25 suurimat kunagi tehtud lühifilmi

Millist Filmi Näha?
 

On palju neid, kes ei saa filmi vaatamiseks varuda 90–120 minutit päevas. Nad on hõivatud ja neil on selleks ajaks erinevaid ülesandeid, mida vaevata. Lühifilmid on selliste inimeste jaoks täiuslik resolutsioon. On inimesi, kes kaaluvad alternatiive erinevates kunstiliikides, kuid raskekujulistel filmihuvilistel peab olema visuaalse filmi laadne kogemus ja mina olen selle spektri lõpus, uskuge mind, ma tean, mida nad läbi elavad. Film või liikuv pilt on ekraanil kuvatavate piltide jada, mis loob liikuvate piltide illusiooni ja puudub mingisugune ajapiirang.

Innuka õppijana peate mõistma, et kõik algab lühifilmist, eksperimendist, et mõõta teie enda annet ja samal ajal lõbustada. Mõni hea lühifilm on mõjutanud ja määratlenud kino nii palju, et paljud pole sellest teadlikud ja tavaliselt haaravad nad õitsva režissööri olemust ülivõrdes. Kõrval olevate piirangute ja kinematograafilise tühisuse korral on teil alati võimalus uurida lühifilme ja mõned kõige paremad filmid olid loodud pärast lühikesi filme. Netis on tuhandeid lühifilme, millest kõik pole tingimata kvaliteetsed ja nende ülesandeks on minimaalse särituse tõttu otsida nende kohta esitatud minimaalse teabega.

Nüüd, olles õudusfilmide fänn, kipun alati otsima lühikesi pükse, mis mind rabistavad ja mille eesmärk ei ole ainult mind hirmutada, peate nõustuma, et hüppehirmud tekitavad põnevust ainult nende kestuse ajal, kuid neil pole meeldejäävat mõju. Psühholoogilised või atmosfäärilised õudusfilmid on tavaliselt partii parimad ja vaatamata oma suhteliselt väikesele eelarvele on keerukad, kuna nõuavad tehnika abil peenust, samas kui tehnika võiks olla visuaalse kujundi või loo või etendustega.

Seda öeldes on siin kõigi aegade parimate lühifilmide loend, mis teie meelt lööb. Mõned neist parimatest lühifilmidest saate vaadata veebis Youtube'is, Netflixis, Hulus või Amazon Prime'is.

25. Kood 8

„Koodi 8” produtseerisid 2016. aastal Stephen Amell (Nool) ja Robbie Amell, režissöör Jeff Chan, kes tegi ka „Operation Kingfish”, mis on Call of Duty: Modern Warfare 2 eellugu. Vennad Amellid ja Chan tegid selle lühikeseks film kui kavandatava täispika mängu tiiser, mille eesmärk oli kasutada seda videot oma projekti ühisrahastamiseks. Otsus indie-marsruudile minna oli oma filmi täielik loov kontroll, kuna tootmishoonete sekkumine filmidesse on järsult tõusnud. Põhjus, miks see mulle meeldis, oli see, et see ei lähe oma küberpungielementidega täies mahus edasi, see jääb kuhugi meie maailma ja „Blade Runneri” maailma vahele, sarnaselt Carpenteri teosele „Escape from New York”. Filmis on ka sarnane kontseptsioon kui „X-Menis”, kus vähemus muteerunud inimesi seisab silmitsi eranditult rõhuva valitsuse raskustega.

24. Jiminy

Inimesed, kes tunnevad Pinocchio tegelaskuju, peavad olema teadlikud Jiminy Cricketist ja siit saab filmi pealkiri. Nüüd on Pinocchio lool kaks versiooni, algne on sünge ja häiriv ning Disney oma laiemale publikule. ‘Jiminy’ on futuristlik ümbermõeldis maailmast, kus inimestel on kriketilaadsed juhtimiskiibid, mis pakuvad neile alternatiivi iga ülesande täitmiseks täiuslikkusele. Pinnal olevad kiibid näivad olevat väga kasulikud ja toetavad nagu Disney versioon, kuid jätkates mõistame, kui ulatuslik on inimeste mõtteviisi kontroll, muutes nad selle defitsiidis vaimselt õõnsaks olekuks.

