100 parimat Jaapani filmi läbi aegade

Esiteks tahaksin pühendada natuke aega auväärsetele mainetele ja lähedastele möödalaskmistele: Miko Naruse ahvatlevad töömahukad hõljuvad pilved, kui naine trepist üles tõuseb, ei suutnud õppimine ja andestatavam mäe heli seda teha. Olen proovinud jätta palju aega tema tööle soojendamiseks, kuid see ei paku mulle pidevalt huvi, kurb öelda. Tampopo, Liivaloss, Päikese taga olev mees, Ingli muna, Kurbuse Belladonna ja Teemaitse ei sobinud kahjuks ka minu kinopaletiga. Akira Kurosawa ja Yasujirō Ozu liigsel arvukusel tõusulaine vähendamiseks ei lisanud ma nende suurepärast hulkuvat koera, skandaali ega Kagemušat; ega ka tõestatavalt viljakat Ozu's I Born But & hellip ;, varasuve, hilissügist, ainukest poega, suve lõppu, rohelise tee maitset riisi kohal ja kana tuules.

Pidage meeles, et see nimekiri on mõeldud parimatele filmidele: nii et ükski neist filmidest ei jõudnud sellest tegelikult 100. kohale. Tahtsin lihtsalt tunnustada nende kvaliteeti nii paljude teiste kalliskivide keskel. Samuti puuduvad Shohei Imamura kindlad, kuid lõppkokkuvõttes mitterahuldavad sead ja lahingulaevad, pornograafid ja üks mees kaob koos Yoshishige Yoshida kauni riigipöörde ja Wuthering Heightsiga, Kon Ichikawa tagasihoidliku põlengu, südame ja kümne musta naise ning Hirokazu Koreeda elu puudutamine, nagu isa nagu poeg ja keegi ei tea & hellip; mis kõik on mind põnevil otsinud pärast tormi, kui see on läbi. Lõpuks tahaksin võtta hetke, et rääkida Sion Sono tööst: Hoolimata pettunud visadusest ja meeleheitlikust lootusest - ma ei saa öelda, et ükski tema proovitud tükk oleks vaeva väärt. Külm kala, Tokyo hõim, romantika süü ja ülimalt kehv armastus on kõik, eriti viimased - see oli kõige halvem film, mida ma nägin sellel Jaapani kino teekonnal. Talumatu.

Sellega ei saa hakkama: alustame. Siin on nimekiri Jaapani parimatest filmidest, mis kunagi tehtud.

100. Põrguvärav (1953)

Luksuslikult varustatud ajastu ettevõtmine on Gate of Hell'i atraktiivsus oma suurepärases kujunduspaletis. Režissöör Teinsuke Kinugasa, kes on kõige kuulsam oma 1926. aasta vaatamisväärsuse poolest Hulluse leht , see on tihedalt haavatud lugu, mille hindamiseks kulub umbes kaks katset, eriti Lääne ülevaadete puhul, mis pole tuttavad Jaapani feodaalse au koodeksiga, kuid tasub rikkalikult välja töötatud keerdkäikude ja õelate vihjetega üleloomulikule ähvardusele, millele see pealkiri viitab.

99. Üksikute huntide ja poegade seeria (1972… 74)

Kummaline pretendent koomiksiraamatute frantsiiside kuningale, Üksik hunt ja poeg jälgib pagenduses olnud timukat ja tema väikest poega seitsmeosalise seikluste seeria kaudu, mis kõik moodustavad selle nimekirja koha. III osa: Beebikäru Hadesele ja VI osa: Valge taevas põrgus on minu meelest kõige tugevamad - kuigi kõik on kella väärilised ja alates sellest aastast saadaval Criterioni kollektsioonist. See on valik soojades tegelaskujudes, millel on ahvatlev tegevus ja huumor, et varjutada narratiivis kõik formaalsused - kõik on väärt vaatamist ja rohkem kui väärt oma ruumi siin sepitsemist.

98. Ichi tapja (2001)

Üle ennekuulmatu ennekuulmatu, Miike'i kartmatu stiilipuhang õõnestab igasugust sisulist vajadust, koondades keskendumise kõlvatusele ja liigsusele sõnast go ning täites oma lubaduse valu ja verevalamise osas nii palju, kui vähesed filmi rea legaalsel poolel suudavad isegi mõista. See on hiilgavalt jabur lõbus pimeduse lakkumisega, nii et peate seda tõsiselt võtma. Ma ei saa jätta lugu pidamata Ichi tapja sellepärast, et ta on oma absurdsuses nii mugav - ja kuigi nimitegelane osutub klišeelikuks, leiab Miike algstaadiumis piisavalt hoogu, et minuga iga kord segaduses, hämmingus ja täielikus vaimustuses finišisse jõuda.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, krimiantoloogia taga olnud mees Lahingud ilma au või inimlikkuseta , on kunstnik, kes väljendab siin Jaapani laiemas kinokunstis nii imelist kvaliteeti: kartmata omaks võtta žanrifilmi. Royale lahing on ainulaadselt kujundatud kui uber-rumal satiiriline komöödia ja kuigi see tabab teel humanistlikke jälgi, tekitavad Fukasaku pritsimise ja laitmatu koomilise ajajõed jõnksu isegi kõige haiglasemates olukordades. Takeshi Kitano kord on eriti tähelepanuväärne, jättes kõik arusaamad austusväärsusest vaimukuse ja maitse rikkumise vastu. Royale lahing on räpane, nii palju on tõsi, kuid see, kuidas ta nii väsimatult ikka ja jälle uuesti skeptikute ründamiseks uuesti kokku rühib, on hiilgav. Kõhklemata mõistab Fukasaku nüri relva, mida ta käes hoiab, ja kõigutab seda täie jõuga. See, et see oli tema viimane film, annab mehe ettevõtmistele teatava väärikuse - enesetapuülesanne, mis lööb naljaka luu, peate olema koomas, et mitte tunda end kipitavalt vähemalt üks või kaks korda. Oluline meelelahutus.

96. Godzilla (1954)

Klassikaline koletisfilm, mis konkureerib vähemalt King Kongi ja mõne muu Universal'i algupärase koosseisuga. Godzillal pole päris nähtamatu mehe inimlikkust ja vaimukust ega mustast laguunist pärit olendi metsikut igatsust, kuid see on lõbus. Surmavalt raskes ülikonnas suure mehe jälgimine linnalinnas Jaapanis on tänaseni kaasahaarav kogemus, peamiselt selle vältimatult tagasihoidliku võlu tõttu. See tundub hetkel ja vaatamata oma kiirelt tutvustavatele mõjudele on enam kui teretulnud seal viibida, kui ammu kadunud ajastu reliikvia - ja praegu on parem aeg kui ükski teine ​​loota, et see varjatud plii Haruo Nakajima puhkab rahus.

95. Hullunud puuvili (1956)

Jaapani uue laine juhtiv asutaja, Hullunud puuviljad keskendumine nooruse leegile leiab oma jalad lihtsa looga, mis ulatub kaugele selle tagasihoidlikest parameetritest: kahe samasse naisesse armunud mehe aia hüppamine, et kajastada muljet sõjajärgsest põlvkonnast tervikuna. Need inimesed on ägedad, sõltumatud ja soovivad meeleheitlikult end tõestada - nende rahvuse väärtuste korduv rüvetamine on neid hirmutanud. See leiab jutuvestmise niši, mis rikastub sotsiaalses ja poliitilises kontekstis - ning esindab uue laine esimesi samme. Selle loendi jätkudes näeme, et pika elu vältel liikunud liikumine igavesti sissepoole - kas lummatud või hirmunud ja leides sellega narratiivi mitte rahvustest, vaid seksuaalsusest, perverssusest, vägivallast, ahnusest, üleloomulikkusest ja psühhoosist. Teine maailmasõda võib nendes lugudes veel varitseda - kuid minu arvates on see intrigeeriv, et selle käsitlemine nii avalikult kui ka Hullunud puuvili ei olnud lõpuks keskendunud, mitte teema plahvatusele.

94. Oharu elu (1952)

Meie esimene film Kenji Mizoguchi poolt Oharu elu tõestab klassikaliselt liigutavat tegelaskuju, mis paneb selle peategelase peegeldama naiste olukorda sõjajärgses Jaapanis, mida Mizoguchi tegi oma karjääri vältel imetlusväärselt. Lai, keerukas dramaatiline teos, mis kasutab aega, et rõhutada kiiresti selle fookusesse saabuvat olukorda, Mizoguchi toodab ühe oma parimatest teostest puhtalt selle eest, kuidas ta nii humanistlikult solgub ja murdub koos Oharuga ise - režissöör on liigutatud tema ees seisvatest raskustest. Just see suhe, mis veritseb otse ekraanilt, võimaldab filmil tõsta oma draama üle usaldusväärsuse.

93. Unenäod (1990)

Kirjutatud tema enda alateadvuse, Akira Kurosawa oma tagaküljelt Unistused on ühe mehe meele sisemuse maaliline kujutamine: Loogiliselt võrreldav Pastoraalne välja arvatud uue laine tundlikkuse puudumine kasumlikumate ja rahulikumate uurimiste kasuks Kurosawa öösel. Sellest tulenev vinjettide kogu paljastab midagi toorest ja ainulaadset selles, kuidas elu meie alateadvuse objektiivi läbi filtreeritakse - ja see võib olla lihtsalt kõige ausam film, mida Akira Kurosawa kunagi teinud on. Kirgas, armas väike pärl.

92. Rooside matuseparaad (1969)

Režissöör Toshio Matsumoto laiaulatuslik näide Oedipus Rexist (võib-olla parim kino pakkuda), Rooside matuseparaad tähistab jaapani kinodes alternatiivse seksuaalsuse ja soolist väljakutset pakkuvate kujundite jaoks üliolulist veekogu - ja turustab ennast ilma piirideta, mis on tänapäeval liikumist muutnud. See on nii tähistamine kui ka inimväljenduse kriitika, mõistes segadust, mida selle tegelased silmitsi seisavad, ning omaks võttes alanduse ja rõõmuga ka nende endi otsuseid. See kriitika kriitika oletus on see, mis määrab Rooside matuseparaad Edu ja kuigi ma ei arva, et see on väga lahkunu Matsumoto kroonimine, on see, kuidas me kõik täna õppisime, kuidas ta oma õppeaineid nii ausalt vigasel moel võitles.

91. Paprika (2008)

Satoshi Koni 2008. aasta filmiklipp on Chris Nolani omadega võrreldes sageli Algus - mõlemad põhinevad unistuste sissetungi ja sundimise kontseptsioonidel. Ma arvan, et peamine erinevus, mis jätab fännid barrikaadis laiali, on asjaolu, et Nolani katse hoiab suuremat emotsionaalset resonantsi ja tegelaskuju - kuid see kõik takerdub tüütavasse struktuuri. Kon kirjutab 85 minutit ja täidab iga kaadri joovastava õitsengu ja värvide ühendamisega kihtide vahel sellise jutuvabaduse ja paindlikkusega, et Nolani tihedam töö lihtsalt ei suuda sammu pidada. Lõppkokkuvõttes on mõlemad käsitöö ja leidlikkuse kindlate näidetena - kuid selles osas, mida ma karmima päeva lõpuks pigem selga panen, pole võistlust. Ja avastada tohutu hulk loomingulisi jõude Paprika omab oma arsenali, mis on lihtsalt alguse lõbus maitse - tuleb vaid haarata blu ray ja lüüa.

90. Inglite ekstaas (1972)

Kogu tööstusharu liikumisena tunnen, et Jaapani uue laine domineerivad punktid põhinevad seksil ja vägivallal. Mõlemad on elule omased ja kunstielemendid, mis jätkavad kogu maailmas kinematograafia vaipkatet, kuid ma tunnen, et vähesed filmid tegelevad nendega seotud filmides. Inglite ekstaas saab aru, et see on tema enda vulgaarsus. Režissöör Kōji Wakamatsu jätkamine sellise äärmusliku teemaga andis talle võimaluse lihvida jõhkralt vägivaldsete isiksuste kujutamist - tulemuseks on hullumeelne Sidi ja Nancy stiilis uurimine enese anarhilises kaotuses ning mõru romantika varjund. segisti. Sõltumata teie vaatest lõpus on see metsik sõit.

