalne, sest Indiat kimbutavad jätkuvalt samad ühiskondlikud needused – korruptsioon, misogüünia, materialism –, mida „Pyaasa” otseselt või kaudselt käsitleb.

93. Moodsad ajad (1936)

'Modern Times' on võimsa sõnumiga humoorikas film. Kannatades Chaplini kaubamärke lootuse ja vaesuse teemasid, keskendub see pilt masinate ja muude tehnoloogiliste edusammude kahjulikele mõjudele tavarahvale, tuues rambivalgusesse tehase töötaja, kelle elu läbib palju keerdkäike, kui ta püüab uue maailmaga toime tulema. Kuigi laksupulk on pisaraid tõmbavalt naljakas, on see kõik kurbuse anumas. „Modern Times” kasutab nutikaid ja peeneid elemente, et esitada aeg-ajalt olulisi filosoofilisi küsimusi. Kulminatsioon on üks kõige liigutavamaid läbi aegade, hõlmates kurba õnne ja tegelikku vastust ega lahendust. See film võib vägagi olla Chaplini kõige paremini kirjutatud teos ja on üllatav, kui asjakohased on siin esitatud ideed isegi tänapäeval. Olles kahtlemata ajaproovile vastu pidanud, on moodsate aegade tee, mille kaudu oma mõtteid jagab, ilmselt selle filmikunsti võidukäigu parim külg.

92. Õhuke punane joon (1998)

Terrence Malicki naasmist filmitegemise juurde 20-aastase pausi järel iseloomustas see suurepäraselt vapustav sõjadraama, mis ei uuri mitte sõda, vaid sõjapidamise emotsioone. Film on oma olemuselt tõeliselt malickilik, rohkem on rõhku pandud visuaalile kui loole, võimaldades teil selle kogemusest osa saada. Filmi geniaalsus seisneb Malicki nägemuses näha ilu milleski nii tumedas ja verises nagu sõda. Vaja on absoluutset geeniust, et muuta midagi nii jõhkrat ja verist nagu sõda hüpnootiliseks kogemuseks, mis ületab sõja tegelikkuse ja laseb selle asemel imbuda selle tegelaste emotsioonidest. See on nii kaasahaarav kogemus, mis palub teil tunda inimesi relvade ja pommide taga. Need on laastatud hinged nagu meiegi, kes igatsevad õrna puudutust, tunnevad puudust oma armukeste ja naiste hingeõhu soojusest, samal ajal kui nad peavad toime tulema kõige inetuma reaalsusega, mis on neist kaugel. 'The Thin Red Line' on lihtsalt elamus, mille sarnast pole kunagi varem. selline, mida tuleb näha, tunda ja mille üle järele mõelda.

91. Blade Runner (1982)

Ridley Scotti 'Blade Runneri' viimane lõige on minu arvates suurim düstoopiline film, mis eales tehtud. Kuigi Metropolis on vaieldav valik, tuleb jälgida Saksa ekspressionistliku kinoga seotud ebaautentset visuaali. 'Blade Runner' on seevastu enam kui täiuslik maailma ülesehitamiseks, mis kannatab rahalise ebavõrdsuse, rahvastikubuumi ja kõige loomuliku puuduse käes, sest isegi liha ei saa siin usaldada. Sädelev valgustus on kontekstuaalselt loomulik, sest tegemist on elektroonilise maailmaga ja Jordan Cronenweth kasutab seda sarnaselt film noir’i igapäevaste valgustavate objektidega. Kuigi see ei pruugi tekitada nii kaugeleulatuvaid küsimusi kui 'Kosmoseodüsseia', paneb meid mõtlema, kas androidid unistavad elektrilammastest.

90. Fargo (1996)

Vägivaldne, naljakas, soe ja jõhkralt intensiivne 'Fargo' on üks parimaid 90ndate Ameerika filme ja üks suurimaid krimidraamasid, mis eales tehtud. Film räägib mehest, kes palkab kaks meest naise röövima ja rikkalt äialt raha välja pressima. Coen Brothersi geniaalne tumeda huumori kasutamine läbib filmi soojust, mis annab filmile väga omapärase tooni. Just see meisterlik segu komöödiast, draamast ja vägivallast teebki „Fargost” nii meeldejääva kinoelamuse. See imeline avapauk lumega täidetud Minnesotast, mida kaunilt täiendab kummitav skoor, annab filmile tooni ja loob sügava kurbuse tunde, mis peitub filmis tulvil vägivalla ja huumori all. Frances McDormand on selgelt filmi staar ja varastab saate, kujutades rasedat politseijuhti, kes on sattunud kurjuse ja jõhkruse maailma, kuid suudab leida valgust ja lootust. 'Fargo' on emotsionaalselt toores, jõhkralt intensiivne, armastavalt naljakas ja valusalt realistlik tükk puhast neetivast kinost.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' on õpik, mis käsitleb atmosfääri õudust. See film, mis jutustab loo kummaliste juustega mehest, kes üritab ise omamoodi perekonda üles ehitada, muutub iga minutiga sürrealistlikuks õudusunenäoks. Kasutades heli ja lähivõtteid, et tekitada klaustrofoobset hirmutunnet ja viia see kokku süžeega, millel pole esmasel vaatamisel mingit mõtet, osutub David Lynchi debüüt meisterrežissööri üheks parimaks, mis on iseenesest suur kiitus. See, mida ‘Eraserhead’ teeb, loob düstoopilise maailma – mis on pritsitud koledate hoonete ja tigedasse must-valgesse kastetud mehaaniliste esemetega – ning paiskab sinna tegelasi, kes on ümbritsevast enam-vähem segaduses. Kuigi selle pildi tähenduse väljaselgitamine on peaaegu võimatu, tuleb mõista, et see pole kunagi eesmärk. 'Eraserhead' paneb oma publiku teadvusesse täieliku ebamugavustunde, kasutades nii visuaali kui ka sürrealistlikku stiili, ning leiab viisi nende mõtetega manipuleerimiseks. Ainult käputäis pilte on nii kaunilt struktureeritud, kuid vaieldamatult ähvardavad kui see, ja see on midagi, mida saab teha vaid keegi nagu Lynch.

88. Poisipõlv (2014)

'Boyhood' on hea meeldetuletus möödunud aastatest pidurdamatust rõõmust, vankumatust optimismist ja pulbitsevast süütusest. See tugineb ilu, rõõmu ja emotsioonide tuletamisele inimeste tavaelust, mitte aga kõrgendatud draamaaktist (enamiku filmide puhul leib ja või). Põnev on näha, kuidas stseenist stseeni ei muutu mitte ainult tegelaste kehalisus, vaid ka muutused nende moes, soengus, muusikamaitses ja üldse elu vaatenurgas. 'Poisipõlv' ületab filmi piire nii, nagu seda teevad väga vähesed filmid, ning muutub meie enda olemasolu ja kogemuse pisikeseks osaks. Linklater tuletab taas meelde, miks ta on äris parim, kui rääkida lihtsatest lugudest tavainimestest.

87. Days of Heaven (1978)

Terrence Malicki kujunemine täielikult kontrollitud autoriteetseks kinovisionääriks on üks suurimaid asju, mis Ameerika kinoga kunagi juhtunud on. Tema varajastest töödest on selgelt näha, et ta soovis meeleheitlikult hüpata välja kino tavapärastest piiridest. Filmidel nagu 'Badlands' ja 'Days of Heaven' olid näiliselt otsekohesed narratiivid, kuid need olid filmid, mis püüdsid olla midagi enamat. Midagi enamat kui lihtsalt lugu. Kogemus. 'Days of Heaven' saavutab selle võrratumalt kui 'Badlands'. Paljud inimesed on filmi sageli kritiseerinud nõrga süžee pärast. Ma ei saa öelda, et need on täiesti valed, kuid lugu pole igatahes filmi kõige olulisem aspekt. Malick kasutab siin kino visuaalsust, mis paneb rõhku pigem loo meeleolule kui loole endale. Tema eesmärk ei ole muuta teid emotsionaalseks, kasutades tegelaste rasket olukorda, vaid lasta teil neid jälgida, tunda maastike ilu ja selle koha lõhna. Ja sellise vistseraalselt liigutava kogemuse loomine pole midagi muud kui ime.

86. Fireflieste haud (1988)

Põnev, liigutav film, mis on igas mõttes võrdväärne, ja teised live action -filmid tõstavad esile sõjasaagi. See Jaapani animafilm keskendus Teise maailmasõja õudustele, keskendudes õdede-vendade elule, murdis mu südame viisil, mida ühelgi teisel filmil pole õnnestunud, ja jätkas tükkide trampimist kuni lõpuni. Kuna tegemist on sõjafilmiga, teeb see imesid ka inimrindel, teadvustades ja arendades kaunilt Seita ja Setsuko õrnu suhteid Teise maailmasõja raskustes. Sõnum on vali ja selge. Tõeliselt ei võideta ühtki sõda ja kogu võiduga kaasneva hiilgusega kaasnevad ka hädaldamine sõjas hävitatud süütute elude pärast. Kiidan filmile selle eest, et see ei ole ilmselgelt emotsionaalselt manipuleeriv, pannes meid selle tegelasi juurdlema; kuid ärge eksige, selle võimas ja kompromissitu vaade sõjale ja õdede-vendade paari läbielatud travestiadele muudab teid nutmiseks segaseks. See on NII kurb. Nagu öeldud, pole mul muud võimalust. See on täiuslikkus selle kõige südantlõhestavamal kujul.

85. Manhattan (1979)

Romantika Woody Alleni filmides on alati tundunud valusalt tõetruu ja masendavalt realistlik, vaatamata hõrgutavalt teravale huumorimeelele, millega ta neid ümbritseb. Kui 'Annie Hall' on tema kõige julgem film, siis 'Manhattan' tuleb kunstiliselt küpsema teosena. Filmis mängib Allen igavlevat, segaduses newyorklast, kes hiljuti lahutas, kohtab keskkoolitüdrukut, kuid armub lõpuks oma parima sõbra armukesesse. Allen vähendas veidi selle filmi huumorit, et saaksime tõeliselt tunda tema tegelasi haaravat kurbust, mis muudab selle nii emotsionaalselt kurnavaks kogemuseks. See on lihtsalt sügavalt tabav portree lahvatavatest suhetest ja vigastest inimestest, kes võitlevad iseenda ja oma olemasoluga ning otsivad meeleheitlikult õnne, mida nad kunagi ära ei tunneks ega saavutaks. Ja just see magusalt delikaatne, tabav arusaam inimese seisundist teeb 'Manhattanist' nii võimsa filmi.

84. Marketa Lazarova (1967)

Tšehhi ikooni František Vláčili kehatu unenägu Marketa Lazarová on lihtsalt üks uskumatumaid kunstiteoseid 20. aasta seas.^thsajand. Selle avangardne lähenemine filmikeelele mahub vaevu selle sageli hukatusliku fraasipöörde piiridesse – see on midagi enamat. Vapustav nägemise ja heli suland, mida ei kammitseta konventsioon, struktuur või mis tahes kirjalikud reeglid, märatsevad kinoteadlased on aastate jooksul filmivormile pihta pannud. Võrdluseks, kõik muu tundub nii rangelt kontrollitud – nii ebaloomulik ja teostuselt väljamõeldud. Marketa Lazarová on toores, vistseraalne ja jahmatavalt dünaamiline. Lühidalt: see on tasuta – tõeline tipp iga tolli filmimeediumi uurimisel. Seetõttu on see üks parimaid filme, mis kunagi tehtud.

83. Singin’ In The Rain (1952)

Singin’ In The Rain on Hollywoodi kuldajastu kõige määravam muusikal. Filmi säravatest hetkedest rääkides on võimatu unustada pilti, kuidas Gene Kelly tantsib tänavalambi taga. Film ei tähista mitte ainult meeldivalt oma oskusi, vaid ka kino üleminekut visuaalsest meediumist resoneerivaks ja stimuleerivaks. Monumentaalne saavutus Technicolori kinos, kriitikud ja publik lükkasid Kelly režissööritöö alguses lõbusalt kõrvale. Usun, et selle klassiku asjakohasus kasvab iga päevaga aina tugevamaks, kuna lõhe filmis käsitletud ajaperioodide (päris- ja filmifilmielu) ja tänapäeva vahel kasvab üha. Oleme kaotamas sidet olulise ajastuga ja see film kubiseb teid oma nostalgiast.

82. Ära vaata nüüd (1973)

Väga raske on leida visuaalset kunstiteost, mis oleks sama hüpnootiline kui Nicolas Roegi 'Dont Look Now'. See meistriteos on paljuski nagu õudne kääbus lõpus. See on kaunilt kaetud ekstaatilise värviga, kuid sisaldab elu halvimat osa: surma. Olenemata sellest, kui tõhus Sutherlandi tegelaskuju on, usun, et see on emotsioonidest juhitud film, kuna Roeg asetab kaotatud armastuse otsimise üle otsustava loo. Gooti vundament on väga võimas seade, mis väljendab sidemete tähtsust, millele see tugineb, isaliku ja perekondliku armastuse tähtsust, ning annab peategelase kummitustele ebamäärase kuju. Mõned kohad on nagu inimesed, mõned säravad ja mõned mitte.

81. Võitlusklubi (1999)

Aeg-ajalt jõuab kohale kunstiteos, mis määratleb põlvkonna psüühika. Mis puudutab kino, siis 50ndatel oli 'Rebel Without A Cause', 60ndatel 'The Graduate' ja 70ndatel 'American Graffiti'. Ja isegi kaks aastakümmet hiljem sobib 'Fight Club' meie põlvkonna mureliku, rahulolematu ja kehtestamisvastase eetosega nagu valatult. Nagu paljud suurepärased filmid, on ka 'Fight Club' väga lõhestav ja seda saab filosoofiliselt tõlgendada mitmel erineval viisil – mõned leiavad, et see määratleb kaasaegse mehelikkuse, samas kui teised arvavad, et see ülistab vägivalda ja nihilismi.

Põhimõtteliselt põnevusfilm on POV-st pärit unetuse käes vaevlevast ja oma monotoonsest tööst rahulolematust nimetust peategelasest, kelle teed ristuvad tormaka seebimeistri Tyler Durdeniga. Durden ja peategelane loovad peagi põrandaaluse võitlusklubi, et rahulolematud ühiskonnaliikmed saaksid oma viha välja valada. Kuid peagi väljuvad Tyleri plaanid ja jutustaja suhted tema kontrolli alt, mis viib plahvatusliku haripunktini (sõna otseses mõttes!)