23. Darth Maul: Õpipoiss

Kui ma vaatasin läbi erinevaid lühifilme, oli see nimi, mille valikul ma miljon aastat ei valinud. Fänn tegi '21. sajandi' Tähesõdade filmi, sellest võib oodata ainult kõige vähem. Kuid mind üllatas filmi kvaliteet ja ausalt öeldes on see üks parimaid live-action ’Star Warsi teoseid, mida ma näinud olen. Kuna ma olin Tähesõdade fänn, põlgasin ma seda, et Darth Mauli kohtlemine piirdub Anakin Skywalkeri kohutava arengu hüppelauaga. Siin näeme, kuidas oskuslikust sõdalasest kasvab sithide isand, tappes selle käigus Obi-wani ja tema jüngrite ebamäärase versiooni. Võitlusstseenid on väga hästi koreograafilised ja teostatud agaralt, mida oodatakse inimestelt, kes on oma elu kunstile pühendanud.

22. Kungi raev

Ma ei tea, mis mind pärast ‘Kung Fury’ vaatamist värskendama jättis, austuse, mida see 80-ndate retrohõngulisele meelelahutusele maksab oma sünge sünteesitud atmosfääriga või sellega, et lõpuks leidsin „Häkkermani“ meemide allika. David Sandbergi lühifilm jõuab fantaseeritud tulevikku ja parodeerib ka sarnaseid retroajastu filme. Kung Fury, meie kangelast tabab välk, mis muudab ta võitmatuks võitluskunstide sõdalaseks. Järgmine on see, mida te ainult usute, kui selle üle kontrollite. Filmi saab kõige paremini esitada eraldusvõimega 240p, nii et võite lasta end VHS-i nostalgiast haarata ja kui sellest ei piisa, teeb ka rüütelrattur David Hasselhoff kaamera.

21. Frankenweenie

Kahjuks vaatasin seda 21. sajandile eelnenud Tim Burtoni 30-minutilist klassikat pärast seda, kui olin 90 minutit istunud läbi korpuse pruudi rippitud versiooni. See oli aeg, kui Burton ei toppinud ekspressionistliku ajastu inspireeritud paletti igat võimalikku ekraanitolli. See lühifilm pani režissööri vallandama, kuna Disney leidis, et see pole sihtrühmale suunatud noorte jaoks kohane. See toimib Frankensteini tänapäevase esitusena koos koeraga, kelle tema südantlõhestav noor sõber üles äratas. Koer on olnud inimese kõige ustavam sõber ja täiskasvanutelt võib küsida, kui palju nende lapsepõlve lemmikloomad neile tähendasid ja kas nad teeksid midagi selle päästmiseks. Ehkki täiskasvanud võivad surmaga leppida, kuid lapsed ei suuda ja see annab filmi eesmärgil väga kindla aluse.

20. Nostalgist

‘Nostalgist’ võib Steven Spielbergi filmi ‘A.I. Tehisintellekt ”. Film toimub düstoopilises maailmas, kus inimesed saavad kasutada modifitseeritud visiire, mis esitavad virtuaalset reaalsust. Film tutvustab isa ja poja suhet ning pani mind mõtlema, kuidas mõiste „isa-poeg” on väga subjektiivne. Tegelikult saab üks teist isana armastada ja tema eest hoolitseda ning teine ​​saab vastastikku austust, mis on seotud poegadega. Ehkki see on 17 minutit pikk, jätab see koos hiljutiste ulmefilmidega tähelepanuta suhted, mida peetakse „eelduseks”.

19. Ma olen siin

Lugesin lapsepõlves Shel Silversteini raamatut “The Giving Tree” ja kuigi ma leidsin selle erinevaid versioone, pole ükski nii pikk kui Spike Jonze lühifilm. ‘Olen siin’ mängib Andrew Garfieldi kui robotit maailmas, kus neid koheldakse alamate inimestena, neid ei 'väärkasutata', vaid vaadatakse kui veidraid. Garfieldi Sheldon on introvert, kes elab monotoonset elu, meenutades selle eeskujul Theodore'it 'Her'ist'. Sheldon armub hoolimatusse robotisse Francescasse, kes on tema polaarne vastand, ja film uurib tema tingimusteta armastust tema vastu. Erinevalt loost pole Francesca isekas, lõpuks teeb ta süütuid vigu, mis maksavad paarile palju.

18. Elektrooniline labürint: THX 1138 4EB

Kuigi George Lucas on tuntud Tähesõdade frantsiisi alustamise poolest, jääb tema debüütfilm THX 1138 tema parimaks teoseks ja kõigi aegade üheks parimaks ulmefilmiks. Lisaks sellele, et film oli Orwelli maailma jahutav kujutamine, aitas film käivitada kategooria filme, mis segasid ulmet ja sotsiaalset satiiri. „Elektrooniline labürint” on mängu aluseks ja Lucas tegi selle oma filmiülikooli projekti jaoks. Kuigi kingade vähendamise eelarve tõttu võib sellel puududa kvaliteet, pääses Lucas juurdepääsu piiratud mereväe kvartalitele ja seetõttu tundub see kui kauge maailma projektsioon.

