18 kõigi aegade parimat eksistentsiaalset filmi

“Eksistentsialism” on termin, mille mõtlesid välja 19. ja 20. sajandi lõpu Euroopa filosoofid, kes uskusid, et filosoofiline mõtlemine algab inimainest - mitte ainult mõtlevast subjektist, vaid ka tegutsevast, tunnetavast, elavast inimindiviidist. Nagu nad on, otsivad inimesed oma kogemuste, veendumuste ja väljavaadete põhjal valikuid, et teada saada, kes ja mis nad on kogu elu. Jah, ma tean, et see on keeruline. Kuid lihtsustatult öeldes on “eksistentsialism” filosoofia, mis puudutab enese ja elu mõtte leidmist vaba tahte, valiku ja isikliku vastutuse kaudu.

Allpool on loetelu eksistentsiaalsetest filmidest, mille kaudu nende tegijad on püüdnud mõista, mida siin maailmas tähendab. Kui palju kujundavad meie kogemused meie tõekspidamisi? Ja kas elu on tõesti mõttetu? Need on mõned paljudest küsimustest, mida need filmid esitavad. Milline neist parimatest valgustusfilmidest on teie lemmik. Muide, saate mõnda neist parimatest eksistentsiaalsetest filmidest voogesitada Netflixis, Hulus või Amazon Prime'is.

18. Linnumees (2014)

Toores energiast pakatav ja pakatav ‘Birdman’ mängib filmitegemise kunstiga ringi nii, nagu te seda tunnete, ja annab sellele uue mõõtme. See üllatab, väljakutseid ja pimestab; mõnikord kõik korraga. See on lõbus, virgutav ja kogemus, mida te suure tõenäosusega poleks kunagi kinodes saanud. Kaustiline ja tumedalt naljakas pilk vahetu kuulsuse kultuurile ja kuulsusele sel Facebooki ja Twitteri ajastul pilkab neid, kes on oma maine vangid. Lõppkokkuvõttes on see film eksistentsiaalse kriisi läbinud näitlejast.

17. Synecdoche, New York (2007)

‘Synecdoche, New York’ on raskesti vaadatav film ja isegi kõht. Sellest pole vaja aru saada; selliseid filme tuleb jälgida, tunda ja järele mõelda. Tugevalt aju, sageli šokeeriv ‘Synecdoche, New York’ ei meeldiks kõigile; see on tähistamine kõigest, millest kunstnik soovib, ja ometi on see lõppkokkuvõttes tragöödia, mis näitab kunstilise ambitsiooni tagakülge, kus tegelik kohtub ebareaalsega, sukeldades kunstimeele ebakindluse ja masenduse pimedusse.

16. Isik (1966)

Filmi „Persona” taolist filmi on raske lisada ükskõik millisesse žanripõhisesse loendisse, kuna filmis käsitletud teemad on täiesti sügavad ja ebaselged. ‘Persona’ on film, mis on avatud mitmetele tõlgendustele ja mida kriitikud, teadlased ja sinefiilid arutavad, arutlevad ja analüüsivad endiselt kogu maailmas. Film räägib loo kahest naisest, õest ja tema tummast patsiendist ning nende kummaliste isikute õõvastavast sidemest. Film uurib inimese identiteeti, hägustab ja raputab meie arusaamu unenägudest ja tegelikkusest ning sukeldub inimese keeruka psüühika ja seda hõlmavate veidrate fantaasiate kõige sügavamatesse ja tumedamatesse külgedesse. ‘Persona’ on sügavalt intiimne ja isiklik kogemus ning see on puhas filmilüürika.

15. Taksojuht (1976)

‘Taksojuht’ räägib Vietnami veteranist, kelle elu on üksinduse ja viletsusega hägustunud emotsionaalselt rikutud. Tihedalt tegelaskujude järgi loodud filmis „Taksojuht“ on Robert De Niro hämmastav näitlejatöö, mis kujutab mehe laskumist hullumeelsusse, kui näeme, et teda tõmbavad inimpimeduse otsad. Võib-olla oli Travis Bickle kunagi armas, võluv tüüp ja just sõda pani teda tundma end võõrana maailmast, mis kunagi oli tema kodu. Tema võimetus ja meeleheitel inimestega kokku puutuda ning igavene võitlus sobituda mõrvade ja väärtegudega veiderdatud kummalisesse maailma, on sügavalt häiriv tumeda portree inimhingest.