Lisaks levitatavale kuradima hoolitsusele on 'Fight Club' ka kaasaegse legendi David Fincheri mõne ässasuuna tunnus. Sünge värvipalett, terav montaaž ja libe kaameratöö on inspireerinud filmile järgnenud tumedate põnevike hordi. 1990. aastate veelahelik film.

80. Enne päikeseloojangut (2004)

Siin on tõde inimkonna evolutsiooni kohta, mida keegi teile ei räägi: inimkond kaotab peagi vestluskunsti. Tehnoloogilistel edusammudel on suur kõrvalmõju: inimesed tunnevad üha vähem huvi tõelise vestluse vastu – kuna neil on tehnoloogia, mille taha peitu pugeda. Ja just seetõttu peab Enne-sari vastu pidama veel aastakümneid. Filmisari, mis räägib kahest inimesest, kes vestlevad päriselt, on isegi selle põlvkonna jaoks haruldus. Tulevikus selliseid filme üldse ei tehta. Seetõttu vaatavad tulevased põlvkonnad enne triloogiale aukartuse ja imestusega tagasi. Ja ma ei imesta, kui triloogia leiab oma väärilise koha mitte ainult filmiajaloos, vaid ka iga filmikooli raamatukogus.

Kolme Enne-filmi seas paistab 'Before Sunset' silma, kuna see on kõige südantlõhestavalt kaunim. Film, mis on oma olemuselt inimese tugevaimast soovist: soovist olla koos kellegagi, kellega võiksid veeta kogu oma ülejäänud elu. Kui vaatate tähelepanelikult, muutub 'Enne päikeseloojangut' lõpuks peegel, millesse vaadates saate hinnata oma suhteid: kus sa valesti läksid? Kes teie jaoks tegelikult oli? Millistest võimalustest jäite kasutamata? Mis võis olla? See on üks haruldasemaid filme, kus teie enda elukogemus rikastab ja toidab teie kogemusi filmiga.

79. Maatriks (1999)

Geniaalne ja nutikas idee, mille Wachowskid ekraanile esitasid ja mille tulemuseks oli film, mis pani paljud vaatajad kartma tegelikkuses, millesse nad sattusid. On tõsi, et kui 'Matrix' tehti, polnud enam tagasiteed, see muutus. asju. Film mitte ainult ei murdnud oma loos mõnevõrra uut maad, vaid muutis ka ulme- ja märulifilmide loomise viisi. Filmi 'Matrix' kui filmi edu seisneb ka selles, kuidas see meisterlikult laveerib teemade, sealhulgas filosoofia, eksistentsialismi ja isegi religiooni vahel, kandes samal ajal tegevust ja ulmefilmi. Filmi leidlikkust lisab Neo võime manipuleerida simuleeritud reaalsusega, et sooritada pealtnäha võimatuid tegusid, ja kuuliaja kasutamine – tegevustehnika, mis ei ole praegu sugugi ikooniline. Žanr võib praegu olla liiga täis, kuid kui see esimesena välja tuli, võib kindlalt öelda, et publik polnud midagi sellist näinud.

78. Seitsmes kontinent (1989)

Michael Haneke 'Seitsmenda mandri' õudusfilmiks nimetamine kõlab minu jaoks väga valesti, kuid enamik inimesi, kes on seda näinud, viitavad sellele just nii. Nendega on raske vaielda, sest selle filmi vaatamine jätab lootusetuse, masendusse ja hirmutunde. Kuna tegemist on perekonnaga, kes vihkab maailma ja elu üldiselt, võtab see 1989. aasta klassik külma ja eemaloleva hoiaku, et veelgi rohkem isoleerida kolm mängijat ülejäänud ühiskonnast, mis põhjustab aeglaselt, kuid kindlalt publiku sügavat kaasatundmist neile kui oma. olemasolu võtab tumeda pöörde. Kuna Haneke debüütfilm on üks häirivamaid linateoseid, mis on eales ekraanil ehtinud, mõnitab see vaatajat ega lase kunagi lahti. Kui publik nimetab seda õudusfilmiks, siis ta teeb seda, viidates õudusfilmile, mis erineb teistest. Kaetud mitmetähenduslikkuse ja realismiga, Seitsmes kontinent on tõsieluloo isiklik, intiimne ja hirmuäratav ümberjutustus, mis jätab teid vaikima, sest vähemalt paar minutit pärast selle lõppu ei suuda te enam ühtegi sõna lausuda.

77. Zodiac (2007)

'Zodiac' ei ​​ole teie tavaline põnevik; see on aeglane ja keskendub rohkem meeleolule ja tegelastele kui süžeele. Seal on aura, mida David Fincher nii palju ehitab, et filmi meeleolu on kontides tunda. See ei ole film, mis jätab teid õnnelikuks, kui see lõpeb. See on ka film, kus pahad võidavad, head kaotavad. Ja sellepärast on see nii hea. Mitte lihtsalt hea, vaid kaasaegne meistriteos. Kui film suudab teid kaheks ja pooleks tunniks tõmblema ja päevadeks mõtlema jätta, peab selles olema palju asju, mida tavapäraselt tehtud põnevikud ei tee. Minu meelest on ‘Zodiac’ Fincheri parim film, kus ta oma distsipliini ja oskuste ulatusega näitab, miks mõnikord vähem on rohkem.

76. Magnoolia (1999)

'Magnolia' on kahtlemata Paul Thomas Andersoni kõige isiklikum teos. Andersoni hüsteeriline õhkkond lisab filmi, mis annab oma energias nii uskumatult sõltuvust tekitavasse ja katarsisesse melodraamasse teatud emotsionaalse voolavuse. Filmi tegevus toimub täielikult San Fernando orus, kus erinevad omavahel seotud tegelased läbivad oma elus erinevaid etappe, püüdes toime tulla oma sisemiste deemonite ja emotsionaalsete konfliktidega. Anderson armastab neid inimesi, ta tunneb neid ja mõistab neid, kuid esitleb neid vabandamatult nendena, kes nad on; karmilt alasti inimolendid, toored ja puhtad, seistes silmitsi oma sügavaimate hirmude ja nõrkustega ning ületades neid. 'Magnolia' teeb eriliseks see, et see on film, mis räägib nii mõndagi oma filmitegijast. Meile antakse pilk Andersoni ellu, kohta, kuhu ta kuulub, ja inimestesse tema elus. Kogu filmis on lihtsalt nii palju Andersoni. Selline film nagu 'Magnoolia', kui selle oleks lavastanud mõni teine ​​filmitegija, oleks tundunud aegunud ja tundunud olevat üsna oma aja toode, kuid Andersoniga lisab see filmile ainult atraktiivsust.

75. Rosemary's Baby (1968)

'Rosemary beebi' on tume, käänuline kunstiteos, mis mängib ringi süütusega, et tekitada õudustunnet. Kuna tegemist on naisega, kes kogeb raseduse ajal tüsistusi, läheb film oma süžeega täiesti uuele teele, lubades olulist rolli mängida rituaalsetel elementidel. Selles filmis on nii palju, mida armastada, alustades hästi kirjutatud tegelaskujudest kuni kauge mõtiskleva keskkonnani, mis ümbritseb iga ettejuhtuvat juhtumit. Kogu pildis on alati tunda pinget ja seda osaliselt tänu vaiksele, venivale kinematograafiale, mis on teostatud Polanski tihke režissööristiiliga. Mia Farrow teeb siin karjääri parima esituse Rosemary Woodhouse'ina, naisena, kes muutub lapse kandmisega kaasnevate valudega võideldes nõrgemaks. Üldiselt vastavad selle filmi atmosfäärile vähesed teised ja see, kuidas see teie nahka imbub, on tõesti midagi muud.

74. Hea, halb ja kole (1966)

Legendaarsete näitlejate kehastavad lummavad tegelased, ohjeldamatu, jõhker püssiloopimine, kaasahaarav muusika ja intensiivne filmitöö – 'Dollarite' triloogia kolmas osa, mis on väidetavalt spagetivesternide sünnilugu, on järeleandlik, kaasahaarav ja meelelahutuslik kino oma parimas vormis. Professionaalne püssimees Blondie or No Name (The Good) ja tagaotsitav lindprii Tuco (The Ugly) loovad tahtmatult truuduse, kui saavad mõlemad teada olulise detaili põgeneva liitlase peidus oleva kullavaru kohta. kelle tapmiseks palgatakse palgamõrvar Angel Eyes (The Bad). Trio teekond moodustab köitva süžee tuumiku, mis lõpeb klassikalise vesterni stiilis allavaatamisega. Clint Eastwood Blondiena on machismo, Lee Van Cleef Angel Eyesina on kurja kehastatud ja Eli Wallach kui Tuco lisab kahe suurema staari lihtsamatele, kuid veelgi efektsematele headele ja kurjadele tegudele impulsi ja raevu. Kuid ohjad on igavesti lavastaja Sergio Leone käes – ta kasutab laialivalguvaid pikki kaadreid ja intensiivset lähivõtteoperatsiooni, et tekitada protsessis pinget. Žanrit määratlev film Quentin Tarantino, üks kaasaegse vesterni suurimaid eksponente, kunagi nimetati maailma parimaks lavastatud filmiks.

73. Rändavad mängijad (1975)

Liiga kaua tundsid Theo Angelopoulose intiimset, peenelt kokkupandud eepost vähesed filmihuvilised ja võib-olla hindasid seda veelgi vähemad. Selle väärikas, järkjärguline kinematograafilise monumendi püstitamine meie esoteerilisele, salapärasele suhtele ajaga on arusaadav, mitte kõigile. Kuid uudishimulike jaoks on teada, et see pakub lohutust, annab tarkust ja annab taju, mis aitab leida konstante, millest selles universaalselt ja julmalt dünaamilises maailmas kinni jääda. Paljude asjade hulgas, mida see film õigesti teeb, on selle ürgne arusaam 'Orestese' loo ilmutustest. Traagilise kujuga seotud mütoloogia on jäädvustatud meeletu alandlikkusega ja ometi suudab film meid oma nõtke nägemuse kaudu viia 20. sajandi keskpaiga Kreekasse melanhoolsesse, järjepidevasse vaatesse. Selle ajaline elegants õigustab ajaloo vaatamist, seistes trupi kõrval: väljastpoolt sisse. Kipud nii selle karmust tajuma kui ka selle loomise üle järele mõtlema. See on haruldane antifašistlik ajalootund, sest see ei ütle meile kunagi, mida mõelda. See näitab meile ainult seda, mida tunda. Angelopoulos ja operaator Giorgos Arvanitis asetavad meid südantlõhestavatesse kohtadesse ja uhuvad need välja selle perioodi laastava tigedusega. 'Reisivad mängijad' on tagasihoidlik, haruldane pärl, mis tundub, nagu oleks see päästetud mässudest koormatud tänavatelt ja näljahädast ellu jäänud. Lihtsamalt öeldes ei vääri me seda.

72. Vahemälu (2005)

Michael Haneke'i süüdistatakse sageli selles, et ta tegeleb alati süngete narratiividega. See iseloomustus on täiesti ebaõiglane, sest see, mida ta teeb, on anda humaanse ülevaate pimedusest, mis meid kõiki ümbritseb, kuidas meie vigased arusaamad põhjustavad piinavat isolatsiooni ja kuidas meie meelepetted vähendavad meie võimalusi sellest eraldatusest üle saada. 'Caché' ei ole mitte ainult massiivne, põletav dokument, mis viitab 1961. aasta Seine'i jõe veresauna tigedusele ja meie ebainimlikkusele ühiskonnana, vaid ka poeetiliselt universaalne tegelaste uuring. Georges, meie peategelane, tajub elu ja oma kohalolekut sotsiaalse olendina moonutatud rõõmutundes. Ta põgeneb teiste usaldamise ja teistega suhtlemise mugavuse eest. Ta naudib oma võõrandumist, nagu ta võõrandab nii paljusid, kes teda nii kalliks peavad. Sellega mõnitab Haneke põlvkonda, kes soovib üksi jääda. Tema kaamera on kohati ebatavaliselt kaugel, nii nagu paljud meist on ümbritseva suhtes. Kuid tema kontrolli all peame silmitsi seisma oma sündsuse, hoolimatuse ja reaalsusega. Üks kõige keerulisemaid kinotükke, mida te kunagi näinud olete.

71. Mesipuu vaim (1973)

Hispaania meister Victor Erice tegi enne pensionile jäämist vaid kolm mängufilmi. Tänapäevalgi elavad selle filmid, nagu El Sur, Quince 'Päikesepuu' ja eriti Spirit of the Taru, tema määratlematu debüüt, panevad meid kõiki soovima, et ta ikka veel filme teeks. Parabaalne lugu kahest lapsest, kellest üks uurib oma olemasolu süütu, sageli jahmatava lummaga ja teine ​​on kinnisideeks filmist 'Frankenstein', mida mängiti nende kohalikus teatris. Selle salapärase portree Hispaania südamaast jätab Erice'ile iseloomulik neutraalne suund ahvatlevalt mitmetähenduslikuks – harva kiputakse kasutama kinematograafilist meetodit vaikse vaatluse kasuks. Saadud teos on segadusse ajav, kaasahaarav ja paneb teid mõtlema elu enda sisemise mõistatuse üle: selle vastamatud küsimused, suured saladused ja nende hämmingus vastupandamatus. Kui jätate teid täielikult laastatud või võrreldamatult liigutatud, pole kahtlust, et mõlema äärmuseni on „Mesipuu vaim“ oluline kogemus.

70. Kõik presidendi mehed (1976)

Watergate. Üks sõna, mis tõmbas kardinad maha Richard Nixoni presidendiks olemise ees ja pani inimesed mõistma, et isegi presidendi kasvu inimene võib oma asjadega tegelemiseks võimalikult madalale alla kummarduda. Sel ajal, kui presidendi kaaslased tegelesid tema tekitatud segaduse koristamisega, oli kaks reporterit, kes said sellest haisu. Hoolimata ähvardavatest ähvardustest töötasid nad väsimatult, püüdsid jälitada isegi kõige pisemaid juhtnööre ja mõnikord tõid enda peale ohtu, et faktid inimesteni jõuaksid. Ajakirjanike Bob Woodwardi ja Carl Bernsteini samanimelisel raamatul põhinev 'All the President’s Men' on nutikas tähelepanek selle kohta, milline peaks olema tõeline ajakirjandus. Režissöör Alan J Pakula nomineeriti kaheksale akadeemia auhinnale, võitis lõpuks kolm ja kaotas parima filmi 'Rockyle'.