89. Dekoratiivne juuksenõel (1941)

Kõigist sõjaeelsetest kunstnikest, kelle mälu aeg aeglustab, on Hiroshi Shimizu võib-olla peamine nende seas, kes vajavad hädasti taasavastamist. Vaatamata Criterioni kollektsiooni rikkalikule Eclipse'i väljaandmisele (valus saada kätte ja mängida kõikjal väljaspool Ameerikat) näib ta selle perioodi kõige olulisemate režissööride seas mainimata olevat ja ma olen täiesti veendunud, et teda tuleks võidelda parimate seas. Dekoratiivne juuksenõel vabastati, kui Jaapan tiris Ameerikat Teise maailmasõjaga ja ometi on see seotud lootuse ja lihtsusega, mis ulatub tsiviliseeritumale eale - või vähemalt räägib sellest patsifismist, mille järgi Shimizu oleks võinud päevast päeva elada - konflikti ignoreerides ta peab barbaarset ja trotsivat tollast Jaapani välispilti. Seda kirjeldust liiga paljudes poliitikates segamini ajamata, Dekoratiivne juuksenõel peitub Shimizu meisterdatud parimate omaduste hulgas ja tema püsiv minimalism kindlustab selle kaunilt alahinnatud resonantsi.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Ma ei kahtle, et sellise universaalselt imetletud klassika nii madalale asetamise eest kohtusin laialt levinud vitriooliga - kuid tuleb öelda, et lugematute tuhandete seas Ugetsu Monogatari kuulub endiselt 100 parima Jaapani filmi hulka, mis kunagi tehtud. Mul on selgelt vastumeelne Mizoguchi tunnustatud meistriteos: aeg-ajalt liiga lihtsa suuna veniv haav, mis sageli hävitab tema nii sageli täiusliku kunstiteose ja rikub selle kogu varasema efekti. Nagu öeldud, valetaksin ma, kui mitte mainida, kui ainulaadselt põnev oli see kiiks minu jaoks nooremana ja vaatamata viimase aja pettumust valmistanud kordusvaatamiste seeriale, maagilistele hetkedele, kus kõik asetub paika, ja Mizoguchi imekombel, kinematograafiliselt kaasahaarav ja lõpuks inimlik külgetõmme puges tagasi minu soontesse. Ugetsu Monogatari libiseb nimekirja osaliselt, sest see on ülitöö, millest on kahju, sest ma olen uhke, et panen isikliku eelistuse staatusele: Kuid asja tuum on see, et ma tahan seda armastada. Varsti võib kiindumus taas kerkida ja Mizoguchi meistriteos tõuseb veelgi kõrgemale. Aeg näitab.

87. Esimese armastuse pärg (1968)

Paralleelide jälgimine selle kontseptsioonis on täpselt sarnane Hingamatu ja Eric Rohemeri meditatiivne seltskond aastal Minu öö Maud's käimasolevast Nouvelle Vague'ist, Esimese armastuse põrm on vaikne, kaunilt neelav tähelepanek paarilt, kes astuvad esimesed sammud koos, ja kutsuv, kirglik, pahur, külm, sageli tühi õhk, mis ripub nende ümber, kui nad üritavad rakendada sidet, mida filmi pealkiri oma publikule nii julgelt lubab. See on vähese hooldusega kunstiteos, mis premeerib kannatlikke vaatajaid inimeste liikuva suhtlemisega.

86. Cure (1997)

Redigeerimine aastal Ravida on surmav. See edeneb punktini, kus soovite pilgu kõrvale pöörata, täites Kurosawa publiku kaudse mõistmisega oma filmi halastamatuses, kuidas see lõikab läbi kodumaise rutiini ja verest pritsitud laibad sama loomulikult kui hingamine; ja just see erakordselt külm, peaaegu psühhootiline surma aktsepteerimine elus paneb mind küsitlema selle juhtohvitseri Takabet ja kui pagana vägivaldne olukord Jaapanis on jõhkrate tapmistega nii harjunud. Kui see liigub loidul roomamisel, mis hakkab õõnestama pinget, on Kiyoshi Kurosawa saanud tükki sisse hingata, Ravida on endiselt tugevale kinokaanonile enam kui vääriline lisa.

85. Halb unekaev (1960)

Akira Kurosawa nõrgim Shakespeare'i töötlus on endiselt üks tema tugevamaid filme, jälgides vabalt Hamleti lugu ettevõtte tiibades ootava korporatiivse kriitikaga. Teiste versioonide vastu peetuna on BSW aupakliku lavastuse nõrk esitus, mille dialoogiga koormatud kompositsioon ei haara Shakespeare'i draama laiust ja kaalu - ehkki see kasvatab ainulaadset Kurosawani jutustamisstiili, mis lisab lisamõõtme algmaterjali ja sepitseb maitsvalt kaasahaarava narratiivse takti. Inspiratsioonist moodsam ja põnevam The Bad Sleep Well on Kurosawa fännidele, kes ihkavad tema kaasaegsete pingutuste oskusi ja peensust, must-see.

84. Tetsuo: Raudmees (1989)

Tegelemine Tetsuo nõrga kõhuga on nagu ilma vestita kuuli võtmine. Kombineeritud koos vanaraua rekvisiitide, segaste komplektide ja valusate eriefektidega - on erksust Tetsuo: Raudmehe s jälitamine ebameeldiva pärast, mis muudab selle imetlusväärseks. Ma austan odavust, mida selle loojad tegid, et saavutada võimalikult hukutav kogemus: šokeeriv oma kõmulise heli segamise ja sünge monokromaatilise visuaaliga, mis heidab selle, mida me teame, mõistatuslikkuse valdkonda. Mustvalge värvib isegi kõige äratuntavamad objektid, mis moodustavad Tetsuo maailm kui õõvastavad tundmatu bastionid, pugedes pilude alla ja haardudes end meie külge, et alustada nii vägivaldse kui ka vältimatult haige mutatsiooni metamorfoosi. See on tükk tööd, mis möödub publiku delikaatsest tundlikkusest - ja just see peaks olema hea kehaõudus. Tetsuo: Raudmees on kahtlemata üks parimatest.

83. Must vihm (1989)

Kummaliselt ajastatud film, pidades seda koos Isao Takahata enda traktaadiga Teise maailmasõja haripunktis langenud tuumapommide inimhulgast ja käsitleb sarnaseid teemasid, Black Rain’s alaväärsus imelisele Tulekindlate haud ei tähenda mingil juhul seda, et seda tuleb eirata. Kui midagi, peaksid ka Takahata teose ümber õigesti koguvad austajate leegionid kogunema siia. Shohei Imamura esimene liigutus selles loendis, Must vihm heidab tuumaplahvatuse raskusele sügavalt traagilise ja hoolega isikliku pilgu: ellujäänu süü, lahkumineku, leina, kaotuse ja sündmuse ning selle tõsiste tagajärgede aktsepteerimise käsitlemine Imamurale omaselt taktitundeliselt sirgjoonelises stiilis, see on tema enda viis täpselt sama silmatorkav ja vahetu kui Hiroshima, mu arm unenäoline kirkus.

82. Inimkond ja paberõhupallid (1937)

Formalistlik klassika samas valdkonnas nagu Kenji Mizoguchi austusväärne teos, välja arvatud see, et siin hoiab võrdselt austatud režissöör Sadao Yamanaka end alandlikult, millest saavad õppida kõik, kes plaanivad kinomaailma siseneda. Tema teine ​​kuulus pilt, Miljon Ryo pott , on võrdlemisi rahulik, kainelt komponeeritud ja asjatundlikult dramatiseeritud lugu - kuigi ma arvan, et serv jõuab koju Inimkond ja paberist õhupallid sest sellega õnnestub igapäevaelu olemuse kohta laiemalt öelda. Selle mänguliselt ambitsioonika pealkirja mugavus kajab igas kaadris ja kuigi see pole üks kiiks, mida leidsin intensiivselt veenva või isegi kannatlikult liikuva, on siin midagi, mis nõuab kella.

81. Vaikus (1971)

Kohandatud samast romaanist, mille hiljuti käsitles Martin Scorsese, Masahiro Shinoda Vaikus toimib lääneriikide ja ida filmistiilide erinevuste põnevaks valgustuseks. Scorsese väliselt stoiline, karm toon on Shinoda õpitud käe all palju tagasihoidlikuma väljavaate kasuks, võimaldades raamatul muidu köitvalt naturaalses, riisutud võtmes karvu kahetseda ja sentimentaalsust. Stseen, mis tõstab esile Shinoda osavust oma religioosse jutu ilmaliku õhkkonna kujundamisel ilma manipuleerimise vajaduseta, on vana naine, kes laulab ruumi täis inimesi: Vaevalt öeldud sõna kõlab käimasoleva looga ega ole ka ükski edasine iseloomustus on edasi antud - ja ometi imbub see ülejäänud filmis möödapääsmatu elujõuga, mis nii tekitavalt punnitub preestrite ja nende jüngrite ängistuste ja meeleheite raskuse all. Alahinnatud ja ahvatlev, selle alandlikkus on minu jaoks ükskõik millisel päeval legendaarse Itaalia-Ameerika režissööri teos.

80. Go Go Second Time Neitsi (1969)

Asjade enda jaoks kohe raskeks muutmine, Mine mine teist korda Neitsi lööb oma 65-minutilise tööaja ühega paljudest ebamugavatest vägistamisstseenidest. Narrali kujundamine vaevatud noore tüdruku omapärasest suhtest sama noorusliku, häiritud mõrtsukaga, kes vaatas kaugelt - režissöör Kōji Wakamatsu lühike, kuid eluline oopus määratleb ennast, sidumata paaritumisega kunagi narratiivi. Omaette, paljastuste ja vestluste hooleks jäetud film kasutab üllatavalt oma üliväikest eelarvet koos Jaapani uue laine iseloomult sageli tõhusa kompositsiooniga ning seksuaalvägivalla vastasseisulise kujutamise, mis on palju köitvam, tihedam ja ettenägelikum kui Nagisa Oshima kurikuulus 1976. aasta kunstiline ebaõnnestumine (ja see paneb selle heldelt) Aistingute vallas .

79. Põrgu patused (1960)

Tähistatakse vähem kui intuitiivse skripti ja nõrga süžee abil Põrgu patused suudab ikka veel oma koha selles nimekirjas välja selgitada muidu erakordse juhtimise eest. Iga kaader on läbilõikav ja valgustatud tumeda värvipaletiga, mida aeg-ajalt katkestavad läbitorkavad punased noad, mis on peene meeldetuletusena tulevasest agooniast. Sa näed, Jigoku on ootemäng: film, mis enne monopoolsesse pärismaailma oma aega põrgatama paneb. Suurepärane algusstseen annab publikule hõngu verd, mis tantaliseerib esialgu igas teises stseenis, kuni meil on lõpuks lubatud Tartarus ise kogeda: vapustava sepistamise, hiilgava värvi, liigsete lisade ja eheda paanikaga kavalkava, kuna tegelastele antakse aega mõtisklema oma tegevuse tagajärgede üle. Nii et kui see on tüütu, tasub see tasumine meile vaatamistunnistusi Põrgu patused vähemalt üks kord - kinos sobib vähe selle sisuliselt vastuoluline, õudselt elutu nägemus allilmast.

78. Kakskümmend neli silma (1954)

Pärast noore naise matriarhaalset kohta koolinoorte klassi eesotsas ja selle mõju ümbritsevale ühiskonnale on Kakskümmend neli silma feministlik tekst, millel puudub nii meisterliku kui Jeanne Dielmani transsendentaalne sooline neutraalsus, kuid säilitab oma koha olulise tähtsusena töö tugeva keskse esituse nimel Hideko Takamineilt ja Thiassose stiilis narratiivirajalt, mis kestab aastatel 1928–1946, sisepoliitika ja taju edenemise ulatuslikus uurimises aastate jooksul rahust sõjaajani.

77. Hr Thankyou (1936)

Hiroshi Shimizu taktitundeline meditatsioon meie suhtlemisel, Hr. Aitäh jälgib gruppi inimesi bussis ja uurib tunde kestval teekonnal sihtkohta igasuguseid emotsionaalseid karaktereid (õnneks eemaldumine bussisõidust, mis lõppeks selles loendis veidi hiljem sujuvalt vähem). See on võluv portree luulest igapäevaelus, mis tõuseb nii mõnestki selles nimekirjas olevast pealiskaudselt ambitsioonikamast filmist selle võime tõttu istuda ja rääkida veidi üle 60 minuti, ilma et oleks vaja lööki. Väike pisike aare.

76. Häbi tänav (1956)

Kenji Mizoguchi oopuse serval tatsamine Häbi tänav on üks suurtest luigelauludest - see lähtub kogu mehe senisest kinokogemusest tema karjääris ja koondab selle õigeaegseks, iseloomulikult ettevaatlikuks ja tähelepanuväärselt inimlikuks teoseks. Jaapanis prostitutsiooni seaduslikkuse hämaruses hooramajas elades ehitab Mizoguchi oma tõelise palge, mis läbistab taju ja võimaldab meil näha varasemaid eelarvamusi, konflikti ja näiva „amoraalsuse“ kaunilt liikuva gobelääni. Tänapäeval naudib publik sageli kangelasevastaseid või kriminaalselt ebamõistlikke tegelasi tänu toretsevale GoodFellas ja muud moraalselt ebatõenäoliste tegelaste lõvilised, sageli rõõmsalt sadistlikud kujutised. 1956. aastal, eriti seadusliku ülemineku ajal, pidi selline film olema ennekuulmatu. Naised Häbi tänav üritavad lihtsalt elada - see teebki nende koorma veelgi südantlõhestavamaks.