17. Reis Kuule

Reis Kuule on möödunud 115 aastat, võtke hetk ja laske sellel vajuda. George Melies kujutas kosmosereise 1902. aastal, aastakümneid enne seda, kui esimene pikamaa läbimiseks suuteline rakett isegi ehitati, ja üle poole sajand enne seda, kui keegi isegi mõtles välja disaini, mis võiks inimese kosmosesse saata. Kui sellest ei piisanud, kujutas ta ekraanil isegi tulnukaid meenutavat marslast. Melies oli tõeline visionäär ja tema töö viitab varajase sürrealismi ja maagilisele realismile ning tema vaimustus geomeetriast on peaaegu hüpnotiseeriv. See on YouTube'is saadaval nii mustvalgete kui ka värviliste versioonidena ja ma soovitaksin esimest, kuna teisel on igavese taastamisprotsessi tõttu autentsus röövitud.

16. Jetee

Hüpoteesisin olukorra, oletame, et Chris Marker nägi La Jeteet ühel päeval kohalikus teatris lapsena ja aastaid hiljem, kui ta ajas tagasi saadeti ja oleksin aru saanud, et ta on looja, kas ta muudaks filmi viisi tehtud? Kuulsin, et tal ei olnud videokaamerat endale lubada, ja otsustasin seetõttu kokku panna fotod, mis minu arvates sünkroonib peategelase vaatevinklist väga hästi ajavoolu järsku. Huvitaval kombel ei saanud ta omaenda loomingu kohaselt seda teha, sest ükskõik kui ebamäärane ja metafüüsiline ajarännak filmis ka poleks, pole praegusest lihtsalt põgenemist. Teie eksistentsi tasand piirdub olevikuga, mis on ilmselt ainus oluline, sest see on ainus, mis on võimeline teid mõjutama. La Jetee on eksperimentaalne, filmis on vaevalt midagi realistlikku; eeldus, protsess, armastus, kõik on vaid pettuse harjutus.

15. Alexia

Alustades ‘Alexiast’, Argentina lühikesest lühikokkuvõttest, millel on domineeriv sotsiaalmeedia-küberõuduse süžee. Selles on üleloomulik ülevaade sündmustest, millel puudub tõepärasus, kuid mis korvab puudused, pöörates suurt tähelepanu detailidele. Alexia oli tüdruk, kes sooritas enesetapu pärast seda, kui tema poiss-sõber (juht) temast lahku läks ja me näeme teda oma profiili läbi elamas - see on süü ja kiindumuse märk, mis tõenäoliselt elab sealsamas. Pärast vestlust oma praeguse tüdruksõbraga Internetis otsustab ta Alexiaga sõbruneda, mille tulemuseks on tema arvuti häkkimine ja surnud Alexia sõnumid, sealhulgas pilt, mille Ringu küljest lahti rebitakse.

Kaameratöö ja montaaž on fenomenaalsed, kuna lähivõtted haaravad pliisilmi täieliku segaduse ja tema suureneva ärevuse sõrmede kaudu ning kursori hilinenud liikumine. Kaamera nurgad ja ümberlülitamine on veidi üle pingutatud, kuid nad nõuavad õiget tähelepanu ja õnnestuvad tekitada segadust tekitavat meeleolu. Tehniliselt on film väga hea, kusjuures VFX oma eelarvest hoolimata ei peta publiku intellekti, kummitus ja iirisepilt on toredad saavutused. Alexia osutub enamaks kui lihtsalt viiruseks, mis ajab arvuti sassi ja väljavaade lõpus on kohutav ning paneb plii saatuse üle mõtisklema. Stsenaarium pole midagi suurepärast ja see tugineb hüppehirmudele, kuid filmi tõeline mõju leiab aset ainult siis, kui seostate seda tavalisemal tasandil, mõeldes sellele ilma üleloomuliku aspekti poole kaldumata.

14. Naeratav mees

‘Naeratav mees’ paneb lapse kuradile vastu ja lapsel pole Hollywoodi filmile omaseid supervõimeid ega võimeid. Ei. Laps on pandud silmitsi puhta kurjuse ja terrori sünniga, sest sõna “hirm” piirdub lapsepõlves vaimude ja nõidadega ning see kõik toimub keset surma. Mul ei ole kavatsust süžeed arutada, sest selle 7-minutilise tööaja jooksul ei ole võimalik keskenduda olulistele süžee punktidele, kuna see rikuks kogemusi täielikult.