69. Varjude armee (1969)

Arvan, et Jean-Pierre Melville'i loomingu uustulnukate jaoks on suurepärane võrdlusmoment Stanley Kubricku oma. Mõlemad praktiseerivad äärmist tehnilist täpsust ja õhkavad absoluutset usaldust iga pika ja loominguliselt tulusa karjääri jooksul tehtud töö vastu. Nagu öeldud, odav, kuid raske kaebus, mida igaüks võib Ameerika režissöörile esitada, on tema 'hingetus'. Inimliku väljenduse vaba koht. Melville'i puhul see nii ei ole. Filmis 'Army of Shadows' põlevad Melville'i tegelased kibeda meeleheitest kütva sädemega, mis paneb iga nende tegevuse inimlikkusest õhkama. Sõjaaegse vastupanuliikumise surmavas maailmas võib üks vale liigutus lõppeda täieliku hävinguga ning ülalmainitud armu ja virtuoosse kontrolliga oma kino üle õmbleb Melville täiesti usutava, veenvalt surnud maailma seemned. 'Varjude armee' on üks vaiksemaid, intrigeerivamaid ja monumentaalsemaid töid, mis prantsuse kinost välja on tulnud – ja sellisest kriminaalselt tähelepanuta jäetud klassikast ilma jäämine tähendaks endale tõsist karuteene tegemist.

68. The Shining (1980)

Stephen Kingi klassika töötlusega lõi Stanley Kubrick 1980. aastal filmi, mis defineeris uuesti õudusžanri. Siin ei karda sündimine mitte ainult lugu ega tegelasi. Keskkond ja filmimisviis aitavad suurepäraselt kaasa meeli tuimastavale pingele publiku meeltesse tungida. Film jälgib äsja The Overlooki hotelli hooldajat Jack Torrence'i ja tema perekonda, kui nad veedavad salapärases hoones täieliku isolatsiooni perioodi. Läbi vapustavate esituste ja suurepärase kaameratöö tagab Kubrick, et filmi sisu vajuks sügavale meie alateadvusesse. Viis, kuidas ta heli ja atmosfääriga manipuleerib, on täiesti uskumatu ning loob unustamatuks, aga ka selgroogu jahutavaks kaheks ja pooleks tunniks. 'The Shiningi' maailm on kaunilt tume, haarates sind kogu oma hingematva kolmanda vaatuse jooksul tugevalt kraest kinni.

67. Hiinalinn (1974)

Seal on film noir ja neo-noir ning nende kahe vahel istub Jake Gittes, kes on korralikult riides karge fedoraga, et kiita naeratust näol. Kuigi ta on Polanki suur austaja, on alati midagi, mis ei ühti tema filmide lõpptootega. Välja arvatud Hiinalinn. See põhjalik meistriteos ei loonud mitte ainult endale identiteeti, vaid seda vaatavad alati ka filmitegijad, kes laenavad selle stiili, et luua oma filmile identiteet. Polanski on tööl mustkunstnik, kes petab meid nii eristatavate juhtnööridega kui ka klassikalise noir-stimuleerimise ja seadistustega. Kuid siis tuleb Hiinalinna viimane osa, mis murrab nii kiiresti kõik samalaadsetele müsteeriumifilmidele algselt lisatud kokkulepped, et teid valdab valdav šoki ja meeleheite tunne. Selle ebaõnnestumine Ristiisa II võitmisel tekitab minus endiselt hämmingut, kuid poole sajandi pärast on inimesed unustanud Sitsiilia, kuid mitte kunagi Hiinalinna.

66. Saatana tango (1994)

Ülestunnistus number üks: ma ei näinud peaaegu kunagi Béla Tarri laiaulatuslikku ja imelist meistriteost. Võib eeldada, et tema kõigi aegade kinefiili lemmik staatus ja silmapaistev maine, mille see on kogunud Ameerika kunstiringkondade ja maailma kõige teadlikumate filmikriitikute seas, oleks mind huvitanud. Kuid selle tohutu kestus (umbes 432 minutit) ja lorise-laadne tempo, mida ma Tarri „Werckmeisteri harmooniates” nii nautinud, tundusid hirmutavad. Ülestunnistus number kaks: ma nägin 'Sátántangót' esimest korda ühe hooga. Mind hüpnotiseeris selle pragmaatiline tunnetus reaalsest maailmast ja kannatlik, mõistlik kinotunnetus. Ta vaatles rohkem kui peegeldas ja mõtiskles rohkem kui esitas korralikult vormistatud avaldusi. Selle müütiline ja nukker realism oli liiga hea, et tõsi olla, ja liiga jõhker, et seda sellise ilu pilguga realiseerida.

Ainus, mida ma lõpuks teha tahtsin, oli sulgeda kõik aknad ja mässida end pimedusse, sest film oli minu jaoks olnud nagu see hull kirikus ja selle hädaldamine oli liiga mõttekas. Ülestunnistus number kolm: Mul on hea meel teatada, et 'Sátántangó' targad sotsiaalsed ja poliitilised mõtisklused on hakanud mulle end selgeks tegema, kuna olen selle juurde korduvalt tagasi pöördunud. Eriti meeldejääv oli suvi, mis kulus filmi algmaterjaliks oleva László Krasznahorkai romaani õgimisele. Kõik, mida ma praegu teha saan, on loota, et saan sellest õnnelikust õnnetusest kasu ka edaspidi.

65. Eksortsist (1973)

William Friedkini 'Exorcist' on suurepäraselt lavastatud. Mees on kurikuulus oma ebatavalise karjääritee poolest, mille puhul klassikud langevad võhmale (ja sageli ristuvad need kaks rühma, et leida põnevaid kinematograafilise häbematuse uurimisi). Oma parima filmiga otsustas Friedkin filmida draama, mis just nii juhtus deemonlikust valdusest: õmbles oma keerulistele tegelastele paatost ja tõlkis vistseraalselt originaalautori William Peter Blatty teksti, mis on lõksus veendumuse ja halvava kahtluse vahel. Kahe imelise kunstniku lõpptulemus, mis töötavad oma mängu tipus, et pakkuda Ameerika kino säravat klassikat: see, mis varjutab peaaegu iga oma žanri filmi (v.a võib-olla südametunnistuseta õõvastav 'Ärka ehmatusega' või Tobe Hooperi vapustav ringreis). - jõud Texase mootorsae veresaun ). Lihtsalt vapustav.

64. Suspiria (1977)

Sest oma unistustes siseneme maailma, mis on täielikult meie oma – J.K.Rowling. Ja mis siis, kui üks kino kõige pöörasemaid meeli otsustaks oma alateadvuse filmile pihustada. Arvatakse, et Dario Argento filmi Suspiria oma veidra struktuuriga looga trotsib filmiloogikat. Kuid ma usun, et see on neoekspressionistlik meistriteos, mis tabab kino tõelist olemust, milleks on panna meid tundma end tõeliselt, tõeliselt elavana. Argento mõistab ruumi väärtust ja näitab seetõttu suuremat tähelepanu kinematograafiale ja lavakujundusele, mis on tema filmis domineerivad asukad. 'Suspiria' ei esinda mitte ainult Argento stiili, vaid kogu itaalia õudust, kunsti esteetikast vaimustatud žanrit.

63. Mees põgenes (1956)

Laitmatult täpne ja inspireerivalt ökonoomne Robert Bressoni oi kui haruldane silmapilk tabas 1956. aasta filmi 'A Man Escaped'. Mehe kui filmitegija elavhõbedate jõudude tipp, see järgneb Prantsuse vastupanuagendi Fontaine'i katsetele põgeneda üha ohtlikumaks muutuvast natsivanglast ja leiab tähenduse igast üksikust kaadrist. Alates mittenäitleja François Letterrieri vapustavalt inimlikust peaosa rollist, kelle sissevajunud põsed ja lõhkised silmad nii veenvalt väljendasid sõjaajal elamise muserdavat raskust, kuni Bressoni minimalismini, mis suudab kasvatada publiku ja meeleheitel olevate vahel põletavat intiimsust. mees: Sagedastest POV-idest ja elegantsetest kompositsioonidest, mis ei liialdanud tehnikatega, on Bressoni ümbritsev looming mõnikord uppunud. Ma ei tõmbaks ühtki kaadrit maha – ja seega on film algajatele filmitegijatele absoluutselt elulise õppeviisina: maalida. midagi nii erksat ja tihedat, ilma et see kunagi valitseks.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

Sellistel aegadel pole paremat filmi kui 'To Kill A Mockingbird', mis selgitaks neonatsidele kasti, usutunnistuse ja rassi tõelist tähendust. Afroameeriklasest meest süüdistatakse rassiliselt lõhestatud Ameerika ajakavas valge naise tagasihoidlikkuse rikkumises. Rassilise ebaõigluse haripunktis, kui kohus täis valgeid inimesi võitleb tema vere pärast, taandub ühe mehe ülesanne oma kohtuasjaga võidelda. Üks valge mees, nimega Atticus Finch. Ta võitles vapralt, et väita, et kõik mehed on kohtus võrdseteks loodud, olgu see siis värviline või mitte. Tema pingutused lähevad asjatuks, sest kohus tunnistab mehe süüdi. Kuid vaatajale jääb meelde õppetund, mille Atticus Finch oma lastele sisendab. See tähendab, et 'te ei mõista inimest kunagi enne, kui vaatate asju tema vaatenurgast'. Harper Lee samanimelisel bestselleril põhinev 'To Kill A Mockingbird' on üks kõigi aegade parimaid filme.

61. Tagaaken (1957)

See, mis eristab meistriteoste põnevusfilmi meile regulaarselt kuhjuvast reoveest, on see, et viimases saabuvad pöörded välkkiirelt, tuginedes rohkem meie šokile kui pöörde tõepärasusele mõju avaldamiseks. Kuid sellistes filmides nagu 'Tagaaken' ilmnevad pisiasjad ratastoolis sõitnud professionaalsest fotograafist L.B. Jeff Jeffries vaatab oma tagaaknast välja, et tilk tilga haaval koguneb kuni üleujutuseni, pannes süütu Jeffi kahtlustama, et üle hoovi elav mees pani toime mõrva. Hitchcock kasutab oma kaamerat meisterlikult nagu illusionisti tööriistu, et hoida oma vaatajaid pinges, lolliks ja arvamas, kuni lõualuu langev paljastamine ilmneb. Tänu Jeffile oma huvipakkuva teema obsessiivsele jälitamisele kommenteerib Hitchcock vuajerismi eksitusi, seda, kui köitev see võib olla ja üksildase linnaelu süngusest, mis selleni viib. Veelgi uskumatum on see, et see on samamoodi kommentaar vaataja vuajerismi kohta kui Jeffi oma; nagu oleme Jeffi kütkestusest lummatud. Vaadata, kui sind ei jälgita, on kuri rõõm; Hitchcock teab seda, imetleb seda ja tõmbab meid sellega endasse.

60. 4 kuud, 3 nädalat ja 2 päeva (2007)

Mõned filmid liigutavad sind; mõned ajavad sind naerma; mõned murravad su südame. '4 kuud, 3 nädalat ja 2 päeva' kuuluvad filmide erikategooriasse: need, mis ajavad ärevaks ja närviliseks. Nagu võis arvata, on sellised filmid tõenäoliselt haruldase tõu kõige haruldasemad. Film jälgib kahte sõpra, kes üritavad Rumeenia jõhkras Ceausescu kommunistlikus režiimis aborti korraldada. Vistseraalne ja kompromissitu film haarab sind kaelast ega lase sul kunagi lahti. Selle filmi vaatamine on nagu kogeda kõhtu väänavat tunnet, mis tekib, kui ootate närviliselt, et mõni teie lähedane pärast operatsiooni operatsioonisaalist välja tuleks. See ei ole lihtsalt realistlik kino oma parimal kujul; see on ka üks elumuutvamaid filme, mida te kunagi näinud olete.

59. Eelmine aasta Marienbadis (1961)

Alan Resnais' 1961. aasta film 'Eelmine aasta Marienbadis' on unenäo visualiseerimisele kõige lähemal, ja seda tehakse võimalikult veidral viisil. Muusika, mis võtab suurema osa jooksuajast tausta, toimib rahustavana, mis paneb publiku uinutavasse olekusse. Sellele vaatamata on peaaegu võimatu silmi ekraanilt eemal hoida, sest kogu pildis toimub nii palju, kuigi kuvatakse vaid vähe. Mulle meeldib mõelda 'Eelmisel aastal Marienbadis' alateadvusest väljamõeldud filmina, selle korduva ja segase olemuse tõttu. Tegelased on samuti segaduses veidra maailma pärast, millesse nad on sattunud. See on küps ja läbimõeldud teos ning minu arvates on põhisüžee – mees ja tema suhe võõra naisega, kelle kohta ta eelmisel aastal kohtus selgelt, kuigi ta ei mäleta tema kohta sama – minu arvates väga kaasahaarav, originaalne, kirglik, romantiline, unenäoline ja loomulikult geniaalne.

58. Metsmaasikas (1957)

Kas olete kunagi olnud reisil, kus teil pole midagi paremat kui aknast välja vaadata? Teatud aja vaatad sa väljast avanevat vaadet, enne kui mõtted sisse tormavad ja see, mis väljas on, on nüüd vaid mall – see ei köida enam sinu tähelepanu. Nii juhtub Isak Borgiga, Bergmani klassikalise meeleolupala peategelasega, mis on leidnud oma koha lugematutes kõigi aegade parimate filmide nimekirjas, sealhulgas ühes Stanley Kubricku koostatud 1963. aastal. Ta reisib koos oma tütrega, et diplomit kätte saada. Doktor Jubilaris oma alma mater'ist. Ta ei meeldi talle ja ta kavatseb pojast lahkuda. Kuid meie professorit, keda kehastab geniaalne Victor Sjöström, tulevik eriti ei huvita. Tema mõtted ja sellest tulenevalt ka film, mille katapulteeruvad paljud inimesed, kellega ta oma teekonnal kokku puutub, heidavad valgust ainult tema minevikule. Läbi Bergmani andestava ja enesekindla objektiivi vaadates on tema mälestused lihtsad, tuttavad ja inimlikud. Nad ei ülista tema elu ega lükka tagasi tema saavutusi. Need on räpased, nagu enamik meie omadest, ja tahtlikult moonutatud. Kui ta lõpuks kohale jõuab, et saada au, mõistame, et ta ei vajanud kunagi tasu. Ta sai seda juba nendest maasikatest, mida ta kogus koos oma lapsepõlvearmsamaga, kaupmehega, kes teda mäletas, raskustes suhetes naisega, heas ja halvas, lunastavas ja andestamatus. Nagu ka meie, selle salapärase, seletamatult liigutava filmi näol.