75. Ujuvad umbrohud (1959)

Õigustatult peetakse Ozu kunstniku suurimate saavutuste hulka, 1959. aastat Ujuvad umbrohud jälgib rändavat truppi esinejaid ja perega seotud probleeme, millega nad reisil kokku puutuvad - eriti varem lahusolevate erakondade taasühinemine, mis ähvardab tulusa teatriseltskonna vabastamise. See on sama võimas kui Ozu parimad filmid, kuid ma võtan siinkohal arvesse jutustamismõõtu, eriti struktuuri. Mõne hilisema Ozu filmi vastu, mida siin kohtame, ei saa see küünalt käes hoida, kuid vähemalt näitab see, kui osav kunstnik ta oli Ujuvad umbrohud suudab ikkagi 75 parimat lõhkuda helendavalt vaiksel, mõtiskleval kujul. Ikka põhiline.

74. Pastoraal: surra maal (1974)

Shūji Terayama ’s Pastoraalne on kummalisuse ülev harjutus. See oleks naiivne, kui keegi dubleeriks seda kummalise ‘sürreaalse’ haru, sest Pastoraalne on sellest palju vähem peen: pakkides oma lühikese tööaja täis absurdikomöödiat ja fantastilisi kujundeid, mis meenutavad režissööri oma tulevikus kogetud mälestust. Sellise inspiratsiooni mõistmatus on selle süžee ja ideede ees vähe - ehkki nagu ka tema varasemas teoses, ei kahjusta Terayama süžee lõtvus kuidagi seda kogemust, mida ta üritab pakkuda - ja kui tema magnum opus üritab väljendada rahulolematu noore viha ja kirg, siis on see tema enda isiklikum järg: uurimus vaimustavas vaimus, mida on suurepäraselt pildistatud ja soojalt realiseeritud. Filmi on imelik teha, kuid selle rõhutamiseks visuaalse virtuoossuse, isikupära, tehnika ja lavastajavõime mõju on mees siin saavutanud. See on tõesti midagi näha.

73. Täiuslik sinine (1998)

Animaator Satoshi Koni andekus: Täiuslik sinine leiab kehalisuse pensionile jäänud pop-iidoli sisemisest võitlusest, mis üritab haarata tema uut identiteeti - kõik see on kaasatud kaasaegse maailma pidevalt arenevasse tõukesse. Kon'i visuaalne tundlikkus toob kaasa nii suurepäraseid kui ka nukralt kinematograafiaga liialdatud hetki - kuid ma arvan, et joovastav narratiivne kujundus Täiuslik sinine leiab järeleandmatuses, millega selle peategelane ennast piinab ja seda tehes piinab, kõigist režissööride luksumistest mööda. See on metafüüsiline teos, mis lubab endal õuduse reaalseks muuta - see nihutab traditsiooniliste animeeritud funktsioonide piire millegi jaoks, mis on vapruse tõttu pimedam ja häirivam. Hoolimata endast, ei hoia Kon vaimse degradeerumise kujutamisel tegelikkusest kõrvale - ja see kinnitabki muidu dateeritud Täiuslik sinine tänaseni. Animatsiooni põnev, sageli hämmastav eksperiment.

72. Tume vesi (2002)

Hirmuäratava otsene areng Sõrmus , Hideo Nakata ’s Tume vesi esindab režissööri teist ja võib-olla ainsat teist hitti ning sellist, mis suudab tema stiili veelgi edasi viia. Seda kaunistatakse küpsusega, mis pääseb paljudest J-õudustest, toetades selle draama jõudu, pöörates tähelepanu kavalusele ja täpsusele, mida väiksemad kunstnikud ei suudaks täielikult mõista. See on pulseeriv mõne nägemata eesmärgi saavutamine, mis kajab läbi kogu stseeni ja moed on paratamatus mitte ainult hirmu, vaid ka sunduse relvaks.

71. Yûkoko: armastuse ja surma riitus (1966)

Yûkoko: armastuse ja surma riitus on kurikuulus mõnel põhjusel, nimelt seetõttu, et selle direktor Yuiko Mishima sooritas pärast ebaõnnestunud sõjalist riigipööret ka seppuku kaudu enesetapu. Mees oli Paul Schraderi parima filmi alus, Elu neljas peatükis ja keskendub siin tõestatavalt põnevale teemale - kasutades sõnatu sõnumi tunnustamiseks Nohi lavastust ja tugevat kompositsiooni. Nördimusi tekitavad eriefektid on oma aja kohta tohutult muljetavaldavad, simuleerides Harakiri tegu hämmastava efektini ja täiuslike kirjavahemärkidena Mishima patriotismi. Ei anna alla.

70. Akira (1988)

Jaapani animatsiooni virvendav, neoonpaeltega maamärk ja selle imbumine rahvusvahelisele keskpunktile, Akira tähistab anime vallas revolutsioonilist punkti ja avaldab muljet ka tänapäeval oma sädelevate värvide, armas futurismi ja amorfse, jäleda nimitegelase sünge muutumises. Kuigi loo ülesehitus on täis märkmeid ja ei suuda leida selget suunda, kus areneda, Akira oma tegevus ja animatsiooni muljetavaldavamad vigurid on need, mis muudavad selle nii mõjukaks ja agressiivselt köitvaks - haaravad ekraanid ekspressiivselt meisterdatud vinjettidega ja ületavad selle progressi lõdva lõualuu rumaluse millegi tõeliselt tähelepanuväärse jaoks. See on tige, dünaamiline ja meeldiv - väärt klassika ja algus imelisele ajastule, kus toodetakse kvaliteetset animatsiooni.

69. Kohtutäitur Sansho (1954)

Siinkohal pean tunnistama: Kenji Mizoguchi töö pole mulle kunagi meeldinud. Hoolimata sellest, et proovisin mitu korda oma piltidest läbi ussida, pole miski tegelikult kunagi kinni jäänud. Vähe sellest, et tema töö mind köidab, ja see, mis seal kirjalikult on, laskub tuhmiks, kui ta selle nii nüridalt ekraanile siirdab. Mehe töös võib kahtlemata imestada - kuid see illustreerib mind jätkuvalt. Kõike seda silmas pidades leidsin ma vähemalt mõningase lohutuse oma uuesti jälgimises Kohtutäitur Sansho selle loendi jaoks - film, mis varem oli mind pettunud nii võimsa materjali raiskamise pärast. See katse õitses Mizoguchi ikonoklastilise lähenemise uues leidmises, mis tundus tema varasemas töös vabana. See on pungil sügavalt mõjutavate stseenidega ja kuigi ma tunnen, et film on umbes 20 minutit liiga pikk - ja see võib tõusta meisterlikkuse valdkondadesse kokkuvõtlikumalt liikuvas ruumis, on see vähemalt selles nimekirjas legendaarsele kunstnikule pinnase andnud. Võib-olla paneksin aastate pärast Mizoguchi teose siin kõrgemale - jääb vaid loota.

68. Onibaba (1964)

Meie esimene film Kaneto Shindost, Onibaba keerutab umbusalduse ja pettuse lugu - kaks varganud naist, keda mõjutab varjatud mask, mis otsib peagi oma päevakorda. Paranoia õhkkond, mille Shindo areneb läbi tema ettevaatliku lavastamise ja räuskava loo, on võrdne filmi eduga - uute tegelaste ja sündmuste ühendamine, et suurendada publiku ja tema peamiste mängijate õhinatunnet, et õhutada ainulaadselt paralleelset emotsionaalset sidet. Kuid ma arvan, et ennekõike Onibaba oma Jaapani õuduskino klassika püsiv staatus tuleneb ühest võttest: üks pilt, mis pakib selle halvavasse vaikusesse nii palju siseelundite energiat, et mind see füüsiliselt jahmatas - ei julgenud enam tagasi minna Onibaba kartuses kohtuda sama kohutava kohalolekuga. Selle ühe, täiesti kummitava kaadrikomplekti ees jääb ülejäänud film peaaegu kahvatuks: Kuid selle täielikuks allahindamiseks tähendaks nii kontrollitud ülesehituse mõte kui ka selle sensatsiooniliselt käsitsetav kulminatsioon.

67. Sonatine (1993)

Takeshi Kitano loomingus on alati muljetavaldav viis, kuidas ta annab isegi kõige kurnavamatele stsenaariumidele kergust. Ligikaudu kadunud Ilutulestik ja Vägivaldne võmm mõlemad jagavad oma oopusega nimekirjas oma kohta, Sonatine ja räägivad kõik tema populaarsusest kodumaal Jaapanis ekraanikoomikuna ning sellest, kuidas need juured peenelt tema kinopakkumistesse imbuvad. Iga kaader, kus ta elab, särab - hoolimata tumedate ja sageli jõhkrate jutuliinide kompositsioonist. Nii osavalt meie moraali ja sümpaatsuse tajumisega mängimine muudab Kitano sama põnevaks tegelaseks, nagu see on ilmnenud Jaapani kinost viimase paarikümne aasta jooksul - ja tõestab seda, nagu ütles nii osavalt Rodger Ebert pärast seda, kui nägin Sonatine , et rängad krimiuuringud ei pea ohverdama sügavust kaasamiseks a-la Tarantino tema pealiskaudsete monoloogide ja huuliku „iseloomustusega“. Kitano suudab mõlemat.

66. Deemonid (1971)

Uue laine vesimärk Toshio Matsumoto jahmatas 2 aastat varem oma peenusega Rooside matuseparaad ja 71 deemonid hoiavad oma sensoorse hoo hoogsalt tulistatud öise maastikuga, mis uputab iga pildi täielikku pimedusse - ainult painajalikus pimeduses valgustatud kohad ja mängijad. Teised lavastajad on seda tehnikat katsetanud, võib-olla kõige varasem tähelepanuväärne näide, mis peitub Louis Malle'i ülekuulamises filmis 'Elevator to the Gallows' - kuid vähesed on seda saavutanud nii invasiivsete efektideni - iga kaader tekitas laia hirmu ja, mis kõige tähtsam, meeleheidet. Ükskõik kui lähedal selle peategelased oma üleloomulike ründajate eest põgenevad - miski pole kunagi ohutu. See on selgelt eksistentsiaalne õudus.

65. Ikka kõndimine (2008)

Ma arvan, et Yasujiro Ozu kõrguv vari võib heita märkimisväärse varju igale dramaatilisele filmitegijale ja kõrgelt hinnatud Hirokazu Koreeda on võib-olla kannatanute seas peamine. Mees üritab võrdlemisest kõrvale hiilida, võrreldes oma tööd Ken Loachi omaga, mis on rohkem kui Jaapani legend, kuid selline sarnasus on möödapääsmatu ja toob esile mitmeid Koreeda meetodi puudujääke. Ozu kutsub teid oma tegelastega maha istuma ja harutab loo mõtet järk-järgult lahti, kusjuures Koreeda kleebib oma kaamera draamaga samasse ruumi ja lihtsalt vaikselt vaatleb. Tema stiil on palju vähem otsene, meenutades mõnevõrra Taiwani meistri Hsiao-Hsien Hou tehnikat, kuid siiski veelgi eraldatum.

Kõike seda silmas pidades viib Koreeda keeldumine sissetungimisest siiski jõuliselt intiimsete hetkedeni hiljem - kus ta hakkab õitsema, kuna tegelased lubavad meil ületada nende ja meie maailma kuue eraldusastme. Midagi nii lihtsat kui klaverile lähenev inimene, fookuse äärmuslik erinevus, mis rõhutab stseeni olulisust, teeb imesid, andes publikule pisikesi, tekitavaid pilke oma tegelaste teadvusse. Tõepoolest Ikka jalutamas on lootuse bastion, mis innustab kaasaegse Jaapani filmitegijaid langema peredraama hulka ja püüdma seda läbi suruda sama sundi ja mõjuga, nagu tegid sellised kunstnikud nagu Ozu ja Naruse kõik need aastad tagasi. Selliste režissööridega nagu Sion Sono on sündinud, on see kingitus, mille sarnased inimesed nagu Hirokazu Koreeda on endiselt ranniku lähedal ülakõhus ja annavad meile äärelinna elupildis midagi nii vaikset ja köitvat.

64. Näitlejannade pihtimused (1971)

Jõhkralt aus, iseloomulikult avatud film, mis ei erine filmi andestamatust inkvisitsioonist Talvevalgus - Yoshishige Yoshida Näitlejannade pihtimused järgib traumasid, mis panid kolm naist pühenduma oma käsitööle - režissööri esimene värviline film ja põnevalt: üks, mis selles uues punastavas värviribade rikkuses eemaldas suure osa tema äärmuslikust kaameratööst, et saada järge, paljast tõest taga. ja selle mõju neile inimestele. Ilmutus on omal moel tervendamise ja Kiju Yoshida vorm Näitlejannade pihtimused töötab suurepäraselt selle idee aruteluna.

63. Narayama ballaad (1984)

Narayama ballaad esindab Shohei Imamura võib-olla kõige kuulsamat filmi, iseenesest sama austatud klassiku uusversiooni. Imamura tüki eristab tema taktiline lähenemine inimlikule tegevusele - lummatud süngete vastuste ja muteerunud psüühikaga, mis emotsionaalselt koormab meest või naist. Tema varasemad filmid tegelesid selliste teemadega palju paremini, kuid ma arvan, et see ei välista Narayama ballaad nende seas pikalt seismisest. Selle tuttav rahvalik lugu on sama ettevaatlik inimkäitumise uurimine ja kuigi sellel puudub haigestumus, mis andis tema 60ndatele töödele hammustuse - Shohei Imamura pakub endiselt rahuldavalt kaastundlikku ja tõelist kunstiteost.