Sissetung on õudusfilmide jaoks tavapärane teema ja mõni neist paistab silma just nende võtteviisiga. Kohe algusest peale jääb teile mulje üleloomuliku jõu olemasolust, kuid see, mida avastate, on selle füüsiline kehastus ja mitte gaasiline olend või nähtamatu kohalolek. See kasutab kõiki klounide raamatu nippe, et meelitada last kõige kahetsusväärsema sündmuse poole ja see kohtlemine ei pruugi küll hirmu tekitada, kuid häirib teid ja õudusfilm töötab ainult siis, kui see teie mõtetesse jääb pärast seda, kui olete sellega hakkama saanud. seda. Seda filmi ei kirjutata ühegi inimese jaoks, kes kipub klounide seltsis rahutuks muutuma.

13. Ta võttis naha minu eest maha

Häbi oleks panna see ainult õuduse alla. See on loendi osa, kus jätame kulunud tavapärase õuduse kõrvale ja keskendume mateeria ja selle realistlike omaduste põhjustatud õudusele. 12-minutiline lühifilm järgib pealkirja ja keskendub mehele, kes võtab naha maha, et tõestada oma armastust oma tüdruksõbra vastu. Mõne fantastilise jumestuse ja CGI nullkasutamise toel on nahata peategelane vaatamisväärsus (nii publiku kui ka emotsionaalselt tüdruksõbra jaoks, kes ei suuda väljendada oma reaktsiooni oma valdavale ilule). Nahata kutt satub küll su naha alla (sõnamäng mõeldud), kuid see tühjeneb aeglaselt, kui paar nõustub olukorraga, mis tõeliselt hästi toimib tumeda komöödiana. Filmi süvenedes kasvab pinge ja moehullus hakkab kuluma, jättes selle jälgi kõikjale, jälgi, mida nad ei taha tunda, kuna nad ei tunne seda enam mugavalt.

Film on veatu kirjutamise, näitlemise ja kaameratööga armas (praetud liha lähivaade ja kogu maja pikk pildijälg on väga nutikad) ja seda saab tõlgendada kui läbipaistvuse metafoori. Naha maha võttes paljastab juht pliidi kõik ja jääb avatuks nende suhete suhtes ausaks, kuigi tema partner seda ei tee. Alguses lähevad nad oma sideme tõstmise tõega lähedasemaks, kuid aja edenedes märkame temas rahulolu, kuna tema partner aitab ainult tema asju lahendada, kuid ei jälgi teda kunagi, kuni nende vahel on ilmne pinge, mille tulemuseks on šokeeriv viimane vaatus.

12. Kanis

Canis on stopp-õuduse lühifilm, mis keerleb koertega ümbritsetud majas lõksu jäänud poisi ümber, kes oleks olnud ‘Elavate surnute ööl’ ghoulidele ideaalsed lemmikloomad. See on kõle, südantlõhestav ja on suur EI inimestele, kes ei talu vägivalda, kuna see on mõeldamatu uurimine, kuid see ei tohiks lasta teil tähelepanu juhtivalt teoselt kõrvale juhtida. See seade tundub postapokalüptiline, kuna ellujäämisjärgsed sündmused hõlmavad toidu säilitamist, tsivilisatsiooni varemeid, inimese sündi, märatsevaid loomi ja tuhmunud ühevärvilist.

Tegelased olid valmistatud traadist, kangast ja puidust ning elustati (väga karm avaldus) stop motion-tehnikate kaudu Anna Solanase ja Marc Riba poolt. Vaatamata nihilistlikule toonile on sellel lõpp, mis liigitab selle õigustatult muinasjutuks, kusjuures haldjasosa on domineeriv kui näputäis verd ookeanis. Täisealiseks saamise lugu, mis saaks tähe “R!” hinnang vägistamise, liigidüsfooria, lähedase mõrva, inimsööjate ja katkiste kehaosade kohta, see on kõike muud kui film lastele. Tehniliselt saab seda paremaks muuta ainult selles nimekirjas olev valik nr 1 koos laitmatu detailiga tootmise ja helikujunduse kohta, iga arm on pilgatud täiusliku hulludega ja ühe pilguga saab selle taga oleva loo edasi anda.

Süžee juurde liikudes jääb Teo koos koera ja vanainimesega (kes võib olla olla tema vanaisa) ellu jäänud ning tal on raske leppida olukorra gravitatsiooniga, millesse nad on kinni jäänud. Kõik see muutub, kui viga viib tema juurde eestkostja surm metsikute koerte lõualuudel ning sissetungijate tapmisega peab ta ennast ja oma koera kaitsma. Ta vägistatakse naise poolt, kes on ellujäämiseks riietunud koeraks ja peab kasutama koera liha sööma, samal ajal kui näeme, et tema koer muutub raskuste tõttu üha rahutumaks ja metsikumaks ning ainus asi, mis teda ja teisi sööjaid lahutab, on pelk välimus. Lugu areneb ühtlaseks groteskseks ja ängistavaks etapiks, mis viitab lõpuks Teo ümberkujundamise lõpuleviimisele inimeseks, kes on valmis maailma omaks võtma.