57. Mängureeglid (1939)

Jean Renoiri geniaalne, näksiv komöödia komöödia suudab pärast kõiki neid aastaid üllatavalt hästi vastu pidada, jäädes samas mänguliseks ja kummitavaks nagu kunagi varem. Seda vältisid selle ilmumise ajal nii kriitikud kui ka publik, mille tulemusel lõikas Renoir pärast katastroofilist esilinastust filmist välja märkimisväärse osa – osa, milles oli peamiselt Octave'i tegelane, keda kehastas Renoir ise. Vaevalt üllatav, et sellest ajast saadik on tema kasv kasvanud. Film on oma kelmikas, autoriteetses tegelaste, teemade, toonide ja olustikuga žongleerimises alati meeletult meelelahutuslik, kuid mitte kunagi vähem hoolas või vähem uhkelt viimistletud kui selle perioodi maailma kino paremik. Selle hoolikalt sepistatud visuaalid pulseerivad rafineeritult, kuid pingutust pole kunagi näha ja film jätab teid imestama, kui sügavalt te selle oskuslikult üles ehitatud atmosfääri takerdunud olite. Operaator Jean Bachelet ja Renoir mängivad kaameraga viisil, mis annab filmile õhulisuse, kuid nende järeleandmatu kontroll teeb sellest pidevalt intrigeeriva ettevõtmise. Kui sellest kõigest ei piisa, peaksite teadma, et Alain Resnais ütles kunagi, et film oli kõige võimsam elamus, mida ta kinos kunagi kogenud on. Helendavamat soovitust oleks raske leida.

56. Kolmas mees (1949)

Film-noir on žanr, mis on seotud filmidega, mis rikastavad pimedaid tänavaid, salapäraseid, võrgutavaid tegelasi, salapära ja kreemjat must-valget. Kuigi paljud neist piltidest on intrigeerivad ja pakuvad meeldivat aega, proovivad vähesed midagi uuenduslikku ja teistsugust. Kolmas mees on üks suurimaid film-noir’e, mis eales tehtud, sest see jutustab oma hämmastava loo erakordselt hästi, kasutades muljetavaldavat hollandi kallutamist, silmatorkavat valgust ja kaunist muusikat. Film on seotud mehega ja tema ise läbiviidud uurimisega oma majanduslikult heal järjel oleva sõbra mõrva asjus. Süžee Kolmas Mees on vooderdatud romantika, tumeda huumori, keerdkäikude ja põnevusega. Põhimõtteliselt võib filmi nimetada armsaks armastuslooks, kuid kõige muuga on see vaimustuses kahelda. Esitades meisterlikult kirjutatud stsenaariumi, hoiab Carol Reedi magnum oopus teid oma istme serval kogu tee alates selle tagasihoidlikust ja kergest esimesest vaatusest kuni lõpuni, mis võib vägagi olla kõigi teie tehtud piltide nutikaim finaal. kunagi näen.

55. Nutted ja sosinad (1972)

Ingmar Bergmani traagiline peredraama käsitleb kurbust, mis on nii laitmatult meeleheitel kui ka palavikuliselt pakiline. See ei ole kannatlikult stseenist stseeni haaval üles ehitatud ja lõpuks vaagnale kantud. Oled sunnitud seda sisse hingama filmi algusest peale, mis tutvustab peaosalisi ja nende paadunud, põlevat kurbust suurepäraste lähivõtetega, mis muudavad nende lämmatava ebamugavuse eredalt ilmseks. Kõik see on kaetud halastamatu punase värviga, karmiinpunase värviga, millega on maalitud maja seinad, milles lugu toimub. Bergman teadvustab naisi ümbritsevat surmahaisu nii imposantse suunaga, et tegelik surm ei anna põhjust muretsemiseks. Naiste loomupäraselt vägivaldne igatsus muutis kõik filmis minu meelest kummitavaks, verest läbiimbunud mälestuseks. Sven Nykvisti järjekindlalt paeluvat visuaali kahandavad Bergmani peen kirjutis ja näitlejate meisterlikult sisseelatud esitused. Helendav Liv Ullman näib müstifitseerivat ja lummavat iga kord, kui kaamera tema poole vaatab, samas kui uskmatud Ingrid Thulin ja Harriet Andersson on oma töös nii laitmatud, et tunnetega kokku puutuda tundub tungiv. Bergman ei anna meile selgeid ideid, mida koju kaasa võtta, vaid eitab meile kõiki muid aistinguid peale nende, mida tema tegelased kogevad. Me mõtleme, kui kaugele ulatub tema juurdepääs meie emotsioonidele ja ta laiendab seda igal sammul. Lõppkokkuvõttes ei maksa 'nuteid ja sosistamist' uskuda, seda tuleb elada.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Võib-olla on see Morricone'i kummitav partituur või võib-olla Delli Colli nägemus, mis on sama lai kui lääs, või võib-olla Bronsoni ja Fonda silmis askeldav vankumatu kruus ja võib-olla on see kõigi nende aspektide kulminatsioon maestro Sergio Leone peaaegu igas kaadris. . Kui vajate vesternit, milles on nii John Fordi ilu kui ka Sam Peckinpah’ halastamatut metsikust, siis pole Leonele lihtsalt kedagi. Oma suures teoses saavutab ta selle, mis tal kulus kolm filmi varem, et luua müstiline maailm eikuskil. Kuigi pinnal ei pruugi olla midagi vaimset, on filmil jumalad. Jumalate spordikroonid, mis on täidetud 10 galloni püssirohuga ja teraga, mille nad veega alla neelavad. Samuti oli Henry Fonda antagonistiks valimine tõenäoliselt selle kümnendi otsus, kuna tema jäisinised silmad ei sarnanenud kõigele, mida lääs oli kunagi näinud.

53. Annie Hall (1977)

Keegi ei saa väita, et mõistab seda segadust tekitavat ja kõikehõlmavat mõistatust, mis on armastus nagu Woody Allen. Ja ükski Woody Alleni film ei suuda seda näidata selle ehedas, omapärases hiilguses, kui see lugu Alvy Singerist, neurootilisest, nihilistlikust koomikust New Yorgis, kes armub 'enam kui armunud' uimasesse, lennukasse, rõõmsasse Annie Halli ja siis kukub sellest välja. Film uurib ka soolisi erinevusi seksuaalsuses Alvy ja Annie 'Yin ja Yang' tüüpi suhete kaudu. Lõpuks tunnistab isegi Alvy armastust irratsionaalseks, hulluks ja absurdseks, kuid elus vajalikuks. Mitmete uuenduslike narratiivtehnikate kasutamine, näiteks neljanda seina eksprompt purustamine, mineviku ja oleviku kiire vaheldumine sujuvate lõigete kaudu, subtiitrites Alvy või Annie tunnete näitamine, kui nad tegelikult räägivad midagi täiesti erinevat, ja sõna lisamine. lugu loo sees” kui haripunkt, tõstavad juba niigi köitvat lugu. 'Annie Hall' on tõenäoliselt esimene tõeliselt modernistlik tselluloidiromaan, mis on selle asemel inspireerinud tervet põlvkonda romantilisi komöödiaid. Ükski neist pole nii võluv kui see, mida nad püüavad jäljendada.

52. M (1931)

Häälsalvestustehnoloogia kasutuselevõtt – nähtus, mille päise päis tähistas 1927. aasta 'Džässilauljat' – tõi filmides kaasa absurdse dialoogiküllastuse. Tehnoloogiat peeti enesestmõistetavaks otseseks uuenduseks, mitte vahendiks, mida kasutada koos väljakujunenud filmikeelega. Fritz Lang, mees, kes alustas oma karjääri tummkinos meisterlike teostega, sealhulgas Destiny, Dr Mabuse the Gambler, Die Nibelugen ja erakordne Metropolis. Tema liikumine helide poole saavutas haripunkti 1931. aasta filmis 'M' – filmis, mis vastupidiselt kõigile ümbritsevatele allikatele oli eemaldanud peaaegu kogu ümbritseva müra. Tulemuseks on valdavalt elutu atmosfääriga vaikne jutumäng: see, mis toetab selle narratiivi nii tõhusalt. Kõnealune lugu tabab lapsemõrvarit ja Saksa valitsuse ebakompetentsust tema tabamisel – mõrvari karistamiseks moodustatakse oma kängurukohus. See, mida Lang siin edastab, on sõnumis uskumatu küpsus: õiglus, mis väärib jalule panemist, on täielikult õõnestatud tolleaegse poliitilise konteksti – natsionaalsotsialistliku partei eutanaasiapoliitika ja üha vägivaldsemate ideaalidega, mis avalduvad rahva süüdistuste peale tigeda kasvajana. . Paatosest ja piinatud humanismist rikas Peter Lorre’i esitus aitab haamerdada M-i sügavat pettust – seda, mis on mõõtmatult liigutav tänapäevani.

51. 12 vihast meest (1957)

Vastust, kas poiss oli süüdi või mitte, ei saa me kunagi teada. Kuid üks asi, mida 12 Angry Men kinnitab, on loogika alati intuitsioonist võitu, kui lollide maailma keskel on üks terve mõistusega mees. Ja kas rumalus on haigus või lihtsalt teadmatuse kaassaadus? Sidney Lumeti draama ei nõua, et kasutaksite oma aju üle südame, vaid püüdke jõuda punkti, kus saate teha otsuse, kusjuures mõlemad töötavad koos. Lisaks põnevale stsenaariumile, mis kuulub uhkelt kõigi maailma filmikoolide õppekavadesse, on kaameratöö ja lavastus just Jaapani uue laine klassikast pärit. Ansambli näitlejate unustamatu esitusega hooplev 12 Angry Men on Ameerika kino monument.

50. Linnatuled (1931)

Paljudel varastel filmitegijatel pole tänapäeva kultuuris seda tunnustust ja populaarsust, mida Chaplin naudib. See võib olla tingitud paljudest põhjustest. Tema filmid kõnetavad igameest ja on kõhedust tekitavalt lõbusad, kuid enamgi veel, tema lood vaatavad melanhoolseid olukordi humoorikas valguses. Nii on ka tema ilmselt kõige isiklikuma pildiga 'City Lights', mis räägib loo trampist ja tema püüdlustest vaest pimedat lilletüdrukut muljet avaldada ja hädast välja aidata. Ta teeb seda fassaadi all, teeseldes, et on rikas mees, et naise tähelepanu köita, kuid satub seda tehes hätta. Kui film on tänapäeval sama naljakas ja liigutav kui üle 75 aasta tagasi, tähendab see tavaliselt, et midagi on õigesti tehtud. 'City Lights' on jätnud maailma oma jälje vaesuse ja elu kujutamisega rasketel depressiooniaastatel, mis on nii hästi teostatud ja tunnetatud, et see ei jäta publikut kunagi liigutama, andes samas lootust parem homne.

49. Tule ja vaata (1985)

Uskumatult osava filmimeeskonna teine ​​pool, režissöör Elem Kilmov oli abielus Larisa Shepitkoga, kes on särav virtuoos 'Tiibade' ja 'Ascenti' taga. Kui ta nii kurvalt autoõnnetuses suri, lõpetas Kilmov töö oma erakordse pooleli jäänud projektiga 'Hüvasti' (mis oleks lihtsalt võinud selle koha lihtsalt võtta) – ja ma arvan, et kogu selle konteksti teeb nii võimsaks see, kuidas mehe lein veristab. iga tema töö kaader. Kilmovi kino kubiseb väljendamatust raevust ja meeleheitest: Hulking oma tohutus emotsioonide kaalus – ja vähesed kunagi tehtud filmid on pulseerinud nii võimsa tunnetusega kui Tule & Vaata . Väidetavalt on parim sõjafilm, mis eales tehtud, selle põrgulik kujutamine Wehrmachti sissetungist Valgevenemaale kajab vastu kõrvulukustavate plahvatuste, painajalike visuaalide ja aeglaselt elust tühjaks jääva maailmaga – selle stseenid on filmitud uhkes õõnes valguses. Ometi leiab Kilmov kogu selle ahastuse juures tee mõistmiseni selle transtsendentaalselt küpses järelduses. Võib-olla leiab ta oma pühendumuses mõtiskleda elu kaduvuse üle lõpuks jõudu oma surnud naise luude maha matta. Jääb vaid loota.

48. Seitsmes pitser (1957)

Juba esimestest piltidest Bergmani ikoonilises dokumendis usust, hirmust ja rahulolust on teid tabanud loits. Karm, teraline pilk merele, rannikule ja sellel julgele rüütlile ning tema saatuslikule kohtumisele surma kehastajaga määrab filmi objektiivse selguse, isegi kui see jätab ruumi võrgutavale, peaaegu hirmutavale kahemõttelisusele, mis on pidevalt kohal. Võrreldamatu Max von Sydowi ja näitlejabändiga, kes tõstab Bergmani hämmastava materjali tema näidendi 'Puidumaal' põhjal ootamatule tasemele, magnetilisest esitusest kasu saav 'Seitsmes pitser' on oma kesises 90 minutis mõjunud nagu vanast ajast. Põlvkondade kaupa edasi antud muinasjutt, mis sunnib kujutlusvõimet palju avaramalt, kui see endasse mahub. Gunnar Fischeri sädelev, karge must-valge tagab, et ahistav intensiivsus roomab meie naha alla. Voolu meenutav voolavus on üleva enesekindluse ja käegakatsutava tasapinnalisusega lahtirullitud narratiivi tulemus. See võib olla läbinisti lihtne lugu, mille rüpes on siiski väärtuslikke ideid, kuid see on õmmeldud kangaga, mis on nii keerukas ja julge, et seda ei saa jätta vaatamata seda ikka ja jälle vaatama, et see jääks mälestuseks.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellini ettevaatlikult, kannatlikult ja poeetiliselt pehmendatud virtuoos on Kuldse Palmioksa võitjas täiel määral eksponeeritud, mis oma hingestatud ja varjulises glamuuris tabab eluviisi, mis tundub liiga tabamatu ja mõnes mõttes liigagi reaalne. Selle tempo rõhutab peategelase sihituse tunnet ja sunnib meid suplema elu särtsakuse sümfoonilises paigutuses ja seda, kui kiiresti see kõik on. Seda peategelast kehastab karjääri parim Marcello Mastroianni, kes kasutab seda ajaannet, et täita oma silmad vastupandamatu maailmaväsimusega. Teatud „La Dolce Vita” osade tähtsuse kahtluse alla seadmine, mis võivad tunduda filosoofilise tähtsuse või narratiivse tähtsuseta, on keelduda võimalusest lasta pikantsetel detailidel end üle uhtuda ja seejärel mõtiskleda tagajärgede üle. Kui Nino Rota taevane partituur viib meid läbi Fellini illusoorse pilgu vaadatuna peadpööritavasse Rooma maailma, näete ainult seda, mida ta tahab, ja see muutub kiiresti selleks, mida soovite näha.