62. Mandara (1971)

Mandara on omal moel üks seitsmekümnendate alguse kinematograafiliselt kõige põnevamaid filme. Teema, fotograafia ja selle tekitatav hämmastav meeleolu on väljakutsuv, kuid universaalselt rahuldust pakkuv - see on võrratu veider teos, mis oleks võinud jõuda selle loendi ülemisse ossa, kui mul oleks olnud aega sukelduda selle rikkalikult kummalisesse maailma. Piisab öelda: see vähe nähtud uue laine pärl on absoluutne kohustus.

61. Printsess Kaguya lugu (2012)

Auväärse Isao Takahata 2012. aasta vormi taastamine pärast 1988. aasta vapustamist Tulekindlate haud , Muinasjutt Kaguya on lihtsalt uhke. Igas vanuses sobiv perejuttu, selle ülimalt ilus animatsioonilaad on tagasi klassikalise kujunduse järgi, mis on maalitud valgeks tekiks - ideaalseks põhitõdedeks, mis on sellest ajast alates inspireerinud omadusi rohkem kui ühes keskkonnas. Kaugeleulatuv esteetiline tõmme Kaguya pole see lugu varjutatud - kuid selle helge kinematograafiline sund on algusest lõpuni endiselt vältimatult joovastav ja nõuab tähelepanu igalt animatsioonifännilt.

60. Teie nimi (2016)

Selle loendi viimane film, eelmine aasta Sinu nimi on ilmutus. Ameerika populaarne kino võib sageli olla nii elutu ja küüniline, isegi selle indie-stseeni hakkab köitma rohkem kui kuulsus, mitte kunstiline väärtus (et mitte diskrediteerida selle kasvava tähelepaneku ilmseid erandeid). Ma ütlen seda kõike seetõttu, et olles uurinud Jaapani kaasaegseid väljaandeid selle loendi jaoks, on põnev, et mul on sama imeline film Sinu nimi olla peavoolus sama edukas kui see oli. Sellest ajast peale on Jaapan olnud nii rabatud kui ka animeeritud funktsioonidega Akira 1988. aastal ja kuigi kare soostab sageli selle all olevaid teemante - murdis see tugev film kergelt läbi. Ilma sissejuhatuse ja kommentaarideta lihtsalt vaata Sinu nimi . See on midagi südamega ja ausate kavatsustega, millest võiksime kõik tänasest õppust võtta.

59. Nausicaä tuuleorust (1984)

Nausicaä tuuleorust on animafilmist titaani Hayo Miyazaki ülim oskus kunstnikuna. Jutuvestmine on peen - ehitades mingisugust pahurat apokalüptilist tulevikku, justkui meie oma maailmas, kus on suunavabadus ja imeline maa ainulaadse taimestiku ja loomastiku realiseerimine - kõik asustatud mitmekülgsete üksildaste hingedega, kes väljendavad oma soovimatute hiilivat tunnustust maailmas imeliselt. Esimene paljudest Miyazaki tõeliselt südamlikest, originaalsetest ja imalalt inspireeritud teostest.

58. Kas tantsime? (1996)

Ma arvan, et mis lahutab Kas tantsime? mis tahes muust 'elu jaatavast' käigust on see, kui tõsine see on. Akira Kurosawa enda traktaat täitumisest (või õõvastavast selle puudumisest) aastal Ikiru on terav kontrast siinsele kahjutule sarmile - see idaneb loomulikult ja libiseb meie südamesse, selle asemel, et küüniliselt juhitud süžee-punktide kaudu sisse lüüa. See on suurepärane film - film, millele on antud nii kõrge positsioon, kui rõõmsalt usutav on selle lugu ja kui mugav on režissöör Yoshikazu Suo oma tootega. Rõõm.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshida suur läbimurre, Akitsu allikad tähistab Jaapani uue laine vallas millegi erilise koidikut. Juba 1962. aastal suutis Yoshida paljude tolleaegsete Jaapani filmide psühhoseksuaalse tähelepanu keskpunkti viia ja selle sisemise sügavuse laitmatu täpsusega ühendada - võlu, mida ta aja jooksul muudkui teritab. Rida samamoodi fantastilisi järelmeetmeid kinnistas teda liikumise võtmeliikmena, kuid minu jaoks on see nii Akitsu allikad mis on tema kinogeeniuse omanikuna kõige tugevam.

56. Naine tunnistab (1961)

Meie esimene film on andnud viljaka Yasuzo Masumura, 1961 Naine tunnistab on Jaapani varajase uue laine kroonimine. Naise väidetavalt juhusliku surma tõttu süüdistatava naise järel tabab see Jaapani kino tumedamale küljele omaseid agressiooni-, küünilisus- ja diversioonilaineid, välja arvatud selle sageli verise ja jõhkra vägivallata. See, mis meil siin on, on mõru vägivald, mis on lastud läbi kibedusest ahvitatud häälte ja mida silmad jälgivad mõne vaese, eluaegse vangistuse korral, et võrrelda nende endi viletsust. See on varjatud haigestumus Naine tunnistab mis annab selle ühiskondlikule hambumusele kaaluka ülevaate.

55. Jumalate sügavad soovid (1968)

Shohei Imamura pikim film, Jumalate sügavad soovid on ka võib-olla film, mis tema stiili kõige paremini illustreerib. Järgides eraldiseisva koloonia pingelist dünaamikat ja kasvavat romantikat, mis õide puhkeb, võimaldab Imamura pisut eemaletõmbav suund ja peaaegu ajakirjandusliku terviklikkuse läbiv sära lubada põnevat dokumenti kohalikust elust, armastusest ja sellest, kuidas meid lahutamatult tõmbavad meie enda soovid - olgu see siis teadlikult jagatud ürgse tungi või mingi immateriaalse implantaadi kaudu, mis saadetakse otse ülevalt. Lõpuks oli Imamura põhimõttelist küsimust mulle raske hallata: kas on lihtsam leppida sellega, et meie jumalad on julmad või me oleme?

54. Inimese seisundi 1. osa: pole suuremat armastust (1959)

Esimene filmide eepilises triloogias, Inimese seisundi 1. osa: puudub suurem armastus on film, mis looks pretsedendid selle järeltulekutele - nii tugevate kui ka nõrkade külgede režissööril Masakai Kobayashil oleks aega vaid tagantjärele õppida, selgitamata kunagi oma ülimalt ambitsioonika teose ideaalset tasakaalu. Pole suuremat armastust sisaldab mitmeid surematuid hetki, eriti hukkamisstseen, mis kestab 10 minutit ja näeb rõhutud Manchu mulli viha viha, mis ületab hirmu, mida kõik relvad ja okastraat inspireerivad millegi eriti kõlava jaoks tänaseni - aga ka surma lõpuni kaar mitme tähemärgi jaoks. See on liiga pikk, üleküllastatud ja lõppkokkuvõttes ebaefektiivne film & hellip; kuid see on ka meisterlikult käsitletud sõjahulga uurimine. Tasakaalustamata äärmuseni, Inimese seisund Avapeatükk leiab piisavalt tugeva aluse filmi moodustamiseks, mis pole ei täiuslik ega erakordne: Kuid üks on siiski piisavalt väärt, et siin 60 parema hulka pääseda.

53. Viska oma raamatud minema, tänavatel kogunemine (1971)

Viska oma raamatud minema, tänavatel kogunemine on verevool pähe. Ühendatud vinjettide elav ja loendamatu paigutus maalib erksat pilti Jaapani noorte eraldumisest vanadest väärtustest. Formalismi tagasilükkamine millegi täiesti moodsama, futuristlikuks tükeldatud ja ometi arusaamatuses täiesti mugavaks. See on tööstuse loominguline olemus, mis ilmnes noorte mõtetes, mille tulemuseks on jahmatavad, ahvatlevad ja sageli hämmastavad partiistseenid. Vähesed filmid isegi Jaapani uuest lainest võivad süüdata sama rangelt mässava tule.

52. Punane Ingel (1966)

Massiivselt viljakas meister Yasuzo Masumura töötas just 1960. aastatel kolossaalse 33 filmi kallal - tema paisuva loomingu üks tipphetki on 1966. aasta ülev Punane Ingel. Keskmes romantiliselt angažeeritud noor meditsiiniõde, kes on sunnitud sõtta, arendab Punane Ingel oma kurnavat maailma erakordselt hästi: alustades veteranide leegionidest, mis on armidega võrgule tõmmatud ning oma vere ja higiga pritsitud operatsioonilaual räämas ja mahajäetud kompleksis - kõik enne kui see surmava konflikti tiiglisse visatakse. Käegakatsutav hirm on märk Masumura rikkalikult impressionistlikust servast - ja tähistab teda kui 1960. aastatel rahva kino määratlevat, kahjuks varjutatud häält.

51. Kaardita mees (1968)

Hiroshi Teshigahara laitmatu loomingu kahetsusväärselt allakirjutatud sissekanne, mida varjutas kohusetundlikult tema kõrgendatud töö aastatel 62–66, 1968 Kaardita mees näeb rangelt ikonoklastilise režissööri üleminekut karmilt ühevärviliselt ahvatlevale värvifotograafiale: Tööstusliku Jaapani laialivalguva labürindi vaatamine sünge, mõnevõrra tuhmi paletiga, mis kajastab nii rikkalikult peategelase ootamatut vastuseisu. Kaardita mees jookseb kahtluse ja segaduse jõgedes, maandades oma detektiivi väikseimate sissetungide korral sügavas vees ja harva võimaldades tal sekundil hingata ja selle kõige avarust sisse haarata.

Teshigahara linnastab mänguliselt oma peategelaste piinava jälitamise maailmaga, mis igal sammul eitab katarsist, kommenteerides kuraditäpselt kaasaegse elu lakkamatut ebakindlust. Ta loobub oma varasema teose nüansirikkast üleloomulikkusest ja sürreaalsusest palju põhjalikuma teose jaoks, mis on selle tulemusena võib-olla isegi kummitavam kui Sisyphese agoonia Naine luidetes või Pitfall’s mõtlematu, tundmatu surma edasiliikumine. Kaardita mees lööb meid meie kodumurule ja sellepärast on see nii hämmastav - nii ärritav - ja miks see on tänaseni nii oluline filmitükk.

50. Putukanaine (1963)

Meie neljas film, mille autor on austatud meister Shohei Imamura, Nagisa Oshima ohtlikumalt liigse mündi mõnevõrra auväärsem pool, Putukanaine on eeskujulik esitus sellest, miks Imamura nägemus seksuaalpoliitikast oli alati palju põnevam kui tema vastuoluline kaasaegne. See on film visuaalsest juhtimisest: selle kujundite sisendamine nii mõtte ja kaaluga kui ka maitsva esteetilise jõuga, mis verevalumites verd nii palju tähistab - naise igapäevaelu kimbutab lahtine mustvalge meri, mis pöördub nii palju salapära kui aastal Tetsuo: Raudmees . Selle õudselt ettenägelik avapilt, kuigi lihtne, õmbleb Kafkani puuri seemned. Tome (mida mängib kaunilt teenitud vääriliselt austatud Sachiko Hidari) on asetatud ja vihjatud Imamura õelate pealkirjade koledatele tagajärgedele. Seda on raske vaadata, seda ei aita vähimalgi määral ka Imamura teemad tempo tempos, kuid see on kogu aeg tõeliselt eluline kino.

49. Pulss (2001)

Kiyoshi Kurosawa on oma tuttava nimekaaslase raskuse all oma klassi järjepidevalt löönud fantastilise kurjakuulutavate pingutustega - kuid ükski neist pole 2001. aasta valdavat vakantsust päris varjutanud Vajutage . Tilgutades hirmu ja kasutades õigeaegselt tehnoloogilisi viiteid, tuginedes neile mitte niivõrd, et see vanandaks pilti, Vajutage on ülimalt hirmutav moodsa kummituse võtmine, mis kasutab selle Yūrei vaimude tuttavat palet palju tõhusamalt kui paljud kuulsamad kahvatu näoga jälitajate kujutised.

48. Lahingud ilma au ja inimkonnata (1973 & hellip; 1975)

Kinji Fukasaku mitmeosaline kriminaantoloogia on Ristiisa tõstis päikese käes iga ravimit. Vaba Coppola perfektsionistliku teose ülekaalukast struktuurilisusest, filmib Fukasaku vägivalda džässina, kui ta jälgib valitsevat kriminaalset perekonda läbi aastate - sukeldudes sageli hüperstiliseeritud nurkadesse ja monteerides, et tagada tema kineetilise montaaži mööduv mõju. Kuigi sellel puudub keeruline tegelaskujude väljatöötamine, temaatiline eraldusvõime või isegi põhimaitse, on selles midagi nii villiliselt elus Lahingud ilma au või inimlikkuseta et ma ei saa seda mitte armastada. Iga film lisab viimasele ja esindab ühiselt 70ndate Jaapani populistliku krimikino zenitit. Vähe võiks kunagi lähedale tulla.