11. FUCKKKYOUU

‘FUCKKKYOUU’ on häiriv sürrealistlik film ja tunnistus lünhia õuduse mõjust. Teravvalguses ühevärviline, uduste nägemustega ja „Eraserheadi” sümfooniaid mängiva Flying Lotuse skoor on film, mille üle Lynch uhke oleks. Film algab orientatsiooniga, mis meenutab 30–40ndate õudusekeeriseid ja moondunud olendit, mis meenutab ‘Elevandimeest’. Mul oli keeruline sündmusi selgitavat teooriat üles ehitada ja mu ajurakud köitsid üllatuse element täielikult ning pidin viitama virtuaalsetele allikatele. Film pöörleb põhimõtteliselt humanoidolendi ümber, kes võitleb oma identiteedi ja sooga, olles silmitsi tagasilükkamisega, mis toimub ajavahemike vaheldumise kaudu, minevik on reaalsuse kadumine pärast seda, kui seda oli pööratud süstiga, mida meile alguses näidati.

Filmi täidab karjuv valu ja ulguv meeleheide, hingetu muusika suudab tõepoolest häirida iga mõistusega inimese häda. Filmi pealkiri on sisemine nali ja see tuli välja seansi ajal, kus Flying Lotus segas lugusid juhuslikult ja üks neist kõlas nagu “F * ck you”. Seda saab tõlgendada ka kui muteerunud olendi viimast hüüet, sobivat vastust neile taimedele, kes teda läbi rebivad. Kuna olen sõnade jaoks kahjumis, võin paluda teil ainult seda ise kontrollida, sest see kogemus on neetiv ja kuigi te ei pruugi lõpuks sellest midagi teha, lööb see teie aju välja. Võtke minu sõna!

10. Lõikehetked

Oleksin pannud „Lõikehetked” nimekirja natuke kõrgemale, kuna see on väga häiriv visuaal ja teema, kuid selle suureks inspiratsiooniks olnud „Suur raseerimine” avaldas suuremat mõju ajal, mil ainult Peckinpah julges kasutada punane värv rohkem kui see, mida peeti normaalseks. Lõikehetked keerlevad Ameerika perekonna ümber, mis näeb väljastpoolt välja normaalne; mees, tema naine ja nende poeg, kuid kannatavad probleemide tõttu, mis kimbutavad Lääne ühiskonnas märkimisväärset hulka peresid, mille tulemuseks on pealkirjad, mis panevad teid värisema.

Sarah ja Patrick elavad allasurutud emotsioonidega ja on eelistanud isolatsiooni, kusjuures Patrick eitab Sarah olemasolu täielikult. Nende omavaheline külmus on nii füüsilisel kui ka emotsionaalsel tasandil, kus Patrick hälbib ebamääraselt esitletud sündmuse ajal oma seksuaalseid vajadusi poja poole. Sarah üritab Patrickule meeldimiseks riietuda erootiliselt, kuid kui see katse ebaõnnestub, teeb seda ka tema vaimne stabiilsus. Täiesti lagunenud seisundis lubab ta viimase abinõuna tõsist enesevigastamist, millele järgnevad lihtsalt mõeldamatud sündmused, mis oleksid Lars von Trieri ‘Antrichisti’ teatud määral mõjutanud.

9. Suur habemeajamine

Martin Scorsese esimene lühifilm on tema karjääri ideaalne eessõna. Koos oma kaubamärgiga katoliku äärmusliku alltekstiga, patu, füüsilise moondumisega ning usu ja reaalsuse sisemise võitlusega, mis kattuvad vägivalla, mõistlikkuse ja pingete teemadega. Kogu film on seatud vannituppa ja selle 5-minutilise tööajaga hõlmab film 'Suur habemeajamine' meest, kes vahutab nägu kaks korda, üks kord kavatseb näokarvadest lahti saada ja järgmine kord kavatseb neist vabaneda. ise. See on eksperimentaalne ja lähikaadreid on liiga palju, kui Scorsese tavaliselt kasutaks, kuid ta saab selle õigeks, tasakaalustades teo otsese (peegel) ja kaudse (habemeajamistera) kujutamise, andes sellele identiteedi, mis erineb toretsevast hipifilmist .