46. ​​Psühho (1960)

Inimesi saab parimal juhul kirjeldada kui omapäraseid. Inimmõistus, mis on võimeline paljudeks jahmatavateks asjadeks, on samuti võimeline taanduma mõistmatuks. Alfred Hitchcocki 'Psühho' ei vaja tutvustamist, sest see hoiab oma pead kõrgel, keset ajatuid kinosaale. Peale selle, et see on klassika, on see ka kurb kommentaar inimeste ebaõnnestunud moraali kohta. Ja see pole Norman Bates, pange tähele! Proua Batesi söövitav haare, mis pani Normani elu alla tema lapsepõlve ja lõpuks täiskasvanuea, tuletab meelde, kuidas armastus võib olla lämmatav. Kuulsalt võttis hr. Hitchcock oma 'Psycho' jaoks kasutusele kummalised poliitikad, mis hõlmasid hiliste osalejate mitte lubamist filmi. See võeti vastu, et tagada täielik õiglus filmi pulseerivale haripunktistseenile. Tõeliseimas vormis põnevik 'Psühho' on lugu pojast, tema emast ja nende ebatervislikust omandisuhtest. Hitchcock oli finaali suhtes nii kiivalt valvanud, et reklaamis filmi selle sildireaga – Ära anna lõppu ära – see on ainus, mis meil on!

45. Solaris (1972)

Tarkovski 'Solaris' on üsna sarnane filmis kujutatud nähtustega. See on kogemus, mis paneb mind imestama iga universumi moodustava molekuli unarusse jääva olemuse üle. Võib-olla oleme teadlikud teaduslikest mõõtmetest, kuid kas mõni instrument suudab arvutada, kui palju armastust või kurbust üks südame nanogramm sisaldab? Kas miski võib leida ajuraku, kus on unustamatu mälestus? Alates Bachi lummavast muusikast avasaates kuni igavese maanteestseenini on Tarkovski ajakasutus vaataja lahutamiseks normaalse maailma toimimisest meisterlik. Solaris on valdkond, kus emotsioonid saadavad teid hullumeelsusega keerlema, kuid kes meist ei tunneks, kui hullumeelsust on ilus puudutada ja see on piisavalt vistseraalne, et vabastada teid iseendast.

44. Schindleri nimekiri (1993)

Tähtis film, mis Spielbergi omast dramaatilisusest palju kasu toob, on sama häiriv ja tundlik kogemus iseendale. Film on, nagu paljud teised selles nimekirjas, meistriklass milleski, mida mulle meeldib nimetada lihtsustatud ja mõjukaks jutuvestmiseks. Narratiiv järgib Oskar Schindlerit, saksa ärimeest, kes päästis rohkem kui tuhande juudi elu, rakendades nad holokausti ajal oma tehastesse. Kõik kolm peaosatäitjat, Liam Neeson Oskar Schindlerina, Ralph Fiennes Amon Gothina ja Ben Kingsley Itzhak Sternina on suurepärases vormis, pöördudes kõige siiramate esitustega. Stseen, eriti filmi lõpus, kus Schindler laguneb, arvestades, kui palju elusid ta oleks võinud veel päästa, on sügavalt liigutav ja jääb mulle meelde kui üks võimsamaid, südamlikke stseene kinos. See, et film võeti üles mustvalgena, kasutades harva, aeg-ajalt värve, et sümboliseerida või esile tõsta olulist elementi, suurendab kogemust. Lihtsalt, Spielbergi parim film, jääb see oluliseks filmivaatamiskogemuseks.

43. Lawrence Of Arabia (1962)

Kino kui meedium läheb aina suurejoonelisemaks. Nende käsutuses oleva tipptehnoloogiaga pakuvad tänapäeva filmitegijad meile vistseraalseid kinoelamusi. Kuid on mõned filmid, mis on tehtud enne CGI moes tulekut, mille tohutu ja monumentaalne mastaap pole analoogi leidnud. David Leani eepiline ajalooline draama, mis põhineb elul T. E. Lawrence , üks Suurbritannia tuntumaid tegelasi, on üks selline film. Selle peaosas mängib Pater O’Toole Lawrence’i ja tema seiklused Araabia poolsaarel Esimese maailmasõja ajal. David Lean maalib kohe algusest peale hiilgava liikuva pildi lõpmatust kõrbest kogu selle hiilguses, abiks on operaator Freddie Young ja kaasahaarav skoor Maurice Jarre. Kuid see ei ohverda emotsioone ekstravagantsuse nimel. Põhimõtteliselt on 'Araabia Lawrence' vapustav tegelaskujude uurimus Lawrence'ist – tema emotsionaalsest võitlusest sõjale omase isikliku vägivallaga, tema enda identiteediga ning tema jagatud truudusega tema sünnimaa Suurbritannia ja selle armee ning tema äsja leitud kaaslaste vahel. Araabia kõrbehõimud. See tervislik kvaliteet teeb 'Araabia Lawrence'ist' ühe mõjukama filmi kunagi eksisteerinud.

42. Otsijad (1956)

Vaieldamatult kõigi aegade suurim vestern, John Fordi suure karjääri parim film 'The Searchers' on Ameerika klassika, üks parimatest viiekümnendatest pärit filmidest. Ehkki tollal imetleti ja austati, ei tunnustatud selle lõhestavat ja vapustavat jõudu paar aastat, kuid seitsmekümnendate aastate alguses tunnistati seda žanri klassikaks ja võib-olla parimaks vesterniks, mis eales tehtud. Kindlasti on aeg kahandanud osa filmi võimsusest, kuid mitte Wayne'i kõrguv, raevukas esitus ega filmi sees olev rassism, mis õhutab viha ja raevu. Filmi liikumapanev narratiiv Ethan ja tema otsingud on ajatu, sama võimas tänapäeval kui toona, võib-olla veelgi enam seetõttu, et paljud loo peened punktid on nüüd selged.

41. Pather Panchali (1955)

Film, mis tõi maailmale India kino ja andis kinole ühe parima autori Satyajit Ray. Bibhutibhusan Bandopadhay romaanil põhinev 'Pather Panchali' räägib loo vaesunud perekonnast, kes püüab läbi paljude eluraskuste läbi lüüa. Võib väita, et see romantiseerib vaesust, kuna vaataja on tunnistajaks paljudele katsumustele, millega perekond silmitsi seisab, teenides oma elatist. Sellest hoolimata jäävad vaataja juurde just hetked, mis on segatud maestro Ravi Shankari muusikaga. Kiindumussuhe Appu ja tema õe Durga vahel, rongijada, mis on filmi üks tipphetki, viib filmi hoopis teisele tasemele. 'Pather Panchali' on aastate jooksul muutunud üheks kultusfilmiks ja seda esineb regulaarselt kõigi aegade parimate filmide nimekirjas ja seda vääriliselt.

40. Casablanca (1942)

Põhiline Ameerika klassikaline film. Võib-olla on selle võlus midagi nii nakatavat, et sa armud sellesse ikka veel, isegi kõik need aastad. Lisaks tohutule korduvvaadatavuse tegurile on selle meeldejääv skoor (Aja möödudes!) ja ülimalt tsiteeritav dialoog tugevaks põhjuseks. Lihtsamalt öeldes on see maiuspala, kui kõik suurepärase kinoelamuse elemendid on õiges koguses olemas!

Süžee on pehmelt öeldes lihtne, kohati peaaegu banaalne. Küüniline, südamest murtud mees, kes juhib Casablanca kuulsaimat ööklubi, leiab end ristteel, kui daam, keda ta armastas, ilmub koos oma abikaasaga. Süžee vahendid on siin kuulsad transiidikirjad, kuid lugu räägib otseselt kahest armukesest, kes asetsevad Teise maailmasõja algusjärgu taustal, ja Bogarti tegelaskuju raskest otsusest, kas jääda kinni või lahti lasta. Kuid nagu paljude selle žanri filmide puhul, ajab teostus asja ära, muutes 'Casablanca' üheks kõigi aegade köitvamaks romantiliseks draamaks, mis on ka uskumatult hästi mängitud; Humphrey Bogart ja Ingrid Bergman on tipptasemel ning neid toetavad osavalt sellised mängijad nagu Paul Henreid, Claude Rains ja Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Kui vaadata kino kui kunstivormi, ei saa eitada Barry Lyndoni täiuslikkust alates ilusast kinematograafiast, hüpnotiseerivatest lavastustest, silmapaistvast muusikast kuni võimsa režissöörini. Loona räägib see ühe noore mehe elust 18. sajandi Euroopas, kui ta ronib mööda astmeid aristokraatia poole, kuid tema halb saatus teda tagasi viib. Pilt sisaldab endas suurimaid stseene, mis eales filmitud, kasutades lõugavalt valgust, värve, füüsilisi omadusi jne. Inimese elu kokkuvõtte tegemiseks pole paremat viisi, kui seda objektiivselt vaadata, ja see on see, mida see film on teinud ebausaldusväärset jutustajat. See on külm ja kauge, andes publikule harva võimaluse peategelasele kaasa tunda. Sellest vaatenurgast vaadatuna Barry Lyndon on rikkalik tegelaskujude uurimus, realistlik ja poeetiline emotsioonide edastamise viis. See on lihtsalt kino oma parimal moel.

38. Kindral

Nimekirja üks vanimaid pealkirju 'Kindral' tuletab meelde, et paljud kaasaegsed märulimeistriteosed istuvad väga pikas varjus ei keegi muu kui tummkomöödiageenius Buster Keaton. Oma loominguga, mis on sama muljetavaldav kui isegi Charlie Chaplin, vahetab viimase kunstniku armastusväärne tramp Keatoni puhul kohati veetlevalt tobedate tegelaste kavalkaadiga; kõik ümbritsetud kinematograafilisest uudishimust, mis sirutas meediumi piire sellistes filmides nagu Sherlock Jr ja The Cameraman. Seda kõike mainimata isegi tema magnum-opust, 1927. aasta teost 'Kindral: Konföderatsiooni inseneri järel', kes tormas hoiatama oma poolt Ameerika kodusõja ajal edenevate liidu vägede eest. Selle narratiiv moodustab malli George Milleri hiljutisele filmile 'Mad Max: Fury Road' ja peaaegu igale kassi-hiirefilmile, mis kunagi tehtud. See on vastupidav oma lõbusa komöödia, muljetavaldavate eriefektide ja bravuurika kaskadööritööga, mis näeb Keatonit oma elu veelgi ohtu seadmas. rohkem kui üks kord oma armastava publiku imetlemiseks. Kindral jääb üheks, kui mitte parimaks märulifilmiks, mis eales tehtud – see, mis lõbutseb iga oma olemusega ja suudab välja kutsuda nii palju suurepäraselt käsitletud eepilise ulatusega hetki, et konkureerida mis tahes tänapäeval tehtud CG-ga koormatud mölluga.

37. Blow Up (1966)

Aeg ? Kiikuvad kuuekümnendad. Koht? London. Linn, mis pimestab ja ajab. Elav ja glamuurne. Seks, narkootikumid ja rock n roll. Kokkuvõttes päev Thomase, moefotograafi, noh, ütleme kahtlase moraali järgi, elus. Sündmusterohkel päeval pargis üsna salaja jäädvustatud paari fotosid läbi vaadates avastab ta sealt surnukeha. Ta läheb samasse kohta ja leiab, et surnukeha on mees paarist. Ta naaseb hirmunult oma ateljeesse ja leiab, et see on rüüstatud, kuid alles on jäänud üks foto, surnukeha. Järgmisel päeval keha kaob. Kes ta mõrvas? Ja miks keha kadus? Miks Thomas tundis, et teda jälgitakse? 'Blow Up' on režissöör Michelangelo Antonioni klassikaline tegu, mis on aastate jooksul inspireerinud paljusid filmitegijaid, sealhulgas Brian De Palma ja Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Armastuse ja südamevalu peadpööritavat, sürrealistlikku epifaaniat pole kunagi uuritud viisil ja sellisel määral, nagu seda teeb „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Lopsakas kaunite piltide ja vaikiva ajastu heliribaga sarnase leidliku partituuriga, on võimatu kõike kirjeldada, mis puudutab „Lahtu mõistuse igavest päikest”. Kahtlemata on film kihistunud raskesti jälgitava narratiiviga – kuigi tegelikult on see lihtne, kui hakkad jälgima – see on üks neist filmidest, mis on rikkalikult rahuldust pakkuv juba ainuüksi seetõttu, et sa ei suuda end takistada väga läbimõeldud kontseptsiooni üle minestamast ja sügavalt liigutamast. film, et see on. Kuid saate tõeline staar on selle autor, Charlie Kaufman , kes filmi 'Plekutu mõistuse igavene päikesepaiste' kujul oleks võinud väga hästi kirjutada kõigi aegade sügavaima stsenaariumi filmiajaloos. Film, mis pole mitte ainult omal moel ainulaadne, vaid ka lõputult taasvaadatav ning igal vaatamisel võib leida midagi uut.

35. Taksojuht (1976)

Filmis 'Taksojuht' annab Martin Scorsese meile Travis Bickle'is meie aja ühe kõige häirivama, ebatõenäolisema, kuid kapriisilisema peategelase. Film jälgib teda, kuidas temast saab taksojuht, et oma unetusega toime tulla, ja jälgib, kuidas teda ümbritseva linna hullus aeglaselt ületab. Tõeline viis, kuidas Taksojuht filmina võidab, on see, kuidas sellel õnnestub teie poole hiilida, liikudes aeglaselt läbi räpasuse ja õuduse, mis näib solvavat Travis Bickle’i. Selle poolest pälvib see õigustatult oma eristuse psühholoogilise põnevikuna kui draamana, töötades sageli rohkemal tasandil kui lihtsalt kaks. Film võib oma tumeda teema, veelgi süngema käsitluse ja peotäie vägivalla tõttu olla mõne jaoks häiriv vaatamine, kuid vaatajate jaoks, kes soovivad sellest mööda vaadata, on see vaid hiilgav katse mõista filmi osa. inimese psüühika, mis väljendub enamasti valvsuse vormis. Ma mõtlen, kes ei mõtleks meie aja ebakorrektsusele tõusmise ja selle tagasi andmise üle? Just see sügavalt juurdunud soovide täitumise fantaasia, millega 'Taksojuht' mängib väga tõhusalt. Filmi peetakse nüüd laialdaselt üheks kõige olulisemaks filmiks, mis eales tehtud, ja tutvustas maailmale jõudu, milleks oli Scorsese.