47. Kwaidan (1964)

Masakai Kobayashi iseloomulikult hästi välja töötatud Horrori antoloogia Kwaidan on neetiv sukeldumine Jaapani vananenud muinasjutte saladusesse ja pahatahtlikkusse, J-Horrori sorteeritud kummitavate ilmumiste ja vältimatute needuste keskaegsetesse juurtesse. Jaapani õitsvas õudustseenis leiduvat halastamatut halastuse või hingetõmbepuudust puudutab siin meistri käsi, mille tulemuseks on visuaalselt uhke pärl, mis suudab muidu dateeritud lugudele murettekitavalt uue elu sisse puhuda. Kahtlemata on kõige parem õudusantoloogia, mis eales tehtud: Peen filmitegija lahjendamata hääl kõlab valjult ja selgelt, et J-õudust on vaja karta. Aastakümneid hiljem oleme endiselt selle õudses haardes lõksus.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

Lõõmav maverick Seujin Suzuki hukutav viil popkunsti geeniusest, Tokyo Drifter kustub nagu ilutulestik ja annab selle stiililisele servale rohkem kasu, kui isegi Quentin Tarantino ja Martin Scorsese täna väidavad. Filmi tuline mõju tähistab eelkõige nende monteerimist ja lähenemist tegevusele - see ei erine Goddardi lõputult ülemäärasest viisist Hingamatu kujundab jätkuvalt seda, kuidas me lõikame. Palju vähemal määral libiseb Suzuki teos tänapäevase krimikino nii paljudesse kaadritesse, kuid see on tugevam näide stiilist, mis vabastab igasuguse sisulise vajaduse: selle relv mängitakse nagu ilutulestik koos lõdva neoonmõjuga, mis lööb karmiinpunase hiilguse iga rahega püssipauk. Valmistas koreograaf kapten oma mängu tipus - Tokyo Drifter on tselluloosi kino oma haaravalt parimal viisil. Elektriline ja ikka suur lõbu tünn.

45. Tulekärbeste haud (1988)

Pealtnäha Hayo Miyazaki universaalse publiku muinasjutte, Ghiblia ikooni Isao Takahata auväärse pöördepöörde Tulekindlate haud seisab kui üks tunnustatumaid animatsioone, mis eales tehtud - meediumimeisterlikust kasutamisest sündinud emotsionaalse kaaluga. Kõnealune juhtum: Tulekindlate haud ei oleks nii universaalselt hinnatud ega isegi tähelepanuväärne, kui see oleks nimetatud lugu tegelenud reaalsuse vallas. Takahata objektiiv on siiski tõmmatud. Tema piltidesse süstitakse lapsepõlve viitav elegants ja süütus - selline, mis komplitseerib tema peategelaste olukorda täiuslikult. Ehkki mõnele on kindel, et see tuleb üle vahva lülitina, on vähesed filmid animatsiooni kunsti nii osavalt ära kasutanud, et oma sõnumi jõudu graatsiliselt rõhutada. Põnevalt sõjavastane Takahata ekspressiivselt eleegiline visuaal hakkab põrkuma loo ülekaalukalt kurva seadistuse vastu: lastes küünilisuse õhul oma õhukindlast esteetilisest hoiakust pääseda, ehkki sellel on vähe tagajärgi. Tulekindlate haud on kummitav ja sageli kaunis sõjaaegne kogemus.

44. Samurai triloogia (1954–55–56)

Režissöör Hiroshi Inagaki ülimaitsev meelelahutuslik meelelahutus on lavastaja Hiroshi Inagaki hõrgutavalt atraktiivne populistlik sari märulimängu-seiklusfilmide tegemisel - ja võib-olla ka parim triloogia alamžanri austamiseks. Toshiro Mifune'i alati ülimalt särava etenduse eestvedamisel ja väikeste küpsusepilgatustega, eriti esimese filmi lõpus, on Inagaki suhteliselt solvavad ja keerulised narratiivid nii terava ja põneva haardega kinematograafias kui 1950ndatel. peavad pakkuma. Tema kaamera liikumine on põnev, suunates näitlejaid raevu ja hoogsusega, mis aitab triloogial üle saada selle loo jutustamise kuumatest loitsudest, lisades haarava mõõgamängu jada. See pole dramaatilisel rindel midagi erilist - kuid uhkeldab piisavalt kirgi käsitöö vastu ja oma õnnestumiste üllatavat hingestatust, et õigustada nii kõrget paigutust. Eluline vaatamine seikluskino fännidele.

43. Birma harf (1956)

Kon Ichikawa läbimurdetükk Jaapani sõdurist, kes libises riiki, mille ta kunagi okupeeris, ja püüdis leida sõjajärgse maailma valus rahu, Birma harf on mõistnud kriitikat oma sõja sageli nüri kujutamise pärast: rohkem aega tantsivad rühmad ja hõlpsad süžee-punkti liigutused kui täielik, kaasahaarav võtab aega. Paradoksaalselt arvan, et mis aitab Birma harf nende probleemide ületamine on nende süda. Hoolimata oma ohtralt jutustatud jutustamisest, kudub Ichikawa kogu filmi vältel ilusaid kujundeid, kaunistades iga stseeni vähemalt ühes raamistatavas tabelis, mis aitab kaasa tema suuna staatilisele sofomorismile tõhusalt meeleolu edastada - eriti järjestuses, kus surmapõhine sõdurid raiutakse mörtide abil ja meie kangelane ärkab verise surnumere keskel: inspireeritud kaadritega, mis sarnanevad Rembrandti hämmastavalt tiheda kompositsiooniga kui ükski tavaline sõjaaegne suhe. See on mõnes mõttes lihtsustatud, kuid selle nõrkus ei varjuta kunagi kollektiivset mõju, mida Ichikawa valgustav fotograafia ja kindel alandlikkus tekitavad.

42. Hulluse leht (1926)

Varasem tükk selles nimekirjas, Hulluse leht on vaikse Jaapani kino põhiosa oma kõlava esteetilise hääle poolest: Tükk, mis on teadvustanud hullumeelsust ja harjavat loomesädet, mis kütab nende tööstuse kõige imelisemaid teoseid ka tänapäeval. Selle varjupaiga portreel puudub millegi sarnane nüanss või põhjalikkus Titucut Follies või isegi inimkonna Lendas üle käopesa fiktiivses vormis - siiski on sellest 1926. aasta verstapostist pärit transtsendentaalne samm Jaapani sõjaeelse kino laiendatud tunnustamine väljaspool dramaatilisi titaane nagu Ozu, Mizoguchi, Yamanaka ja Shimizu. See, mis meil siin on, on nende endiselt jooksva kinematograafiliselt väljakutsuvate, stiililiselt provokatiivsete ja tahtlikult ohtlike teoste jõgi, mis on seda traagiliste kunstnike mõmmist silmas pidades veelgi põnevam.

41. Varjatud kindlus (1959)

George Lucase kurikuulus väike frantsiis Star Wars ehitati varjatud kindluse tagaküljele, kus uus lootus varastas kõike, kuid see on erakordse seiklusjutu järgi lahendatud. Häbi on näha, kuidas see „mitteametlik uusversioon” mõrvaga pääseb, purustades Kurosawa hoobi tema tohutu jälgimise raskuse all - sest Varjatud kindlus on palju väärt klassikakäik, kui Lucase sari seda kunagi väita võiks. Pakitud põnevat tegevust, lustakat iseloomustust ja tugevat visuaalset hõngu, mis on kombeks isegi Akira Kurosawa kõige keskpärasematele pingutustele. Seda kõike silmas pidades, ma ei nõua seda Tähesõdadest - soovin vaid, et Kurosawa hiilgavat teost hoitaks samas hingeõhus.

40. Inimese seisund pt 2: tee igavikku (1960)

Masakai Kobayashi eepilise triloogia lahingus hammustatud tükk Tee igavikku toimib suure Jaapani sõjaaegse eeposena, mis sobib kõigi vastu võitlemiseks Reamees Ryani päästmine , kui mitte just nii ohtlik kui midagi samamoodi nagu Sam Fuller Suur punane või isegi Terasest kiiver . See säilitab räpase eetilise kinnisidee Inimese seisundi 1. osa: puudub suurem armastus kuid suudab sellele tugineda siseelundite lahingukogemuse ja mõõduka, järjepideva lähenemisega selle tegelastele, mida rõhutab nende elu ja surm inimkonna ajaloo surmavas osas. Nagu iga jätkuva segmendi puhul, Inimese seisund jõuab oma nimekaimu saavutamisele üha lähemale ja kuigi 2. osa seda eesmärki ei realiseeri - proovib ta vähemalt. Rohkem kui võime öelda selle aja kõigi filmide kohta.

39. Kangelaslik puhastus (1970)

Kohe arusaamatu, väljendusrikas ja visuaalselt hämmeldav: Kangelaslik puhastus on ideaalne aabits Yoshishige Yoshida erakordsele filmograafiale. Tema suurepäraselt võõras esteetika on sageli orienteerumata - iga kaader painutab meie suhet kosmosega, iga tükeldatud killustunud aeg ei erine Alain Resnaisi meeletust mälust inspireeritud narratiivist - ja ausalt öeldes teeb süžee Kangelaslik puhastus eriti tõeliselt raske nii jälgida kui ka mõista. Tema killustatud jutuvestmise tehnika paneb veelgi rohkem pinget vähem avatud publiku soovile täiesti sidusa narratiivse kogemuse järele - kuid Yoshida kõverdunud maailmas peituvad määratlematud naudingud teevad oma pretsedendiks tihedalt struktureeritud jutuliinide ees. Kirjeldama Kangelaslik puhastus oleks võimatu. Kui seda mitte soovitada pelgalt tema enda võimatuse tõttu, oleks see kuritegu.

38. Mõrva kavatsused (1964)

Shohei Imamura sünge triptühhoon Sead ja lahingulaevad, mõrva kavatsused ja Pornograafid tabas selle vaieldamatut tipppunkti filmiga, mis jälgib ohtlike detailidega naise olukorda, mis flirdib alandava suhte oma mehega ja vaevatud suhet vägistajaga. Viimase esimene kohtumine ja sellele vahetult järgnev vaatepilt on kaunilt kokkuvõtlikud näited selle kohta, kui ülimalt koledad võivad olla Imamura maailmad - ja kuidas inimlik kontakt võib tema tegelasi äärmusesse viia, paljud võivad üritada vastuvõetamatuna diskrediteerida. Tegelikult Mõrvade kavatsused julm, kuid aus rõhumise ja mõne haige vabaduse uurimine lihaliku väljenduse abil suudab kajastada sama täpset portreed meist kõigist, kes on samas olukorras kui tema parimad filmid.

37. Mõrv (1964)

Masahiro Shinoda topeltesitlusaastal 1964 nägi ettearvatavalt kahte kõige paremat filmi, mille riik on siiani loonud, millest viimane oli Mõrv . Suurepärane näide mugavuse mõõtmetest, Mõrv koob temaatiliselt ambitsioonitu draama, mis tõmbab oma lihtsast loost piisavalt välja, et seda nimekirja peent filme pidada: sama uhkelt valgustatud ja pildistatud nagu iga 60ndate keskpaiga film, mille tegevus on nii täpne ja võimas, kui võite oodata Shinoda. See on vaimse seisundi alahinnatud jäljendus, kuna metsikud kuulujutud sihtmärgist kustutatakse ja summutatakse ümberringi, moodustades narratiivi, mis ilmutab ettearvamatu arusaamatuse hetki - vahetub reaalsusest kiiresti minevikku, jättes nii publiku kui ka mitmed kartlikud võimalike rühmad tapjad võiduka võidu ja kindlasti surmava kaotuse serval.

36. Alasti saar (1960)

Kaneto Shindo vaikne maaelu stoiline uurimus „Alasti saar“ ei sisalda peaaegu üldse suulist dialoogi - suunates fookuse täielikult oma piltidele, et oma lugu jutustada või täpsemalt oma tunnet tekitada. Shindo ikonoklastiline lähenemine filmitegemisele viib läbi tema filmograafia kaunilt kõlavate piltideni, kuid samal ajal kui Onibaba ja Kuroneko kujutised parandavad nende narratiivi väikestes visuaalse inspiratsiooni taskutes - Alasti saar on hädavajalik fotograafia 96 minutit. See põimib kokku viisil, mis paneks Bergmani punastama, harib meeleolu ja laseb sellel õitseda millekski universaalseks ja mõjutavaks. Kaneto väike saarlaste pere rahu ja viletsus seisab iga päev silmitsi peaaegu nagu kummaliselt optimistlik Béla Tarri „Torino hobune”. Mis selle filmi purustavas jõus puudub, areneb Shindost hoopis rituaalne inimliku vastupidavuse tähistamine ja loomulik ilu, mida selline pingutus võib anda. Meeldiv, valgustav ja võimatult neelav vähene kogemus.