Nüüd arutlen süžeed, sest see toimib metafoorina, mis on peidetud alternatiivses pealkirjas „Viet 67”, mida näidatakse lõputiitrite ajal. Viet 67 on viide Vietnami sõjale, mida kritiseeriti kõrgelt kritiseeritud teema ajal, mil see tulistati, selge pildiga sõjast ja president Johnsoni riigile avalikustamisest. Enesevigastamine peegeldab USA ennasthävitavat osalemist sõjas, mille tagajärjel kaotas miljon USA inimest, mehed, kes olid normaalsed inimesed, nagu publik ja kellel olid minimaalsed teadmised sündmustest, millega nad pidid kokku puutuma.

8. Sakramentaalne melodraama

Täiesti vastik ja alatu kinotükk. Melodraama Sacramental on 17-minutiline salvestus Alejandro Jodorowsky samanimelisest näidendist koos oma teatrigrupiga The Panic Movement. Rühma võib pidada kultuseks ja nende ajendiks oli saavutada see, mida Bunuel ja Dali 20ndatel tegid, šokeerides publikut ja taaselustades väikeseks kodanluseks muutunud sürrealismi. Peamiselt mängis selles peaosa mootorratturiks riietatud Jodorowsky, kes näitas, et ta lõi kahe hanega kõri läbi, teipis kaks madu rinnale ning lasi end koorida ja piitsutada. Muud stseenid hõlmasid meega kaetud alasti naisi, risti löödud kana, lavastatud mõrvamõrva, hiiglaslikku tuppe, elusate kilpkonnade viskamist publiku ette ja aprikoosikonserve.

Originaalsuse varjus hõlmab see lühike loomade julmust ja seksuaalset abstraktsiooni, kuid erinevalt Bunueli teostest on see lõpuks nii toores, see ei šokeeri ega paku kunstivormile oma sürrealistlikku paatoset. See töötab nagu 'Inimese sajajalgne' või 'Serbia film', et kasutada mõttetut füüsilist õudust millegi saavutamiseks ja see on väga jõuline tõend Jodorowsky ebatavaliselt suurepärasest visioonist, mis edastati 'El Topo' ja 'Püha mägi' kaudu. Mulle see ei meeldi, tsiteerin Rick Blaine'i: 'Kui ma mõtleksin sellele, siis ilmselt teeksin'.

7. Kuus meest haigestub, kuus korda

David Lynch Esimene film, mille eelarve oli 200 dollarit, oli peatuspaigutusega animafilm, mis pälvis talle filmikooli eksperimentaalsete maalide ja skulptuuride konkursil mälestusauhinna. Film koosneb animeeritud maalist, kus on kujutatud kuut düsmorfset kuju, kes regenereerivad järjestikku, taustal sireenilingi heliga. Kriitikud on seda kirjeldanud kui Lynchi narratiivse mõtte kasulikku paradigmat, viidates paljudele sarnasustele, mida see jagab ‘Eraserheadiga’.

Tegelik süžee (mugavuse huvides) kulgeb minuti jooksul muutuvate figuuride olekuga, nende siseorganid muutuvad nähtavaks ja kõht saab täis erksavärvilist ainet, mis liigub nende peani, põhjustades oksendamist , ja seda mängitakse 4 korda, et arvestada selle 4-minutilise tööajaga. Pange tähele ebanormaalseid väljanägemisi, vastikuse (oksendamise) kavatsust, füüsilise õuduse kasutamist (siseorganite kujutamine), õitsvat helikujundust, mis oli tema varasemates filmides, ja naljakas osa on see, et mõned vaatajad võivad pärast vaatamist tunda end haigena või orienteerituna see ja inimesed, kellel on sellega kõik korras, mõlemal juhul on see nali teie peal ja teie esindate kuut haiget inimest.

6. Armastus on olemas

Ehkki Maurice Pialat on omaette filmikunstnik, on ta kuulsusest kõrvale hoidnud sama palju kui olemasolevaid kinoreegleid. Kuid tema loomingut tundvad inimesed hindavad, kui kindel on tema mõju arvukatele tänapäeva filmidele. Pialat on raske klubi konkreetsesse kategooriasse koondada, kuna tema filmid olid juurdunud nii sentimentaalseks ja emotsionaalselt tihedaks realismiks, et see tundus formalistlik. Üks tema varasemaid teoseid on 20-minutiline dokumentaalfilm L’Amour Existe, mis on tema kommentaar sõjajärgses Prantsusmaal levinud linnade levikule ja selle aluseks olnud klassikonfliktile. See konstrueerib võtte haaval narratiivi Pariisi arengu hullust reaalsusest, kusjuures äärelinnad lagunevad unarusse, Jean-Loup Reynoldi häälega. Pialat toob keeruka kannatlikkusega esile, kui sünge elu oli äärelinnas sõjajärgsel ajastul, kui reklaam võttis reaalsuse üle ning inimesed võtsid omaks materialistliku ja igava elu.