34. Paths Of Glory (1957)

Enne kui Stanley Kubrick asus uurima ühiskonna seletamatuid aspekte, mis ei ületanud mitte ainult aega, vaid ka vaatajate ootusi nende endi suhtes, tegi ta selle haarava sõjateose, mille ma hindan kõrvuti 'Tule ja vaata'. Erinevalt viimasest võtab Paths of Glory oma südantlõhestava WW esituse välja samast inimkonna madalusest, mis domineeris Kubricku viimastes teostes. Kubricku maailmas ei ole deemonid kaetud vere ja mudaga, vaid medalite ja uhkusega ning põrgu sukeldub kõige pühamasse kohta, õukonda. Ajal, mil tööstus oli kasutusele võtnud atraktiivse 3 riba, maalis Kubricki monokroomne sõda ühe varjundiga. Laibad, kaltsud, kasarmud, suits, tuhk, kõik on varjatud piinava agoonia tavalise vaatepildiga.

33. Kolm värvi: punane (1994)

Kunstniku surma kõige kurvem osa on see, kui arvate, et nende viimane töö on nende kõigi aegade suurim. Nii juhtus Poola autori Krzysztof Kieslowski ja tema viimase filmiga 'Punane'. Kieslowski oli juba teatanud oma filmitegemisest pensionile pärast filmi esilinastust 1994. aastal Cannes'is, kuid tema traagiline surm peaaegu kaks aastat pärast pensionile jäämisest teatamist teeb asja veelgi kurvemaks. 'Punane' on viimane osa tema paljukiidetud triloogiast 'Kolm värvi' ja räägib noorest naisest, kes satub kokku vana mehega pärast seda, kui ta kogemata autoga tema koera tabab. Vanamees on pensionil kohtunik, elust ja igasugustest emotsioonidest irdunud ning veedab oma aega teiste inimeste järel luurates. Nende kahe vahel tekib peene romantilise alatooniga ebatõenäoline side. 'Punane' räägib juhustest ja kokkusattumusest, mis tabavad meid igapäevaselt, ning sellest, et me ei suuda ära tunda selle ilu ja tähtsust. Kogu filmi läbib seletamatu melanhoolia tunne, mis räägib inimsaatuse ja aja traagikast ning sellest, kuidas me inimestena maailmas oleme ühel või teisel viisil seotud. 'Punane' on filmitegemises hämmastav saavutus ja lihtsalt üks parimaid filme, mis eales tehtud.

32. Sierra Madre aare (1948)

Nagu nimigi ütleb, seostame aardejahti sageli pulseeriva seikluse ja sellega seotud adrenaliinilaksuga. Kuid väga vähe on lugusid, mis räägivad emotsioonidest, mida inimesed kogevad, kui nad alustavad teekonda selle kulla saamiseks. Sageli öeldakse, et ebaõnne toob esile teie tõelise iseloomu. 'Sierra Madre aare' räägib loo, kus kullahimu toob tegelastesse ebameeldivaid muutusi, mille tulemuseks on nende individuaalne kõle. Kuigi tähelepanu keskmes on südametunnistust rikkuv ahnus, jääb vaatajale inimese iseloomu uurimine ebasoodsates olukordades. See traagiline lugu ahnusest ja reetmisest võitis see film parima režissööri, parima kohandatud stsenaariumi ja parima meeskõrvalosatäitja akadeemia auhinna. Aastate jooksul on sellest saanud kultusklassika kinosõprade jaoks kogu maailmas.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp ilukirjandus, termin, mida tähistatakse ajakirjade või raamatute jaoks, mis tõstavad esile vägivalla, seksi ja kuritegevuse tipptasemel. Need elemendid panid ajakirjad müüma nagu kuumad pannkoogid. Tarantino võttis need elemendid, segas need kolme loo ümber ja lõi narratiivi, mis ei olnud vähem kui filmigeenius. Üks omanäolisemaid popkultuurifilme, mis on tehtud, satub vaataja maailma maffia lööja Vincent Vega, tema krimi- ja mootorsuukaaslase Jules Winnfieldi, gangsteri naise Mia Wallace'i, poksija Butch Coolidge'i maailma ja saab sellest vaimustuses. selle stiilne kuritegevuse ja vägivalla käsitlus. Filmi üks olulisemaid aspekte, mis selle edule kaasa aitas, oli Samuel L Jacksoni esitus. Palmamõrvar Jules Winnfield, kes tsiteerib piiblisalme löökidena, oli ta fenomenaalne. Selle ajastu üks suurimaid filme 'Pulp Fiction' on saanud õpikuks pürgivatele filmitegijatele kogu maailmas.

30. Alžeeria lahing (1966)

Vähesed filmid on kandnud poliitikakoormat viisil, mis rikastab nende kinematograafilist efekti, kuid jätke libedanimelise sütitava itaalia maestro Gillo Pontecorvo hooleks võtta 50. aastate lõpu Prantsuse koloniaalajastu Alžeeria rahva rõhumise endiselt sähvatuspunkt ja muuta see millekski. täiesti mõjuv. Pontecorvo imetlusväärselt neutraalne mõlema poole terrori- ja terrorismivaatlus, mida täna tõmbab, muudavad 'Alžiiri lahingu' kogemise põnevaks intellektuaalseks väljakutseks meie arusaamale mustvalgest sõjapidamisest, a-la Miklósi tabavast külmusest. Jancsó kustumatu filmograafia. Veelgi enam, selle uudistefilmide montaažitehnikad on filmisuhtluses maamärk ja kasutasid minu meelest Nouvelle Vague'i meeletuid lõiketehnikaid palju tugevamalt kui paljud selle uurimuslikud mastipead. Kord nähtud, iial ei unustata – 'Alžiiri lahing' on lihtsalt maailma kino põhiteos.

29. Goodfellas (1990)

Režissööri unistus on luua filmi epohhaalne ajastu, mil see on tehtud. Kuid Martin Scorsese jaoks on see harjumus. Iga kümnendi jooksul, mil ta on olnud A-Lister, on ta teinud filmi, mida peetakse selle perioodi parimate hulka kuuluvaks. Ta tegi 1970ndatel 'Taxi Driver', 1980ndatel 'Raging Bull', 1990ndatel 'Goodfellas', 2000ndatel 'The Departed' ja 2010ndatel 'The Wolf Of Wall Street'. Ja just 1990. aasta gangsterdraama, mis põhineb tõestisündinud lool mafioosokaaslasest Henry Hillist, sai selle žanri üheks etaloniks. Film, mille Hilli jutustab esimeses isikus, kroonib tema tõusu ja langust osana New Yorgi maffiast aastatel 1955–1980. Vastupidiselt kogu gängsterite ekstravagantsusele filmis 'Ristiisa' või 'Arminägu' käsitleb 'Goodfellas' Gangsterite igapäevase elu autentsed pisiasjad, keskendudes sama palju Hilli suhetele oma naise Kareniga kui tema vägitegudele oma jõugukaaslastega. Kuid Scorsese kasutab oma trikkide virvarris kõiki nooli, et muuta see afäär ahvatlevaks, näiteks see legendaarne pika jälgimise võte , mõned meeldejäävad dialoogid ja plahvatuslik tegu Joe Pesci poolt Hilli tormilise kaaslase Tommy DeVito rollis. Krimižanri osas on 'Goodfellas' nii hea kui võimalik.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese on tuntud oma filmides katkiste, vigaste, sageli ennasthävitavate peategelaste lugude kujutamise poolest. Ja ta on sageli uurinud ajaloo annaale, et leida oma langenud kangelasi tõestisündinud lugudest. 'Raging Bull' on legendaarse poksija Jake LaMotta elulugu, kelle ennasthävitav ja obsessiivne raev, seksuaalne armukadedus ja loomalik isu, mis oli teinud temast ringis tšempioni, hävitasid suhted naise ja perega. Film on täielikult üles võetud must-valgelt, et kujutada tõepäraselt ajastut, millesse see aset leidis, ja selle tumedat, masendavat meeleolu. Scorsese eeldas, et see on tema viimane projekt. Seega oli ta oma filmitegemisel püüdlikult nõudlik. Sama pühendunud oli Robert De Niro, kes mängib peaosas. Ta võttis 60 naela juurde ja treenis tegelikult poksijana. Ta imbub LaMotta lühidalt kokkusulanud maneerid tulise täiuslikkusega, kui ta sukeldub täielikult karakterisse. Ta sai oma murede eest väljateenitud auhinna. See on Scorsese-De Niro suurim triumf. Intensiivne, võimas magnum oopus.

27. Ristiisa: II osa (1974)

Teiste osamaksete ajaloos on teadaolevalt vähesed filmid, mis on elanud oma au esimesele, üksi jätta need mõnes aspektis üle. Kui selliseid filme sisaldav nimekiri koostatakse, saab selle krooniks 'Ristiisa: II osa'. Esimese pärandi järgi elamine oli omaette tohutu ülesanne, kuid see 'Ristiisa' saaga jätk mitte ainult ei õnnestunud, vaid laiendas ka oma pärandit, saades osaks Ameerika suurimast organiseeritud kuritegevuse loost, mida eales räägitud. Film esitab kaks paralleelset narratiivi; üks käsitleb Michael Corleonet kui Corleone 'pereettevõtte' uut juhti, teine ​​tutvustab suurepärast Robert De Nirot noore Vito Corleonena ja tema võimuletulekut. Need kaks lugu on oskuslikult põimitud, pakkudes köitvat narratiivi, mis ei lõdvenda vaataja haaret kordagi. Al Pacino teeb siin oma parimaid töid, tema vastleitud pilk närib maastikku iga kord, kui ta ekraanile ilmub. Üks neist peaaegu täiuslikest filmidest, mida saab vaadata olenemata ajast, kohast ja viimasest vaatamiskorrast, kuid sa oled ikkagi täieliku allumise ja aukartusega selle ees. Kui I osa on püha altar, siis II osa on leib ja vein.

26. A Clockwork Orange (1971)

Esimene asi, mis ilmselt meelde tuleb, kui seda filmi ühe sõnaga kirjeldada, on 'häiriv'. Ainuke film selles nimekirjas, mida julgen uuesti vaadata, tabasin end seda filmi vaadates mitu korda võpatamas. 'A Clockwork Orange' on sotsiaalne kommentaar oma kompromissituimas, pakkudes teravaid kujundeid, millest ei pruugi kunagi taastuda. See on pime, see on väänatud ja see ei paku lunastust neile, kes seda otsivad filmis, mis kujutab endast ühiskonna mõistes ilmselt kõige süngemat düstoopiat. Ja selles minu arvates peitubki filmi edu häiriva sõnumi koju toomisel. Ebakonventsionaalne igal viisil, mida võite ette kujutada, pakub see peategelased, kes on hingepõhjani kiuslikud ja lubavad end ultravägivalla ja vägistamise tegudele; see kommenteerib asjade sotsiaalpoliitilist seisu kõige karmimal viisil, mida võite ette kujutada, paneb teid segadusse, kuna Alex DeLarge (keda mängib karismaatiline Malcolm McDowell) on allutatud ebainimlikele viisidele ümberkorraldamiseks ja lõpeb, jättes publiku segadusse. farrago kõigist asjadest, mida see häiriv kogemus sind korraga tundma paneb. Tõesti, Kubricki mõõtmetega töö.

25. Vertiigo (1958)

'Vertigo' lugu käib nii – endine detektiiv Scotty (James Stewart) kannatab tööülesannete täitmisel juhtunud juhtumi tõttu akrofoobia all. Tema poole pöördub vana sõber, et hoida silma peal tema naisel Madeleine'il, keda ta usub olevat vallatud. Algselt skeptiline Scottie muutub peagi ennasthävitavaks kinnisideeks kenast naisest, kes näib olevat palju rohkem, kui ta lubab. Alfred Hitchcocki sära seisneb tõsiasjas, et tema parimad filmid, mida on esimest korda põnev vaadata, näivad igal järjestikusel piilumisel avavat vaatajale uue mõistmise kihi. Muidugi, põgusal pilgul, 'Vertiigo; on hästi läbimõeldud psühholoogiline mõrvamüsteerium. Kuid kui te seda ikka ja jälle vaatate, hakkavad selle teemad, mis puudutavad meeste agressiooni ja naiseliku kuvandi kujundamist mehe meeles, lõpmatuse kasti kujul ja haaravad teid endasse. Tõenäoliselt kõige peenemalt vananev film, mis eales tehtud, Vertigo aeglaselt põlevast särast annab tunnistust tõsiasi, et vastakatele arvustustele avatuna peetakse filmi laialdaselt üheks parimaks filmiks, mis kunagi tehtud. Meistriteos põnevike meistrilt.

24. Hiroshima, mu armastus (1959)

Prantsuse vasakpoolse kalda visionääri Alain Resnais’ meelest sündinud 'Hiroshima mon amour' on film, mis nutab transtsendentaalsest jõust. Selle lugu ajast, mis on põimunud mäluga ja mõlema armistumisega, mis leidis aset Hiroshimas Teise maailmasõja ajal, jutustati kahe inimese – ühe prantslase ja ühe jaapanlase – kaudu, kui nad püüavad kokku panna valdava sõnumi seal tekitatud hävingust. Välja arvatud see, et sellisest rumalusest pole intellektuaalselt ega emotsionaalselt midagi võita. See on rahvusvahelisest leinast läbi imbunud töö, mis ulatub kaugemale kui konflikt ise ning tõde ja repressioonid, mis inimesi iga päev kummitavad. Aatomiplahvatuse järelkajade kaudu leiame väikese osa sellest, mis meiega nii valesti on. Asjaolu, et Resnais lihtsalt mõistab seda puutumatut segadust, mitte ei püüa seda parandada, teeb 'Hiroshima mon amour' üheks kino suureks meistriteoseks.

23. Random Balthazar (1966)

Robert Bressoni kõle meistriteos on tundeharjutus. See hoiab eemale selge peategelase või keskse teema määratlemisest, välja arvatud juhul, kui arvestada imelist loodusjõudu, milleks on Balthazar, ja kui võtta filmi nimiväärtusena, siis mitte. Kuid kui lubate tal olla oma juurdepääsupunktiks filmi emotsionaalsele ja temaatilisele maastikule, on raske sellelt tasumata tagasi pöörduda. Balthazari omapärane, lahja ja lahe visuaalne stiil tundub tagantjärele peaaegu glamuurne; selle rahulik haprus on mähitud resigneerunud, erakordselt targa kontrollitundega. Isegi selle käegakatsutav ausus peidab endas uuritud pingutust veidi tagasi hoida, toita oma olustiku ja karakteri lihtsuses rikkust, mis jääb publikule avastada ja mõnelgi hingematvalt ette kujutada. Kuna näitlejad räägivad nii vähe oma raskest olukorrast, kogeme juhuslikke, ebamõistlikke julmusi ja tunneme lämmatavat kurbust jaoks neid. Vormis, kus isegi kõige saavutatumad kunstnikud püüavad ainult tugevdada vaatajate meeli, järgides katseid ja katseid, pakkusid Bressoni pildid mulle lüürilist malli, millel tugineda minu kaastunde ulatusele, et isegi hinnata, kui teadlik see kaastunne on. .