35. Branded to Kill (1967)

Kui eelmainitud Sejiun Suzuki jõuaks oma stiililise tippu 1966. aastaga Tokyo Drifter , film, mille produtsendid nii halvustasid, et nad pidasid tema järelpildid rangemaks eelarveks ja kasutasid kõiki võimalusi, et ta värve kasutaks Kaubamärgiga tappa muutuks tema loominguliseks seniidiks - ja täiuslikuks kunstinäiteks läbi raskuste. Mehe elektriline magnum opus, Kaubamärgiga tappa järgneb palgamõrvarile, kes üritab illusioonida veelgi surmavamat mõrvarit, samal ajal kui ta laseb end läbi goonide leegioni ja pikselint. Selle igavesti terav, kaotamata oma teravust, jõuab esialgu dramaatiliselt ambitsioonikamale territooriumile ja suudab ikkagi pakkida seadeid, mis on täis näotuid pahandusi, et meie kangelasevastane relvade kaupa maha lasta. Kaubamärgiga Kill’s stiil, mis ikkagi suudab tähendust otsida, olenemata tulemusest, tähistab seda ülejäänud paki kohal.

34. Hukatuse mõõk (1966)

Action-maestro Kihachi Okamoto stiilne piloot kurvalt tühistatud triloogia jaoks: „Hukutõkke mõõk“ on ülim kinematograafiline katarsis. See on asjatundlikult koreograafiliselt näidatud saatuslik mõõgamäng, kus juhtlegend Tatsuya Nakadai seisab silmitsi Toshiro Mifune'i ja lõputu hord nimetuid gunne, kes on kuradima meelestatud demonstreerima, kui surmav võib olla nimirelv. Kümned langevad tera ette, eeskätt filmi hiilgavalt hoolimatul lahendamata lõppstseenil, ja kuigi pühendumine jutustamisele ja tegelaskujule on parimal juhul tangentsiaalne - kogu õhkkond ja lavastajabravuur päästab selle muutumast järjekordseks tegevusnäitajate rulliks. Hästi tasub läbi vaadata kibeda ja verise lõpuni.

33. Hausu (1977)

Nii suur kompliment, kui keegi suudab veidrat filmi maksta, on see, et see jääb imelikuks. Paljud meist on nimetanud midagi kummalist, kuna oleme asjatundmatud - leides vaid, et see väidetav veidrus kahvatub hilisemate kinolevastustega võrreldes. Selline on meie tee filmi kaudu - nagu ka väga pikaajaline viis seda väita Hausu on täiesti vaimne. Pidevalt vaevatud mõnikord inspireeritud, sageli riivavast, kuid alati hullumeelsest taustapunktist ja täis stseene koolitüdrukutest, kes võitlevad vallatud arbuusidega, tapjaklaverid söövad teda ja pääsevad kummituslikust fantoomkassist, kes on kummardunud sõimama iga hinge, kes ületab selle läve. Põhimõtteliselt on Ju-On kuid eneseteadvuse ja peadpööritava loovuse korral minna ainult stiili ainuüksi - jättes kõrvale taustajuttude loo, mis nii sageli kummitas majajutte absoluutse pühendumusega peadpööritavale kunstile. Saadud kogemus on lõbus hiilgav kõrgahi.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawa paljuräägitud vanaduse portree, Ikiru jookseb kindla paralleelina Ozu enda talveaastate loominguga - kaotades oma minimalistliku suuna Kurosawa palju otsesema ja intensiivsema töö jaoks. Tulemused pakuvad löögi: mitu stseeni, mis lakkavad kineetilise tagasisidega ainult nende piltide tugevuse ja nendega kaasneva vaikuse või hõngu kaudu. Ma arvan, et Kurosawa hääl annab vananemisega seotud erakordselt tugevale kinokanalile vähe uut ja ei jõua üldiselt Metsmaasikad või Kolon Blimpi elu ja surm vaatamata kinematograafilise vahetu suhtelisuse puudumisele - ei vähenda see siiski AK teose uimastavat resonantsi.

31. Pime metsaline (1969)

Sensuaalsuse ja füüsilise olemuse võrreldamatu uurimine, Pime metsaline jälgib pimeda mehe ja naise suhet, kelle ta vangistuses viibib, jäädes vaevaliselt kujundatud labürindisse, mis on vaibaga kaetud inimkujudega - silmade ja huultega kaetud seintega, samal ajal kui põrand on võrgustatud paratamatu jäsemete puntraga. See on sürreaalsus ja intrigeeriv eeldus, mis pole aknad tõeliselt tihedasse temaatilisse pinnasesse, kuigi lavastaja Yasuzo Masumura suudab ihu ja igatsuse suhte palju paremini välistada kui järjekindel läbikukkumise nuga Nagisa Oshima nii tihti libiseb ja viilutab ennast. Mõtisklevate seksuaalsust käsitlevate teoste jaoks on Yoshishige Yoshida oluline kunstnik - kuid Masumura täiesti ainulaadse visiooni eitamine oleks siin kuritegelik, hoolimata selle puudumisest. Selle asemel täidab ta oma filmi uhkete komplektide ja valutavate tunnetega, mis tegelasi küünistavad. Stiilistel esiküljel Pime metsaline absoluutselt hõljub.

30. Inimese seisund pt 3: sõduri palve (1961)

Masakai Kobayashi hävitavalt jõuline järeldus tema kümnetunnisele triloogiale, Inimese seisundi 3. osa: sõduri palve toimib kulminatsioonina kõigele, mida Kobayashi on kogu aeg välja arendanud, võrdsetes osades mõjus ja ülekoormatud - nagu ka teiste teostega. On kahju, et sari ei ületanud kunagi raamatu lõdva pikkust ega sunnitud humanismi, mis võib aeg-ajalt takistada selle režissööri muidu tugevat vormi: Kuid ilma nende takerdunud hetkedeta poleks meile kunagi kingitud ülekaalukat kollektsiooni kaunilt realiseeritud stseenid, mis oleksid võinud valmistada meistriteose omaette. Sõduri palve pole eelkäijatest delikaatsem - siiski ripub Kobayashi loomingu lõputunne nagu väsinud koidik - soovib võtta uue päeva Jaapani filmitööstuse uuendatud aktsiatega. Nii eepilise kino kõrgendav võidukäik kui - mis veelgi tähtsam - viimane samm läbi kuulsuste värava, mis andis Kobayashile järgnevaks kümnendiks rikkaliku kunstivabaduse. Tulemus on, nagu näeme, rohkem kui paar tundi harjutamist & hellip;

29. Topelt enesetapp (1969)

Loomeprotsessi murettekitavalt õõvastav uurimine, Topelt enesetapp näeb puidust nukunäidendit, mis on lavastatud selle kahe juhtmõtte eesmärgil, mis on ise ellu äratatud - varjuliste kujunditega, kes laval käivad, et oma narratiivi edasi arendada. Palavikuliselt hirmutav lugu, kui fassaad kukub alla ja selle košmaarsed nukunäitlejad täpsustavad oma järgmisi käike - morfiseerides komplekte koos Masahiro Shinoda nihutava kaameraga, et moodustada kohutavalt moonutatud ruumitaju. Väljaspool selle mitmetahulist kunstiseadet on süžee Topelt enesetapp on suhteliselt tavapärane ja ei leia sügavat alust - kuid võib-olla see tagab selle edu: Shinoda hoolikas uurimine omaenda loomingulises blokis, kui uudishimulikud deemonlikud käed tõmbavad oma nägemuse servi selle täpsemaks muutmiseks - ja ka selle rööpast välja. kavatsused täielikult. Olgu need siis tema sisemiste võitluste esindajad või direktor ei suuda koordineerida tööjõudu - Topelt enesetapp ületab oma keskpärase muinasjutu kinokogemuse pärast, mis väärib 50 parimat ja rohkem kui eeskujulik Masahiro Shinoda filmitegija kolossaalsete annete osas.

28. Sõrmus (1998)

Kusjuures mõnevõrra sarnased Ju-On lämbub oma vaba vaktsineerimise tüve all, Ringu ’s tühjus on selle surmavaim relv. Režissöör Hideo Nakata imbuv vaikemeri läbib ja tungib igasse mööduvasse stseeni, tuues iga müra esile adrenaliiniga pulseeriva hirmust tulise inimese kõrgendatud intensiivsusega - ükskõik kui argine stseen ka poleks. Ja nii asjakohased helilauad nagu telefon heliseb läbi vaikuse kompromissitu raevukusega. Ei ole pääsu Sõrmus mis tahes mõttes. Pole tähtis, kuhu sa jooksed - niipea, kui mängu jõuad, pikendad paratamatust lihtsalt. Lõppude lõpuks, mis võib olla hirmutavam kui surm, mida kinnitab meie endi väljapääsmatu uudishimu?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo ’s Kuroneko tunneb end nagu õudusfilmide komposiitide mullivormimine, mis on kokku pandud täiesti deemonlikuks nägemuseks absoluutsest õudusunenäost. Pinna all hauduv keeruline moraalne dilemma on värske ülevaade nendest peatumatutest vaimudest, mida Jaapani õudusmeedia on juba algusest peale teinud - luues sisemise narratiivi, mis ületab Shinoda varasema kareduse Onibaba moodustada midagi erilist. See on võrgutavalt üles võetud, esteetiliselt kaasahaarav teos, mis sillutab lõhe reaalsuse ja kurjakujulise fantaasia vahel selgelt kaastundliku pilguga - vaatamata tema subjektide raevukale raevule. Mitte ainult lõplik J-Horrori film, vaid ka kuuekümnendate lõpupoole maailmadraama klassika.

26. Meeleolukas ära (2001)

Animatsioonis on vähe, millega saaks täielikult konkureerida Meeleolukas ära , vähemalt loomingulises mõttes. Film on ülekoormatud unikaalse kujunduse ja meeldejäävalt kujundatud tegelaskujudega, mis kõik liiguvad ja räägivad sama ilmekalt kui juhid. Hayo Miyazaki meisterlik detailne universum kaalub minu meelest tunduvalt üles tema töö iseloomuliku veider jutustamise ja tempo - see pole erinev Akira selle poolest, et see hüppab juhuslike intervallidega progresseerumisel edasi ja tagasi, et välja tuua teise teo materjali väärtus; kuigi loendamatu oht Meeleolukas ära leiab, et see võimaldab meil vähemalt kauem selle erksas loomingus leotada.

25. Rippuvate surm (1968)

Olen selles nimekirjas lasknud tunnustatud režissöör Nagisa Oshimale väikseid väikseid märkusi ja mõistan sellise hoiaku infantilsust: aga ma teen seda ainult seetõttu, et see tõeliselt andekas filmitegija on nii sageli uppunud obsessiivselt üleeksualiseeritud kinematograafiasse. Imamura võrreldav vastandlik varajane töö on efektiivne inimese emotsioonide kommentaaris - kuid Oshima jaoks on nii vähe kujutlusvõimele jäetud, et ma hakkan uskuma, et taga pole midagi, on pettumust valmistamata töö. See tähendab, välja arvatud 1968. aasta hiilgavalt veider surmaga surm. Lugu hukkunust, kes keeldub surmast, kasutab Oshima oma julma, kuid sellegipoolest tajuvat objektiivi, et tuua välja terve rida sotsiaalseid probleeme, valitsuse ebaõnnestumisi ja inimlikke väljendeid - kõik see on ümbritsetud pidevalt lõbusas farsilises komöödias enesekindla eneseteadvusega, nii et filmitegija nagu Oshima oli varem nii kaugel olnud. Mitte varem ega hiljem pole ta suutnud selle inspireeritud löögiga surmanuhtlust sobitada, mis on häbi - kuid vähemalt saime teda vähemalt korra näha.

24. Põgenik minevikust (1965)

Tomu Uchida ’s Põgenik minevikust on ühesõnaga: erakordne. Piisavalt pädeva režissööri säilinud filmid pole siin võrreldava teosega lihtsalt võrreldavad, rääkides mingisuguse pudelis pikselöögiga, kuna Uchidale kingiti täpselt õige lugu, et täita oma lubadus kunstnikuna. Põgenik minevikust vaatleb vägivalda ja enda põhjustatud leina nii, et vähesed filmid suudavad mõõta nii aja liiva kui see valgub ja rohkem tegelasi jõuavad jumaliku kättemaksu meie peategelasele - ainulaadselt väljakutsuv tegelane nii juurile kui ka vastu ta üritab põgeneda veriste vägivallateede eest, mille ta algusaastatel läbi Jaapani rajas. Ma leian selle Põgenik minevikust on oma resolutsioonis nii üksikult võimas ja võib-olla isegi sügav, et ma ei tohiks öelda muud, kui muidugi selle võimalikult kiire nägemine.

23. Lõks (1962)

Hiroshi Teshigahara vapustav debüüt, Lõks segab žanreid vananenud meistri enesekindluse ja täpsusega - veel vähem - režissöör, kes oli varem dokumentaalfilmidega tegelenud. Ehkki ta üritab oma lugu 97-minutiliselt veenvalt hoida - mis Lõks pakkumine kaalub narratiivse teostusega üles kõik probleemid. Mängides oma reaalsustaju mõrvarite, fantoomide ja sürreaalsete kujutiste segamise kaudu - Lõks on sageli kohutav, sest selle paljud tegelased üritavad meeleheitlikult oma peatamatut ründajat tõrjuda: tavaline valge riietega mees, kes on lülititeraga vehkinud. Teshigahara õudse tapja inimlikkus on esimene paljudest sotsiaalsetest kommentaaridest, mida tema teosed ainuüksi pildina teevad - kunagi ei ohverdata aega ega usaldusväärsust punkti koju surumiseks. Vasakpoolsed kalduvused puuduvad, Lõks säilitab oma võimu piinava kinokogemusena: pakub mitmeid šokeerivaid stseene, mis räägivad Teshigahara meetodi selgusest ja käsitööst, sest ta süstib kõige ainulaadsematesse hetkedesse tohutut hulka emotsioone, mis nii vabalt üksteise ümber tantsivad - ühtlustades huumorist õuduseni südamelöök. Vähesed debüüdid on oma kapteni karjäärist sama täpselt teadlikud olnud.