L’amour Existe toob välja ka selle, kuidas Pariisi kesk- ja kõrgklassil on parem haridus mitte ainult akadeemiliselt, vaid ka kultuuriliselt, samas kui äärelinna lastel puudub juurdepääs teatritele või kontserdisaalidele. Pialat kirjeldab kiiresti kerkinud uusi elamuid kui pisikeste horisontaalsete akendega „koonduslaagreid“, kust pole midagi vaadata. See lühifilm võitis auhindu Veneetsia filmifestivalil ja Prix Lumieres. Maurice Pialat jätkas paljude hiilgavate filmide loomist nagu A Nos Amours ja Sous le Soleil de Satan, mis võitsid Cannes'is Palme d'Ori.

5. Sigaretid ja kohv

Kuigi sigaretid ja kohv olid ainult P.T. Anderson Teine kord kaamera taga ei tunne see kuidagi amatööri tööd. Film toimub peaaegu täielikult söögikohas ning meid tutvustatakse protseduuriliselt viie tegelase, nende lugude ja neid ühendava 20-dollarise sedeliga. On üks pingeline ja närvitsev mees, kes jutustab oma loo ja otsib abi keerukamalt vanalt sõbralt, kes on eriti ootav, kuni kohv valatakse ja sigaretid põlevad, vastasel juhul pole vestlusel tegelikku tähendust. Teises putkas on mesinädalatel paar, kes on kogu oma raha kaotanud pärast seda, kui naine selle kõik hasartmängudele puhub. Mõni aeg hiljem astub söögikohta varjuline mees, kes näib olevat teistega mitteseotud. Kuna aga 20-dollarine arve jõuab ühe tähemärgi juurest teise juurde, saame teada, et nad võivad olla omavahel seotud.

Selles 23-minutises lühikeses loos on piisavalt filmi enne seda ja veel pärast seda. Filmi dialoog, kadreerimine ja kaameratöö näitavad, et selle on teinud keegi, kes teab täpselt, mida ta tahab. Selle filmi kõige eripärasem omadus on jälgimisvõtte kasutamine stseenipausideks. Ka selle filmi näitlemine on eriti hea. Hiljem kohandas Anderson seda lühikest filmi täispikaks mängufilmiks „Kõva kaheksa“ - see oli tema järgmine ettevõtmine.

4. Kuus laskurit

In Bruges ja seitse psühhopaati lavastanud Martin McDonagh alustas kõigepealt Iirimaal aset leidnud 27-minutilise musta komöödiafilmi nimega Six Shooter, mis võitis ka Oscari ja on üks tuntumaid lühifilme kõigist aeg. On peaaegu üllatav, kuidas nii surma ja isikliku kaotusega koormatud film suudab olla korraga nii naljakas ja väljendusrikas. Lühike on äärmiselt hästi tehtud ja intelligentne, nii et huumor tundub erinev nii Ameerika kui ka Suurbritannia must-komöödia kaubamärkidest. See järgneb vananevale mehele Donnellyle, kes on äsja kaotanud oma naise ja haiglast tagasi rongisõidul satub ta istuma räme teismelise poisiga, kelle ema on just surnud. Nende kõrval istub sünge paar, kes on vastsündinud lapse just kaotanud.

Kuid see näiliselt sünge seade võtab peagi tumedama pöörde ja asjad muutuvad samal ajal kohmetumaks ja naljakamaks, paljastades mõrvu, enesetappe, relvade lahinguid politseiga, plahvatavaid lehmi ja lemmikloomade surma. Kõigil, kes on tuttavad teiste McDonaghi filmidega, pole selle meistriteose vaatamiseks rohkem põhjust vaja. Kuid see film on oluline vaatamine ka kõigile, kes naudivad intelligentset musta komöödiat, mis tähendab lihtsalt kõiki.

3. Coquette naine

Uue laine režissööridest ilmselt kõige viljakam Jean-Luc Godard on filme teinud alates 1950. aastatest sama leidlikkusega kui kunagi varem. Siiani on ta lavastanud üle saja filmi, sealhulgas Contempt, Breathless ja Band of Outsiders. Kuid režissöörideed alustas Godard vähem tuntud lühifilmiga Une Femme Coquette 1955. aastal. Maupassanti jutu põhjal järgib 9-minutiline must-valge lühike abielunaist, kui tal on äkki kiusatus flirtida võõras inimene pärast prostituudi nägemist meelitab tänava kohal olevast aknast graatsiliselt mehi kõrvaltvaatajatele. Talle avaldab erakordset muljet graatsiline viis, kuidas naine võõraid inimesi meelitab - juhusliku, kuid kutsuva naeratusega, mis oleks sama hõlpsasti tähendanud ka “Milline ilus päev!”.