Kõik see toob mind tagasi mu algse mõtte juurde. Iga hetke tähenduse omistamine 'Balthazaris' ei sõltu sellest, kas me eeldame, et selle sisu on sotsiaalse või isegi poliitilise iseloomuga allegooriad, vaid sellest, kuidas need meid muudavad. tunda nautides nende keerukust ja vaikust, selle asemel, et toetuda mõttetule ekspositsioonile, mida enamik filme kasutab. Seega on täiesti loogiline, et peategelane on samanimeline eesel.

22. Andrei Rubljov (1966)

Usun, et 'Andrei Rubljov' on parim näide vene autori Andrei Tarkovski ajaskulptuuri kontseptsioonist. Suur osa tema viimastest töödest oli abstraktne, kuna ta käsitles uskumatult isiklikke teemasid ja visualiseerimist, mis oli ajaperioodidele hajutatud. „Andrei Rubljoviga” jäädvustas Tarkovski aega ennast ja silitas seda siis kunstniku hinge sügavaimate varjunditega. Tarkovski on ilmselt ainuke filmitegija, kes suutis kunstniku repressioonide kujutamisel kõrgeima saavutuse. Ta uurib Venemaa rõhuvaid režiime, mis on riigile sama põliselanikud kui selle sügav kirjandus, mis on üllatavalt seadnud kahtluse alla kõige kaalukamad vaimse ja metafüüsilise küsimused. Andrei Rubljovi teekonnal on märgata paljusid Tarkovski hilisemaid jooni, sealhulgas looduse voolu filmimist. See on film, mis filmib sind, purustab sind ja paneb mõtlema – nii filmi ajal kui kaua pärast tiitrite veeremist.

21. Seiklus (1960)

Kuidas suhtute lahendamata saladusse? Või lõpetamata lugu? Kas otsite sulgemist seda meeleheitlikult otsides? Või lepid faktidega ja liigud siis edasi? Kas see pole elu? Teha kompromiss ja liikuda edasi? Michelangelo Antonionile kogu maailmas tuntust toonud film 'L'Avventura' on lugu noore naise kadumisest jahireisil üle Sitsiilia ranniku. Tema otsingud viivad kokku tema endise armastatu ja parima sõbra ning saab alguse häiriv suhe. Kuigi lugu on põimitud kadunud naise otsimise ümber, on selle tegelik eesmärk konstrueerida narratiiv, ilma et see keskenduks mõnele suursündmusele ja suudaks siiski publikut köita. Kesksete tegelaste tõelisi motiive ei selgitata kunagi lõpuni ja filmi lõppedes on vaataja sunnitud leppima sellega, et mõned sündmused jäävad nagu elu ikka seletamata. Vaieldamatu meistriteos!

20. Breathless (1960)

Ammu enne seda, kui Quentin Tarantino jõudis Ameerika indie-stseenile oma metsikult tobeda lähenemisega filmitegemisele, mis keskendus stiilile sisule, oli mees nimega Jean Luc-Godard, kes võttis kartmatult kasutusele traditsioonilised kinogrammatikad ja murdis neid hoolimatult. alla, defineerides ümber ja kujundades filme selliseks, nagu me seda praegu näeme filmiga 'Breathless'. Võib-olla pole ühelgi teisel filmil õnnestunud tabada nooruse põgusat hullust nii, nagu seda teeb 'Breathless' oma hoolimatu energia ja joovastava hõnguga. Hüppeliste lõigete veider kasutamine virgutab eeldusele omast hullumeelsust, kuna Godard tormab teid oma tegelaskujudest raevukalt eemale, paludes teil keskenduda loo kui terviku asemel süžee killustatud aspektidele. 'Breathless' on üks tähtsamaid filmidebüüte kinoajaloos ja kuigi see polariseerib jätkuvalt kinefiile ja kriitikuid, ei saa eitada selle mõju tänapäevasele kinokunstile.

19. Seitse samuraid (1958)

Akira Kurosawa on üks originaalsemaid, mõjukamaid ja viidatud režissööre, kes kunagi elanud. Roger Ebert ütles kord Kurosawa kohta. Võib väita, et see suurim režissöör andis järgmiseks viiekümneks aastaks tegevust kangelastele ja ta poleks saanud olla tõesem. Sergeo Leone 'Fistful Of Dollars', millest väidetavalt sündis spagetti-vestern, sai inspiratsiooni Kurosawa 'Yojmbost'. Ka meie praegune sissekanne on tehniline ja loominguline veelahe ning on inspireerinud lugematuid otseseid ümberjutustusi, samuti palju visuaalset elementi kaasaegses kinos . Eepiline draama kroonib seitsme lugu ronin (meistrita samurai), kes haaravad relvad, et kaitsta vaest tsivilisatsiooni, millel pole enam kohta, 16. sajandi Jaapanis ründavate bandiitide eest, mis kulmineerub ägeda kulminatsioonilahinguga. Kuid 'Seitsme samurai' sära seisneb tõsiasjas, et see jutustab peamise draama raames hulgaliselt hästi läbimõeldud lugusid erinevatest žanritest. Kogu filmis on märuli, seikluse, romantika ja täiskasvanuks saamise elemente. See koosneb ka tegelastest, mis on nii rikkalikult arendatud kui haruldane praad, millest hiljem sai mitme žanri põhiosad. Tõeliselt inspireeriv kunstiteos.

18. Elupuu (2010)

'Elupuu' on kino kõrgeim vorm: see lihtsalt ei räägi lugu, vaid selle eesmärk on muuta teie elu. See on film, mis võtab aega, et teie peale kasvada, ja kui see juhtub, on teil raske sellele pidevalt mitte mõelda. Erakordse ulatuse ja ambitsiooniga filmipoeem 'Elupuu' ei palu publikul mitte ainult vaadelda, vaid ka mõtiskleda ja tunnetada. Lihtsamalt öeldes on see lugu eneseleidmise teekonnast. Kõige keerulisem on see meditatsioon inimelu ja meie koha üle asjade suures plaanis. Pole tähtis, millist usku te usute või kas te üldse usute kõrgemasse olemusse. Filmi tõeline imestus tekib maagiast, mida elu ise on. Filmi kõige ilusam külg on see, et see läheb ajaga aina paremaks, nagu hea vein.

17. Lähivõte (1990)

Varalahkunud suur Iraani autor Abbas Kiarostami nägi inimelu kõige absurdsemates episoodides sageli ilu ja poeesiat. Petlikult lihtsate süžeede ja naturalistlike seadetega uuris Kiarostami universaalseid teemasid, mis ületasid sujuvalt kultuuritõkkeid, mis tulenevad sellest, millisesse inimkonda tema kino oli oma olemuselt ümbritsetud. 'Lähivõte' on vaieldamatult tema kõige edukam töö ja üks originaalsemaid, leidlikumaid teoseid. kunagi toodetud filmikunstist. Film on dokumentaalkirjanduse vormis, et kirjeldada tõelist kohtuprotsessi mehe üle, kes kehastas Iraani filmirežissööri Mohsen Makhmalbafi. Näitlejate hulgas on inimesi, kes olid tegelikult protsessiga seotud, mängides filmis iseennast. 'Lähivõte' on hämmastav inimidentiteedi uurimine, mida vaadeldakse tavalise inimese silmade läbi, kes võitleb enda ja oma eluga toimetulekuga. Meeleheitlikust kurbusest ja tõelisest armastusest kinokunsti vastu astub ta oma iidoli kingadesse. tea, mis tunne on olla tõeliselt elus, imetletud ja austatud. See on kõrgeima järgu filmitegemine.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brüssel (1975)

See prantsuse avangardfilm, mille nimitegelaseks on Delphine Seyrig, pole pelgalt filmikogemus. See on harjutusele – testile lähemal – ja mõjutab sind viisil, mida vähesed teised filmid on teinud enne või pärast seda. Sõltumatu teos keskendub kolmele päevale üksildase, probleemse koduperenaise elust, mil ta läbib oma ranget ajakava, mis on täidetud igapäevaste majapidamistöödega. Ta on ema ja lesk, kes teeb elatise teenimiseks õhtuti härrasmeestele seksitööd. Probleemid tekivad siis, kui tema rutiin on teisel päeval veidi häiritud, mis toob kaasa doominoefekti, mis kajastub sellele järgnevatel tundidel. Jeanne Dielman tõmbab inimese oma aeglasesse ja meditatiivsesse maailma Akermani omapärase režissööri signatuuriga, kaasates diegeetilise atmosfääri ja hüpnootilise aura, mille tekitab meistriteose rahulik, peen ja kannatlik isiksus, mis tähistab valusalt eksistentsi monotoonsust.

15. Rashomon (1950)

Oma aja filmitegemise üks ebatavalisemaid ja eksperimentaalsemaid tükke 'Rashomon' jälgib meistrit tööl, andes endast kõik oma jutuvestmisoskustele. Lihtsamalt öeldes on see aruanne juhtumist, mis leidis aset nelja metsikult erineva vaatenurga kaudu – süüdistatavate, ohvrite ja pealtnägijate omadest. See paistab silma kõikidel tehnilistel põhjustel peaaegu veatu montaaži ja meisterliku režiiga, kuid film kindlustab oma võidu temaatilistes küsimustes, millega see tegeleb; küsimused absoluutse tõe olemasolu kohta. Kas tõde on tõesti nii objektiivne ja ebaõiglane, nagu seda väidetakse, või on sellega seotud mingi subjektiivsus? Tavaliselt on see objektiivne või seda vähemalt laialdaselt peetakse, ilma et sellest näiliselt oleks muid versioone. See film seab selle kahtluse alla nii, et vaataja ise jääb küsimustest ärrituma, kommenteerides sageli ka seda, kuidas inimesed pole mõnikord isegi enda vastu täiesti ausad. See on temaatiliselt keeruline, kuid näib nii lihtne, kui soovite.

14. Stalker (1979)

Hoides eemal oma väiksemaid järeltulijaid, sealhulgas ülimenukas telesari 'Westworld', ei saa 'Stalkeri' kolossaalset mõju visuaalsele jutuvestmisele üle hinnata. Ideed – filosoofilised, vaimsed ja teaduslikud – ning nende osav, hiilgav kinematograafia „Stalkeris” on avaldanud muljeid paljudest sellele järgnevatest ulmetest. Terrence Malicki-suguste filmitegijate loomingus ei ole peegeldunud mitte niivõrd liuglemine, transi tekitav ja punktides abstraktne tempotamine või monokromaatilise seepia kasutamine väljaspool tsooni ning Eesti paikade jäljendavad värvid. ja Lav Diaz, kui nimetada vaid mõnda, kuid kestvat kannatlikkust ja alandlikkust. Suures osas filosoofilisi valitsemisaegu publikule üle andes jätab Tarkovski vaatajatele nii palju ruumi filmi mitme metafüüsilise tahku enda jaoks avastada, et isegi selle konkurentsitu sõnasõnaline ja visuaalne poeesia tundub samavõrd meie väljamõeldis kui tema oma. ja tema kaastöölised. Ja ometi jääb film eemale, juhatades meid mõistuse ja südame uurimatutesse saladustesse ning me ei jõua neid kunagi lahti harutada, sest sirge tee pole kunagi õige.

13. Fanny ja Alexander (1982)

Peaaegu 35 aastat pärast selle esmakordset väljaandmist on Bergmani viimast režissöörifilmi lahkamine sama põnev kui tol ajal kriitikutele üle kogu maailma, kes tundusid vaeva nägevat, et oma arvamust selle kohta kuulda võetakse. Need arvamused olid palju lahknevamad kui praegu, kuid filmi kohta Bergmani filmograafias tundub siiski raske määratleda. See erineb oma tooni, struktuuri ja ulatuse poolest kõigest, mida Bergman oli selle ajani teinud. Kuid see on ka vaieldamatu liit kõigist tema temaatilistest ja visuaalsetest instinktidest, mis ristuvad selles elujaatavas perekonna seinavaibas 1900. aastate alguse Rootsis. Selle maaliline üleküllus näib pälvivat kogu teie tähelepanu esimesel vaatamisel oma sügavalt kaasahaaravate punaste, roheliste ja mahedate, soojade kollaste variatsioonidega, mis moodustavad nii joovastava värvipaleti, et selle puudumine – kui kõik on kaetud valgete, mustade ja karmide sinistega – tundub karistav. Bergmani hoolikalt koostatud kroonikad kiirgavad perekondliku pikniku hõngu ja omavad tuttavat inimlikku sidet, mida aastakümneid hoiab koos ehtne habras kiindumus. Selles heldelt üles ehitatud eluloos on sünd ja surm juhuslikud. Väikeses maailmas elavad need tegelased, nagu enamik meist, kõik, mida võib loota, ja neile piisab, nagu meilegi. Kas see kõik on illusioon? Vaadates seda hiiglaslikku ansamblit selliseid imesid tegemas, võib nii arvata. Kui on, siis uskuge mind, te ei taha, et see puruneks.

12. Apokalüpsis nüüd (1979)

On sõjafilme, mis näitavad sõjapidamise keerukust (nagu 'Vaenlane väravates'), mõned teised, mis seda ettekujutust taunivad ja jälestavad (nagu 'Pianist'), ja siis on julge 'Apokalüpsis nüüd', mis ei paku ühtegi filmi. arvamust või järeldust, kuid selle asemel esitab graafilise kujutamise sõja õudustest, ülistades samas sõjas osalevaid sõdureid. Siiani käib vaidlus selle üle, kas 'Apocalypse Now' on sõjameelne või sõjavastane. Armasta või vihka seda; kindel on see, et sa mäletad seda. Üks Hollywoodi ajaloo probleemsemaid lavastusi, stsenarist-režissööri Francis Ford Coppola viimane lõige oli tema tehniliselt säravaim töö. Paljas eeldus on lihtne – kapten Willard peab lõpetama äärmise eelarvamusega kolonel Kurtz, kes on sisenenud vaenlase territooriumile ja lahkunud. Kuid Willardi kurnav teekond läbi Vietnami ahistavate lahinguväljade (mida tõstab Vittorio Storaro hingemattev kinematograafia) on see, mis jääb meelde pärast tiitrite veeremist. Filmis on üks meeldejääv stseen teise järel ning Martin Sheen Willardina, Marlon Brando Kurtzi ja Robert Duvall kui 'napalmientusiast' kolonelleitnant Kilgore, 'Apocalypse Now', nagu Coppola õigesti väitis, ei puuduta Vietnami. See on Vietnam.