22. Tokyo hämarik (1957)

Yasujirō Ozu viimane mustvalge film, Tokyo hämarik teemaksud nii mehe ühevärviliste väljasõitude kontekstuaalse eleegiana kui ka võib-olla tema kõige mustemana. Ozu tähelepanuväärne nihkumine omaenda 360-kraadise reegli juurest hoopis tegelaste taha istuma, nende pahurad näod asendatud valdavalt tühja, külma juuksepeaga, on meisterlik lahkumine tema iseloomulikult blokeerimisest ja kompositsioonist kaugelt süngema afääri jaoks - üks tema peegeldajatest võtmemängijate järeleandmatu olukord. Tokyo hämarik võtab vihjeid Hollywood noirist koos oma püsivate varjude ja poriste, ebatäiuslike etappidega, et luua universaalselt andestamatu, lõppude lõpuks sihitu kinomaailm, mis mõjutab selle süngetes emotsionaalsetes paralleelides meie oma ühiskonnaga, mitte ebaproportsionaalne düstoopia, mis aja jooksul kindlasti oma sära kaotaks. Erakordne, tugevalt alamvarjatud pärl.

21. Eureka (2000)

Selle loendi pikim üksikfilm S Eureka venib s-i jaoks ja ma arvan, et oleks andestamatu ükskõik millise selle süžeeliini avaldamine. Isegi viimase aja kinomälu kõige rikkalikumaks aastaks Eureka kuulub endiselt 2000. aasta ja isegi kümnendi kui terviku kõige parimate filmide hulka: pidulik, visuaalselt silmatorkav ja ainulaadne & hellip; Jaapani keel leina portree. Ainult sellises riigis võiks sellise kainuse ja mõjutava melanhoolia ühendada kombatava huumori, leebuse ja tahtmatult teretulnud absurdiga - kõik see on kootud inimlike emotsioonide heegeldavaks seinavaibaks, mida tuleb lihtsalt näha. Ärge lugege lühikokkuvõtteid - ärge uurige seda - lihtsalt näete Eureka .

20. Kättemaks on minu (1979)

Režissöör Shohei Imamura on vääritu kino ülitegelane. Tema tumedad, kahjustatud tegelased ja vastasseisu tekitavad olukorrad väljendavad häbematut vaimustust inimhinge korruptsioonist. Kättemaks on minu oma, kus Ryūzūo Saki tõsielulistest sarimõrvaritest Akira Nishiguchist on üle võetud ahastav rafineeritus: sügavalt vägivaldse, sotsiopaadi ja samas eksimatult tõelise inimese esitamine koos kõigi meie eripäradega, mis on tema amoraalse hävitamise pesa võrk. Imamura tempo on vastuolus vooluga, nagu tavaliselt, kuid leian, et antud juhul on loole vaja pikemat tööaega ja lõpuks saadakse sellisele jõhkrale teosele ainulaadselt metafüüsiline resolutsioon, kutsudes tuult ja maad ennast üles oma viimase otsuse langetama.

19. Yojimbo (1961)

Märulikino vallas klõpsatab väike konts meie kannul Yojimbo . Kurosawa meelepärane juhtmotiivi kasutamine lööb vedru tema tegelaste sammule ja toimib nii pingepinge kui ka kõigi Morricone'i partituuride juures. Teravad tegevusjärjestused on mõnevõrra nüristatud labase helikujunduse ja avaliku tülitsemise hindamisega - midagi sähvib nagu Hukatuse mõõk ja Mõrv pole mingit vaeva - aga see, mida see vahetusena annab, on Red Harvest- Mifune aluse pidevalt koomiline võtmine - Mifune osutab klassikalise etenduse, mis õhkub füüsilise isikupära ja vaimukusega, töötades vaieldamatult kõige parema sirgjoonelise ülesandena. kunagi tehtud märulifilm.

18. Kuulamine (1999)

Kuulamine on film, millel on palavikuliselt täpne kontroll omaenda tooni üle. Muidu tabanud ja vahele jäetud Takashi Miike on teinud oma nime viljakale, aeg-ajalt viljakale karjäärile, mis on andnud elu sellistele põhiklassikutele nagu Külastaja Q ja Silm - kuid vähe räägib tema lavastamisstiil väliselt enesekindlusest ja teravast oskusest, mis on vajalik millegi nii julgelt väänatud tõmbamiseks kui Kuulamine . Palju küpsem kui ükski tema ümbritsev teos, uurib Miike'i oopus tõhusalt jõhkralt lihtsat eeldust: iga õrna hetke määrimine imalalt sünge paleti ja õõvastava tempoga, mis seab iga stseeni pardli servale, kui midagi läheb õudselt valesti. Kuulamine esindab selle lõputult imetlusväärse Jaapani mugavuse hüpnotiseerivat tippu žanrifilmide tegemisega: selle kristallselge mõistatuse lahti harutamine transtsendentselt šokeerivaks efektiks. Näha on uskuda.

17. Ran (1985)

Kurosawa kuulsaim Shakespeare'i mugandus - kui selline, mis minu meelest oma inspiratsioonile liiga palju maad annab. King Lear on laitmatu kirjatükk - kuid ekraanil jääb see aeglasele lihvimisele, mis ei suuda uuesti tabada uimastamist, mis on esimesed 85 minutit. Algusest lõpmatult sügava piiramisjärjestuseni Jooksis on meistriteos: kinokunsti kunstilõik, millele Kurosawa enam kui muljetavaldav looming ei sarnane, ja kahtlemata top 10 top king. Kuid pärast seda meisterlikult käsitletud ülesehitust ja tasuvust jätkab Kurosawa kuningas Leari lugu viisil, mis imbub mööda tüütult - loid ja tasane, hoolimata täiuslikult mängitud kurikaela Lady Kaede püüdlustest. See on tõeline häbi Jooksis raiskab nii palju potentsiaali, minu meelest igatahes, ustavuse osas - kuid vähemalt põleb esimese poole hõõgleek piisavalt eredalt, et kindlustada oma koht 20 parema hulgas.

16. Printsess Mononoke (1997)

Hayo Miyazaki tumeda fantaasia veetlus pole kunagi olnud eriti keeruline. Iga sõnumiga film ei suuda seda tavaliselt keerukalt edastada ja nagu Orson Welles nii tabavalt ütles: 'Selle võiks kirjutada nõela pähe'. Nüri ja räige sõnum Printsess Mononoke , aga heliseb südames veidi tõesem kui mõistus. Miyazaki hoolikalt konstrueeritud lõhe meeste ja koletiste vahel tekitab põnevat võrdlust sellega, kuidas iidsed inimesed meie maailma nägid - ja kuidas nende tsivilisatsioonide paratamatu kokkuvarisemine võib ühel päeval peegeldada meie oma. Selle tegelaste müstika ja müstika on tuum, mis lubab Mononoke ületada traditsiooniliselt hägune sõnumifilmide lõkse - libistada selle kõikehõlmav läbisõnaline sõna vahele, iga tegevus kingib talle gravitasid ja tugevdab sellega ekraanil kuvatava kinematograafilist mõju. Siin kuvatav vastastikune suhe räägib Hayo Miyazaki sügavast filmitegija andest - ja et tema töö on midagi enamat kui pimestav loovus.

15. Sügislõuna (1962)

Ma arvan, et ma kommenteeriksin Sügisene pärastlõuna , oleks raisata hinge, mille ma juba veetsin, uurides Ozu üle kümne aasta varem tehtud filmi, mille ta siin tegelikult oma viimaseks filmiks tegi. Sügisene pärastlõuna on sama eepiline, peen ja melanhoolne - suudab arendada esimeses filmis välja toodud mõisteid ja laiendada neid. See eemaldub originaali mõnest elemendist, et keskenduda muudele ideedele, võimaldades suurepärasel kunstnikul haruldast võimalust ühendada samasse vormi sarnased sügavused. Ozu veedab kogu oma karjääri väga sarnaste filmide loomisel, kuid suudab iga kord kaevandada uusi inimsuhtluse alasid ja produtseerida ühed suurimad filmid, mis kunagi tehtud. Jättes sellise auväärse pärandi enda järel, oleks mees võinud jooksu lõpetada nii, nagu soovib. Sügisene pärastlõuna on tema virvendava loomingu ideaalne lähedus.

14. Vere troon (1957)

Meisterlik mugandus, kui seda kunagi oli , Vere troon võtab Shakespeare’i võrratu Macbethi ja sepistab iseseisva kunstilise teksti. Toshiro Mifune kontrollitud, hävitavalt inimlik laskumine mõrvarlikusse hullumeelsusse jääb mehe üheks parimaks rolliks - ja Kurosawa ise järjendab oma filmi erakordsete piltidega, mis on peaaegu paigas tsentraliseeritud ikonoklastilisest praktikast eraldatud režissööri juurde. Ometi on see pilt Vere troon see muudab selle nii massiivseks. Nii kaasahaarav ja üleloomulik. Klimaatiline rünnak näeb filmi üks parimaid karakterijäreldusi ja tsementeerib selle kui kunstiteost, mis kuidagi vanemängu kehtestavast varjust kõrvale hoiab.

13. Tokyo lugu (1953)

Kui rääkida 1950. aastate vaatamisväärsustest, siis on vähe filme, mis kannavad nii vältimatult teie püüdlusi filmitegijana kui Tokyo lugu . Yasujirō Ozu laitmatu filmograafia virvendav tipp, alati oma parimas vormis, see on film, mis kasutab läbilõikavalt lihtsat filmikeelt läbilõikavate, intiimsete efektide saavutamiseks. Publik istutakse koos tegelastega maha - vaiksed reisijad pere juurde, kes järk-järgult alandava vanema põlvkonna aeglaselt oma elust välja lülitab. Ozu lubab kõigil oma tegelastel hääle, komponeerib elegantseid ja mõjusaid ilmutushetki ning liigutab oma kaamerat 136 minuti jooksul ainult üks kord. Objektiivset 'suurimat' või isegi 'suurepärast' filmi pole olemas, kuid neile, kes valivad vaatamiseks selliste saitide põhjal, pean lisama, et Tokyo lugu on mädanenud tomatite kõrgeima hinnanguga teos, uskumatu keskmisega 9,7. Piisab, kui öelda, et see on kannatlik, refleksiivne pilk elule ja vanusele on puudutanud paljusid mõõtmatult - ja see tagab, et kõik, kes seda loendit loevad, annavad selle endale ise.

12. Tulekahjud tasandikul (1959)

Kon Ichikawalt, sõjajärgse Jaapani kino vaieldamatult kõige veenvamalt humanistlik kuju, Tulekahjud tasandikul räägib loo ühest mehest, kes kaotas II maailmasõja kuumuses kaotatud lahingus. See on oma üksinduses julge film, mis kujutab sõjaolukordi vabal maastikul, kus puudub elu ja mis kubiseb hirmu tühjusest. Iga nurk kannab teist Odüsseia kuju, mis on ette nähtud kas meie murenenud kangelase saatmiseks või hävitamiseks. Ja nagu ka Homerose eepilise luuletuse puhul, loob Ichikawa haaratus laiema pildi üle tiheda emotsionaalse maailma, kus meie kangelane on mõistatustükk, mida liigutavad ja motiveerivad kindralid, kes pole rindejoonest kaugel. See on film, mis rebeneb omaette isolatsioonis, jääb kodust puudu ja ellujäämise terror on ajendatud amoraalseteks tegudeks. Meisterlik töö omapärase, kuid siiski elutähtsa tegelase poolt 1950. aastatel.

11. Samurai mäss (1967)

Masakai Kobayashi draama põhitugevus on see, et ta laseb sellel peaaegu süüni haududa. Tema hoolikad kompositsioonid ja laitmatult ajastatud tegevused tiirlevad keskkonflikti ümber üha tihedamalt - pigistades iga hingamistoa tolli kuivaks, kuni jääb järele vaid vajadus tegutseda - see on tegelaste alatiseks olevaks moraaliideaaliks. Sisse Samurai mäss , tegu on juba käes isegi pealkirja lugedes, kuid mees mängib seda iga sekundi tagant - torkivate publikute jaoks väikeste kiiksudega esimese tõmmatava mõõga suunas, enne kui laheneb lõpuks kibedas, jõhkras ja lõpuks verises afääris, mis jätkub kahetsusväärse rangus Kobayashi täidab nii hästi: võrreldamatu võime nii konstrueerida oma tegelaste olukorra lõplik paratamatus kui ka neile igal sammul kaasa tunda. Samurai mässul jõuab see valikuline humanism kõige meeldejäävamale kõrgusele ja abiellub Jaapani ühe suurima kunstniku karjääriga.