Selle tunnistajaks olles otsustab ta impulsiivselt naeratada flirtivalt juba järgmisele mehele, keda näeb. Une Femme Coquette meenutab teisi Godardi varajasi teoseid - meeleoluka heliribaga, mille ajendiks on artikuleeritud dialoog, lainurkvõtted ja mõnevõrra tempokas montaaž. Filmi arvati kadunud pikka aega, kuni hiljuti, kui see YouTube'i ilmus. Lühikeses on ka 24-aastase Godardi kamee, mis peaks olema piisav põhjus, et sinefiilid seda kontrolliksid. (Vaata ette siin )

2. Tramm

Krzysztof Kieslowski tegi Tramwajist ühe parima lühifilmi, kui ta oli veel filmikooli õpilane. Selles 5-minutises filmis jälgime noormeest talveööl, kui ta istub trammi, kus ta märkab ilusat noort tüdrukut, kes istub üksi. Nende pilgud kohtuvad, neiu tundub esialgu rahutu, kuid soojeneb aeglaselt tema kohalolekule, kui ta sulgeb trammiukse, nähes, kuidas õhk teda külmaks tegi, ja hakkab siis lapsikult suhkrukuubi närima. Kuid enne, kui midagi juhtuda saab, jõuab tramm mehe peatusesse ja ta eemaldab selle. Ta kahetseb kohe sellise sobiva hetke puudumist ja teda valdab soov tüdrukule läheneda, nii et ta jookseb trammi taha lootes teda tabada. Kohe alguses nägime meest seismas üksi klubis, kus kõik tantsisid, ja paistab, et tal pole hästi aega. Tõenäoliselt pole tal daamidega eriti vedanud, mistõttu pidi ta tundma rasket nuttu ja sellest ka oma impulsiivset jooksu.

Peaaegu kõik kasutajad on vähemalt korra tundnud sarnast soojust nähes juhuslikku võõrast, kedagi teist kui teist, nii ahvatlevat, et tahame neid tundma õppida. Sama häda väljendas ka hr Bernstein väljaandes Citizen Kane, kui ta räägib, kuidas ta veel mäletab tüdrukut, keda ta nägi noorena vaid sekundi ja kandis parvlaeval valget kleiti. Peale süžee teeb lühikese huvitavaks Kieslowski meisterlik osavus kaamera taga ja tema suur loojutustamis talent. Kieslowskist on sellest ajast alates saanud üks suuremaid nimesid teatrikinos ning ta on teinud suurepäraseid teoseid nagu The Dekalog ja Trois Couleurs triloogia.

1. Andaluusia koer

Andaluusia koer on tõug, mille päritolu on Hispaania, selle monumentaalse lühifilmi kahe looja Luis Bunuel ja Salvador Dali sünnikodu. Pürenee poolsaarel on koopamaalingud, mis esindavad koeri, kes on selle tõuga väga sarnased, ja ausalt öeldes on koopamaalingutest pärit uduse reaalsuse element ainus, mida film Andaluusia koera olemasolust laenab. Ehkki sürrealistlik liikumine oli alanud juba 20. aastateks, ei õnnestunud sellega kogu maailmas tähelepanu juhtida ja Bunuel-Dali saavutas selle, šokeerides publikut visuaalidega, mis ei sümboliseeri muud kui loovuse mahasurumist.

Kohe Bunuel enda kaasatud lähivõttest alates viilutas klaasitud huumoriga naise silma, segades teie ajusid kuni viimase pildini surnud paarist, kes oli maetud rannaliiva, film ei lange kunagi kordagi intensiivsemalt ja kuigi üks võiksid vaielda selle eesmärki aitavate stseenide absurdse mustri üle, on oluline märgata, kuidas need on paigutatud viisil, mis annab neile soodsa järjepidevuse. Kehaõuduse tehnikaid ja kujundeid on enamikus stseenides uuritud ja rakendatud veel lugematutes unenägudele või õudusteemadele üles ehitatud filmides. Tähelepanuväärsemad näited on „Oldboy”, „Spellbound”, „Quills” ja „Poeedi veri”. Kuigi filmi sündmuste selgitamiseks on lugematu arv kriitika kasutusele võtnud erinevaid teooriaid, piirduvad nad sõnaga 'teooria', kusjuures Bunuel naerab selle kohta mis tahes usutavat selgitust.

Copyright © Kõik Õigused Kaitstud | cm-ob.pt