11. The 400 Blows (1959)

François Truffaut' '400 lööki' on tõeline kunstiteos, mis tuleneb tõelisest valust. Tõeliselt siiras ja sügavalt isiklik teos, Truffaut pühendas filmi oma vaimsele isale ja rahvusvaheliselt tunnustatud filmiteoreetikule André Bazinile. Oma olemuselt selgelt autobiograafiline, oli Truffaut’ enda lapsepõlv segane ja see kajastub filmis väga selgelt. Väljastpoolt räägib film alaealiste ja noorukite kuritegevusest, mis on sageli tingitud ühiskondlikust ja vanemate hooletusest. Vaadake veidi sügavamale ja te leiate filmi lootusest; loodan, et see on nii intensiivne kui ka terapeutiline. Peategelane Antoine Doinel kujutab mingil moel teravalt ühiskonda ennast, ühiskonda, mis peidab oma ebaõnnestumised reeglite, karistuste ja kohtuotsuste taha. Film voolab nagu jõgi ja viib vaatajad lootuse, meeleheite, empaatia ja isegi puhta viha teekonnale. Kui olete kunagi tahtnud näha, kuidas meistriteos välja näeb, otsige rohkem kui '400 lööki'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch ei ole filmitegija. Mees on unistaja. Ja 'Mulholland Drive' on suurim unistus, mida ta kunagi unistanud on. Unistus, mis kätkeb endas kõiki inimeksistentsi hõlmavaid emotsioone. Sellist filmi nagu 'Mulhollandi sõit' on raske seletada või kirjeldada, sest see on film pigem kogemusest ja sellest, mida te sellest võtate, mitte tavapärasel narratiivil põhinev süžee, mis toidab teid vastustega, mida saate õnnelikult koju kaasa võtta. Lynch on sageli väitnud, et tema nägemus filmist põhineb põhiliselt paljudel ideedel ja tunnetel. Ja sellest saab värav nii keerulise ja kihilise filmi mõistmiseks nagu 'Mulholland Drive'. See on unistuste, ambitsioonide, soovide ja õudusunenägude labürint. Lynch teab, mis meid kõige rohkem hirmutab ja mis meid hullumeelsuseni ajab. Ja just see inimese alateadvuse häirivalt intiimne peegeldus teeb 'Mulholland Drive'ist' nii sügavalt ahistava kunstiteose. Selline, mis ümbritseb teid soojuse ja õrnusega, enne kui lõikate otse läbi kolju.

9. Jalgrattavargad (1948)

Lihtsus on ülim keerukus – Leonardo Da Vinci. Üks keerulisemaid ülesandeid filminduses on välja mõelda, millal oma film lõpetada. Jalgrattavaraste lõpp on algusega nii tonaalselt sünkroonis, kui alustame Antoniost, rahvahulgast väljuvast igapäevasest inimesest Antonioni, argiinimeseni, kes hajub rahvamassis. Elu sõjajärgses Roomas oli muutunud argipäevaks võitluseks ja vaevalt leidus keegi, kes sellest viletsuse mülkast välja tuli. Väga vähe on filme, mis pakuvad nii sügavat enesevaatlust kui Jalgrattavargad. See on film, mis murrab teie südame tükkideks ja inspireerib teid elama elu täiel rinnal. Harva on oma eelduselt nii lihtne film oma sõnumis nii hiilgavalt efektne. Filmi on peaaegu võimatu unustada, kui olete selle ära vaadanud. Kuigi filmi suurim saavutus on see, kui paljusid sõltumatuid filmitegijaid see inspireeris, kes siiani nimetavad oma inspiratsiooni 'Jalgrattavargad'.

8. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' on see, mille poole püüdleb iga filmitegija, kes soovib rääkida sisukat lugu. Ilmselgelt jäävad need kõik alla! Pole paremat näidet filmist, mis esitab eepilise loo nii lihtsalt, kuid meisterlikult, tõhusalt ja unustamatult. 'Tokyo Storyga' saavutas Yasujiro Ozu midagi, mis on iga elava filmitegija unistus: elada igavesti publiku südames ja meeles. Kõik, kes on 'Tokyo Story' näinud, teavad, millest ma räägin. Film räägib loo vananevast traditsioonilisest Jaapani paarist, kes külastab oma lapsi Tokyos, et jõuda karmile arusaamisele, et nende lapsed on oma eluga liiga hõivatud, et nende eest hoolitseda, ja on neist kultuuriliselt ja emotsionaalselt tohutult kaugenenud. . Filmi juures on väga hea ka selle universaalne teema, millega igaüks ja igal pool võib suhestuda. Ozu filmitegemise stiil tagab ka selle, et olete süvenenud loosse, mis pakub sügavat ülevaadet muutuvatest aegadest muutuvast inimpsüühikast. Lihtsalt geniaalne!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' on lihtsalt suurim armastuslugu, mis kunagi filmitud. Periood. See oleks võinud nii lihtsalt olla näidend või isegi luule. Kaunite, kütkestavate piltide ja peen, hinge läbistava muusikaga 'In The Mood For Love' jutustab kahe lihtsa inimese keerulise loo. Kaks inimest, kes läbivad armumise hirmu ja peibutuse; ja kui armunud on, siis tohutu valu selle poolelijätmise pärast. 'Armastuse meeleolus' kujutab armastust selle kõige haavatavamal kujul. Ja seda tehes paljastab see meie endi haavatavuse ja selle, kui abitud me armastuse ees oleme. Harva on nii alahinnatud ja väljapeetud film pärast vaatamist nii mõjuv.

Ma pole kindel, kas režissöör Wong-Kar-Wai kavatses oma tehtud filmi teha, arvestades, et enamasti filmis ta filmi ilma stsenaariumita. Kui vaadata ajalugu, siis kõige määravamad kunstiteosed on õnnelikud õnnetused. Lugege nende hulka 'In the Mood For Love'.

6. 8 1/2 (1963)

Itaalia maestro filmograafias number kaheksa ja pool on see lämmatav, imal eepos fantaasiatest, õudusunenägudest ja liiga mudasest reaalsusest nagu biscotti – oma kujult resoluutselt absurdne ja küpsetatud viisil, mis ei luba seda täielikult ahmida. üks käik. Selle hirmutav ja rahutu kaameratöö komplimenteerib Fellini teadlikku nägemust filmitegijast, kes püüab oma uues filmis suunata paljusid muutvaid kogemusi, mis tal on oma sõlmelise elu jooksul olnud. Nii poolautobiograafiline, kui see ka poleks, tuuleb '8 1/2' oma vaatajaskonnast mööda kogu oma lummava keerukusega nii radikaalses tempos, et avastasin end püüdmas dekonstrueerida selle nutikalt komponeeritud pilte, et leida oma koht Fellini kõrguv eripära, kuid ei suutnud kunagi kindlalt maapinnale maanduda.

Marcello Mastroianni varjutatud gravitaate ära kasutades võib Fellini puhas elekter olla tohutu. Sa jääd kinni oma ettekujutusest konkreetsest hetkest ja tunned ära selle lämbe rikkuse alles siis, kui avastad, et filmitegija on liikunud edasi järjekordse lehviva, mõnusalt tasakaaluka jada juurde. Tema ideed kunstnikest ja nende segadust tekitavast, naeruväärsest kinnisideest iseenda vastu võivad tunduda aegunud – või veel hullem, ebaolulised –, kuid nende ülesehituse ja väljenduse jultumus ei kao kunagi. See võlub ja peibutab meid, laskmata meil kunagi silmi sellelt ära võtta ja libiseb siis meie sõrmede vahelt läbi, kui meile koidab, et see pole kunagi olnud meie kätes. Fellini ei erine palju selgeltnägija Mayast filmis, kes näib teadvat, mida kõik mõtlevad: oskuse omistab tema assistent telepaatiale. Kui meie peategelane Guido küsib assistendilt, kuidas ta seda teeb, märgib ta selgelt: see on osaliselt trikk ja osaliselt tõeline. Ma ei tea, aga see juhtub. Filmi kirjeldamiseks poleks sõnu sobivam.

5. Isik (1966)

Arvan, et võib kindlalt väita, et 'Persona' rikkus üksi kino. Olles pealtnäha õudusfilm, on Ingmar Bergmani 1966. aasta klassika rohkem üksikisiku identiteedi kui miski muu uurimus. Kasutades uuenduslikke montaažitehnikaid, teravaid kaameranurki, külma ilmet, kaasahaaravat dialoogi ja suurepärast režii, jutustab see film võimalikult täiuslikult mitmetähenduslikult loo kuulsast näitlejannast, kes kaotab oma hääle, ja õest, kes tema eest hoolitseb. eraldatud kodus, kus nende eripärased isiksused hakkavad aeglaselt üksteisega kokku sulama. Olles režissööri kõige kinematograafilisem ettevõtmine, pöörab „Persona” kindlasti kõiki tavapäraseid filmitegemise reegleid, et püüda esile tuua värske ja kaasahaarav kogemus. Kuna tselluloidile on kunagi tehtud parimaid näitlejatöid, aitab filmi atmosfäär meil mõista selle kohta tekkivaid küsimusi, suunates oma fookuse nutikalt mängitavale käsitööle. Midagi nagu 'Persona' lihtsalt ei eksisteeri ja see võib väga hästi olla tõsiasi.

4. Ristiisa (1972)

Võimalik, et kõige mõjukam film, mis kunagi tehtud. Üks haruldasemaid kohandusi, mis on tegelikult parem kui algmaterjal – antud juhul Mario Puzo samanimeline romaan –, film on vastu pidanud läbi aegade ja on klassika selle sõna otseses tähenduses, mis läheb iga päevaga aina paremaks. vaatamine. Film kirjeldab maffiaperekonda Don Vito Corleone juhtimisel ja keskendub tema poja üleminekule, kui ta võtab patriarhi surma korral pereettevõtte üle. Kahtlemata on esitused selle filmi üks peamisi tugevusi, kusjuures suurkujud, sealhulgas Marlon Brando Vito Corleonena ja Al Pacino Michael Corleone rollis, määratlevad oma esitustega näitlemisstandardid uuesti. Kõik muu, eriti stsenaarium ja meeleolu loov kinematograafia ja partituur, on eeldatavalt A-klassi ja žanri määravad. Õigesti, pole olemas sinefiili, kes poleks seda filmi meistriteost näinud. See on altar, kus me palvetamas käime.

3. Kodanik Kane (1941)

Ameerika kino Püha Graal. 'Citizen Kane' määratles peaaegu kõik kinokunsti aspektid. Film, mis rikkus lugematuid filmitegemise tavasid, et luua uusi. Alates murrangulistest tehnilistest üksikasjadest, sealhulgas valgustusest, helist ja visuaalist kuni väga uuendusliku jutustamisstiilini, muutis „Citizen Kane” filmide tegemise viisi. Film on sügavalt sügav tegelaskujude uurimus, mis võtab müsteeriumidraama vormi, paljastades tõed mõistatusliku kirjastusärimehe elust, kelle viimane sõna on äratanud reporteri huvi. Ta asub teele, uurides inimest, kes kunagi alustas oma elu toorete ambitsioonide ja ihadega, kuid alistus peagi ahnuse ja autoriteedi võrgutavatele jõududele. 'Citizen Kane' on tohutult võimas kunstiteos, mis uurib sügavaid teemasid ja haarab inimesena elamise lõpmatult keerulisi emotsionaalseid tahke.

2. Peegel (1975)

Kas kunst võib olla kunagi nii isiklik, et ei suudaks seda loojast eristada? See on küsimus, mis mind tabas Andrei Tarkovski 'Peegel' esimest korda nähes. See on kunstiteos, kus kunstnik annab end täielikult oma tööle, nii et te ei tee vahet tema ja tema töö vahel. See on peaaegu nii, nagu Tarkovski hingaks kogu filmi. Autorid on teinud oma meistriteoseid, muutes ja kujundades kino selliseks, nagu me seda praegu näeme, kuid Tarkovski astus sellest sammu kaugemale ja saavutas kättesaamatu; andes elu tema kunstile. 'Peegel' on lihtsalt hingav kino. Näete Tarkovskit, tema perekonda, kultuuri, milles ta üles kasvas. Tegelikult võiksite näha selles iseennast, oma ema ja Deja Vu tunnet, mis neid kohti vaadates pähe tuleb. See on peaaegu nii, nagu oleksite seal olnud, võib-olla elus või unenäos kuhugi kadunud. Ja kunstnikule millegi isikupärase ja intiimse meisterdamine on midagi tõeliselt sõnadeta. See on film, mis kinnitab seda, mida me alati teadsime: kino on suurim kunstiliik.

1. 2001: Kosmoseodüsseia (1967)

Nagu iga teine ​​kanne selles loendis, on ka '2001' filmitegemise õppetund. Mitmed filmitegijad, sealhulgas Christopher Nolan ja Denis Villeneuve, on rääkinud sellest, kuidas film on neile inspireerinud. Niisiis, jah, film on tehniline ime. Kuid see pole põhjus, miks see film nii paljude suurepäraste filmide nimekirjas esikohal oli. See istub ülaosas, sest see on film, mis julges minna kohta, kus ükski film pole varem käinud. Pagan, keegi ei teadnud isegi, et on olemas selline koht, kuhu kino võiks minna. Ja kui kinokunst nõudis kunagi põhjust või tõestust, et kinnitada, et selle eksistentsi eesmärk on palju enamat kui pelgalt meelelahutus, siis siin see on: ülimalt mõjuv ja ülimalt müütiline „2001: Kosmoseodüsseia”.

Stanley Kubrick laiendas kino silmaringi peaaegu kõigi oma filmidega. Filmiga '2001: A Space Odyssey' andis ta ka uue tähenduse sellele, mida kino suudab saavutada. Enamik filmitegijaid kasutab loo jutustamiseks kino kui meediumit. Kuid Kubrick kasutas küsitlemiseks kino. Mida ta küsis? Kõik, alates Jumalast kuni meie olemasolu eesmärgini. Kuigi „2001: Kosmoseodüsseia” on omaette väga intelligentne ulmefilm, on see ka palju enamat. Usun, et see on film, mis on pigem filosoofiline otsimine, et teha kindlaks, kas Jumal on olemas. Rääkige kõrgele sihtimisest!