10. Eros + veresaun (1969)

Kõigist psühhoseksuaalsuse sünonüümina tegutsevatest uue laine lavastajatest pole ükski neist kunagi vastanud Yoshishige Yoshida kuradimaise loovuse põnevalt kinnitatud labürindile. Seevastu Oshima ja Imamura lihtsalt põrnitsevad samade subjektide vahel, üks veenvamalt kui teine, kusjuures ainult Kiju suudab läbida oma eksistentsiaalse mõtiskluse tuuma sellise hämmastavalt kinematograafilise bravuuriga. Ei-kus on see psühhoseksuaalse narratiivi ja selle poolt kutsutud esteetika hüpnotiseeriv meisterlikkus Eros + veresaun , Yoshida eepiline 215-minutiline Avant-Garde mõistujutt, arusaamatu nägemis-, heli- ja käegakatsutava puudutuse eufooria ...

9. Minu naaber Totoro (1988)

Lapsepõlve võludest helkides on mu naaber Totoro piiritult rõõmus film. Avastasin selle alles 18-aastaselt, kuid uskumatu ilu ja imetlusvõime kutsusid mind taas nooremasse mõttesse - või võib-olla lihtsalt vähem küünilisse. Inimkogemuste sageli raske koormus jätab meid kas eskapismi nõudma või jätkuvat realismi ihkama, kuid see, mida Totoro teeb, tõstab selle võib-olla üle kõigi teiste kunagi tehtud animeeritud funktsioonide, eirab täielikult publiku soove ja esitab loo, mis selle asemel võimaldab teil tulla see on ahvatlev oma lopsaka visuaalse kujunduse, hüplevate karakterite ja varjatud looduse aardete avastamise kõrval. Selle asemel, et apelleerida lapsele, kes me kunagi olime, lubab Totoro end kasutada laiemal seikluse ja lootuse tundel, mis on investeeritud meie planeedi sügavamasse salapära. Preemia sellise usu eest on Japanimationi sädelev teemant: helendav, universaalselt liikuv ja absoluutselt olemuslik.

8. Teise nägu (1966)

Tumeda fantaasia vaikselt treenitud risti kaudu tänapäevase elu õudselt epohhiline diagnoos uurib teise nägu moondunud mehe kogemust pärast seda, kui tema imeline uus nägu hakkab tema vana isikupära üle jõu käima. Teshigahara looming on alati piisavalt nüansirikas, et ilmuda käeulatuses, luues sõrmedega vaikselt küünistades ja tema 1966. aasta meistriteos kõige lähemal selle tegeliku olemuse paljastamisele: tuua režissööri kurjakuulutavad kompositsioonid ja karmid õuduspildid otse metropoli ja vaadata linnast välja kuristik sama eraldiseisva nägemusega, mis kümnendi hiljem Travis Bickle'i taksojuhis nii elavalt ellu äratas. Tükk tööd, mis konkureerivad samal aastal Persona ja Eclipse Secondsiga, kuna see on väljakutsuv soov, isiksus ja identiteet - teise nägu on elutähtis kino: Teshigahara meetodi ja teose kõrgendav triumf nii tihedalt haavatud omaenda laitmatus ideed ja õhkkond oleks kuritegelik rohkem oma saladusi avalikustada. Vaata ise…

7. Rashomon (1950)

Üks minu isiklikke väravaid maailmakino juurde, Akira Kurosawa Rashomon on muutunud kinokultuuri nii lahutamatuks osaks, et see on algatatud keeles, et kirjeldada selle tegelaste psühholoogilist mõju: igaüks neist annab vastuolulisi tunnistusi räiges vägistamis- / mõrvajuhtumis. Kurosawa elujõud on täisekraanil, eesrindlikud kaameratehnikad, näiteks otse päikese poole pildistamine ja selle lehestiku segaduse varjamine, nii et iga stseen metsas oli sama abstraktne kui tema kolleeg kohtus. Riigi desarmeeriv lihtsus Rashomoni oma vastupandamatu süžeekonks avab ruumi inimtõe, moraali ja rikkaliku kinokogemuse kommenteerimiseks, kus Kurosawa kuulsad raevukad mõõgavõtmised ilmnevad. Rashomoni ümbritsevale dialoogile on vähe muud lisada kui see, et ta tunneb end aastakümneid oma ajast ees. Võib vaid ette kujutada sensatsiooni, et läheme seda teed vaatama juba 1950. aastal.

6. Harakiri (1962)

Harakiri on umbes sama tugev kui filmid saavad. Režissöör Masakai Kobayashi avab umbes sama mõjutava võtte, kui võiks ette kujutada, meisterdades nähtuse, mis on endiselt üks kõigi aegade kõige enam kiidetud filme: Vaatamata sellele, mis mul kõigepealt oli, on see kõige paremini skooritud filmide seas enamikul kasutajate saitidel eeldatavasti kahanev kaebus. See on hoolikalt kannatlik, kavalalt inspireeritud uurimine Jaapani aukoodeksist - see on endiselt sõjajärgne haav 1962. aasta sõjajärgselt, millele Kobayashi läheneb mitte ainult maainimesena, vaid ka inimesena. Iga veretilk voolas sisse Harakiri räägib kunstniku piinavast viha surma ja vägivalla vastu: Peaaegu nagu oleks tal valus sellist jõhkrust ekraanile tuua. Tänapäeva maailmas on selline vankumatult inimlik suund silmale jumalik - ja see töötab filmi lõpetamise nurgakivina. Ilma kõigi asjaosaliste pühendumuseta Harakiri oleks unustatud kui järjekordne trikkdraama, tihedalt meisterdatud, kuid muidu alandlik. Harakiri istub täna siin, sest Masakai Kobayashi hoolib rohkem kui arvata oskaksite ja ma arvan, et see asetab selle oma teravas ja õndsas elegantsis 1960. aastate suurimate filmide keskele.

5. Seitse samurai (1954)

Kõige hinnatuim film, mis Jaapanist läbi aegade on tulnud, põletas Seven Samurai meediumile kustumatu jälje ja hoiab tänapäevaseid märulikino juurtega. Kurosawa vihmamärg, mitme kaameraga kulminatsioon ei varja Rani lossipiirangu prohvetlikku rohkust, kuid see informeerib jätkuvalt viisi, kuidas me tegevusjadasid kokku lõikame, isegi kui kaasaegsed toimetajad ei pruugi selle mõju märgata. Kaugelt üle selle püsiva kultuurilise jõu peitub Seitsme Samurai veenev iseloomustus: terve rikaste tegelaste maailma loomine aitab tohutult kaasa Kurosawa hoolika meetodi laiendamisele ka kõige väiksemale osale, et tema nägemus feodaalsest Jaapanist oleks võimalikult kaasahaarav. Selle meisterliku tegevuse ja heleda jutustuse sisuliselt kujundatud tiigli tulemuseks on oluline kinoteos, mis mõjutab, elektriseerib ja jätab meile lõpuks sama vapra ja võimsa filmilõpu, nagu ma kunagi näinud olen. Teenitud põhitäht rahvusvahelise kino panteonis.

4. kahvatu lill (1964)

Kui Jaapani suurepäraste filmide loendisse ei oleks hajutatud vaid kahte sõna, poleks Masahiro Shinoda nimi sellest loendist kümne jala kaugusel. Arvestades tema panust Jaapani suurde kinosse, mis on häbi häbi, ja arvata, et sellisest meistriteosest on uuringute abil peaaegu võimalik pääseda, on öelda midagi selle kohta, kui palju filme seal palub uuesti avastada. Kiitnud vabastamise eest ja vaikselt välja andnud Criterion Collection, Kahvatu lill on üks kõigi aegade suurimaid krimifilme. Lihtsalt mänguri ja tema uue armastuse vaatamine langeb meeleheidet tekitavasse degradatsiooni ja kaastunde spiraali - see on Jaapani uue laine huulilt pääsemiseks üks julgemalt tumedaid, visiooneid teoseid: raami üks lõpuni ja see annab sama transtsendentaalse kinematograafilise efekti kui mis tahes vähem ekstreemne Ozu või Kurosawa töö. Shinodat ei kavatse vähemalt laiem avalikkus kunagi üleval pidada, aga ma loodan vähemalt, et inimesed on ajendatud avastama tema kino just sellest kuritegeliku täiusega tiiglist: nii toores ja ketideta teos kui liigse kontrakultuuri ülestimuleeritud möll ja samas sügavalt delikaatne ja kontrollitud kui iga film, mida ma kunagi näinud olen. Selle täpne, imepärane ja teadvustamatult alatähtsustatud. Parandage see.

3. Naine luidetes (1964)

Kui Kiju Yoshida ja tema Eros + veresaun on kõrgtehnoloogilise psühhoseksuaalsuse meister - siis Hiroshi Teshigahara oma Naine luidetes on võrdluseks müütiline. Kauaaegse kaastöölise Kōbō Abe tähistatud allikaromaanilt üle võetud Teshigahara peaaegu pahatahtlik meetod on siin kaastundlikum. Allasurutud inimkonna tuhmid tuled paistavad läbi meie kahe hädasoleva peategelase - inimeste, kes on kibestunud ellujäämise nimel sunnitud olema kõige ürgseimasse olekusse - ümbritsevatest liivast. Tõepoolest sisse Naine luidetes , vastupidavus on esitamine. Miski pole püha. Ei ole kusagil on turvaline peaaegu kõikjalt puuduvate külaelanike julmad silmad, kes mõistavad meie kangelased nende põrgulikku auku. See on täiuslik kontseptsioon, mille on suurepäraselt teostanud Hiroshi Teshigahara kinematograafiliselt ning mis on minu arvates legendaarse helilooja Toru Takemitsu kõige tõhusam partituur. Koostades kolm uskumatult enesekindlat kunstnikku samas vaimus nagu De Niro, Scorsese ja Schrader aastal Taksojuht - Naine luidetes on tema enda võrdsetes osades inimene ja vältimatult õõvastav metsaline. Õõvastav, hädavajalik kunstiteos.

2. Hiline kevad (1949)

Hiline kevad on tänapäevase monotoonsuse ilmutus: deemonite eksortsism, mida see koht ja aeg nõuab, ei pea mitte ainult lukus ja võtmes hoidma, vaid peidetakse nagu polekski olemas. Ehkki valus soov neid õudusi väljendada pole kunagi täielikult vabanenud, võime seda tuvastada iga silma nurgas, iga rea ​​sõnade vahel ja sumisevad sageli vaikides iga toa keskel. Ja nii hambulistest naeratustest ja õrnatest meloodiatest nii pealiskaudselt küllastunud maailma jaoks - Ozu Hiline kevad lisaks on täielik meeleheide õhkkond: hirm, et meid ei aktsepteerita - et iga väljend võib viia kaotuseni ja seetõttu kutsume rada kõige paremini pöördumatuks, selle asemel et kasutada võimalust ja seista keset radu. Tema naasev põlvkondade kokkupõrke proovikivi on selle tuum Hiliskevad hoolikalt käsitletud draamat, kuid ma arvan, et siin on rohkem kui ükski teine ​​tema teos (või võib-olla mõni ümbritsevate aastakümnete toodetud film): Ozul õnnestus leida täiuslik lõpp. Oma teemade ja tegelaste tunnete selge kokkuvõtte saavutamine pole lihtne saavutus, veelgi enam, et leida hetk, mis on nii erakordselt purustav kui siin sündinud, ja seega soovitan kõigil dramaatilise kirjutamise, lavastamise, lavastamise või lihtsalt kinefiililised huvid jäävad Hiline kevad otse nende jälgimisnimekirja ülaosas. Uskuge mind: see annab teile põranda.

1. Kõrge ja madal (1963)

High & Low on oma olemuselt võimatu kinofilm. See ulatub tabamatu elemendi järele, millel on nii vastuoluline tuum, et tundub, et pole midagi leida. Pealtnäha puudub sellel seitsme samurai nüansirikas, kuid sellegipoolest ülekaalukas jõud, samuti aeglase põleva põrmuga, mis hilise kevade lõpus möllab hämardavas vaikuses. Tegelikult segab High & Low mõlemat: astuvad nii esialgsete inimeste keskel nii esialgselt kokku, kartes rohkem haigusi, kõlvatust ja sõltuvust - rohkem ahnust, armukadedust ja halastamatut amoraalsust, mis iga tänavanurga taga lõputult nõrgub. See on film, mida kohutab see, mida ta inimolukorras näeb, midagi, mis Kurosawale nii selgelt ekraanile panemist valutab - ja tema auväärse tähtsuse tagab tema kõikuv loominguliste eneserepressioonide vool. Kõrgel ja madalal on julgust astuda üles täiesti lootusetu, banaalse julmuseni, mis varitseb meie südames - kui inetu ja valdav on kogu maailm oma hingetu eneseteeninduse küllastuses. Võib-olla saame selle lõpuks pöördumise ja äratundmise nimel paremad inimesed. Oskab mõista, et karta on tore, kui aktsepteerite seletamatu olemasolu. Tasumata. See on lõpuks andeksandmine ainus lohutus, mida võite kunagi leida. Kui kavatsete oma nimekirja mis tahes filmi vaadata, tehke sellest järgmine.