14. Kevad, suvi, sügis, talv… ja kevad (2003)

„Kevad, suvi, sügis, talv… ja kevad” on Lõuna-Korea autorikirjutaja Kim Ki-duki parimate tööde hulka kuuluv lugu, mis jutustab budistliku munga elust, kui ta läbib erinevaid etappe. elu. Filmi võib pidada inimelu igavese järjepidevuse ja tsüklilisuse metafooriks. Teel uuritakse ka armastuse, ohverdamise, pühendumise, eraldatuse ja truuduse teemasid. Tuntud väga väheste dialoogide poolest, on film oma olemuselt väga mõtlik ja viib publiku rahulikule reisile.

13. Seitsmes manner (1989)

Michael Haneke ’seitsmendal kontinendil’ õudusfilmiks nimetamine kõlab minu jaoks väga valesti, kuid nii viitavad enamik seda näinud inimestele. Nendega on raske vaielda, sest selle filmi vaatamine jätab lootusetu, masendunud ja hirmunud tunde. See 1989. aasta klassik on seotud perekonnaga, kes vihkab maailma ja elu üldiselt, ning võtab kolme mängija ülejäänud ühiskonnast veelgi isoleerimiseks külma ja kauge hoiaku, mis paneb publikut aeglaselt, kuid kindlalt tundma end nende kui oma eksistents võtab tumeda pöörde. Olles üks kõige häirivamaid filme, mis kunagi hõbedase ekraani armu pälvinud, mõnitab Haneke debüütükk vaatajat ja ei lase kunagi lahti. Kui publik nimetab seda õudusfilmiks, siis nad teevad seda viidates õudusfilmile, mis ei erine teistest. Hõlmatud ebaselguse ja realismiga Seitsmes manner on isikupärane, intiimne ja kohutav tõestisündinud loo ümberjutustus, mis jätab teid vaikusesse, sest vähemalt paariks minutiks pärast selle lõppu ei saa te enam ühtegi sõna välja öelda.

12. Mesitaru vaim (1973)

Hispaania meister Victor Erice tegi enne pensionile jäämist vaid kolm mängufilmi. Tänapäevalgi elus olevad filmid nagu El Sur, kudoonia “Päikese puu” ja eriti Mesinduse vaim, tema määratlematu debüüt, mis panevad meid kõiki soovima, et ta ikka filme teeks. Parabilise lugu kahest lapsest, üks uurib tema olemasolu süütu, sageli hämmastava vaimustusega ja teine ​​on kinnisideeks nende kohalikus teatris mängitud filmi „Frankenstein”. Selle müstifitseeriva portree Hispaania südalinnast jätab Erice'i iseloomuliku neutraalse suuna meelitav kahemõttelisus - harva proovitakse filmimeetodil vaikse vaatluse kasuks. Sellest tulenev töö on hämmeldav, kaasahaarav ja jätab teid mõtlema elu sisemise mõistatuse üle: selle vastuseta küsimused, suured saladused ja nende hämmastav vastupandamatus. Et jätta teid täiesti hävitatuks või võrreldamatult liigutatuks, pole kahtlust, et mõlemale äärmuslikule mesipuu vaimule on oluline kogemus.

11. Saatanatango (1994)

Mind hüpnotiseeris Béla Tarri laialivalguv ja suurepärane meistriteos, kui seda esimest korda nägin. Selle pragmaatiline tunnetus reaalsest maailmast ja kannatlikkus on tema määratlevad omadused. Ta jälgib rohkem kui peegeldab ja mõtiskleb rohkem kui annab kenasti vormistatud avaldusi. Selle müütiline, sünge realism on liiga hea, et olla tõsi, ja liiga jõhker, et seda ilu pilguga realiseerida. Ainus, mida ma lõpuks teha soovisin, oli sulgeda kõik aknad ja ümbritseda end pimedusse, sest minu jaoks oli film olnud nagu kirikus see hull ja selle hädaldamisel oli olnud liiga palju mõtet. Mul on hea meel teatada, et ‘Sátántangó’ nõtked sotsiaalsed ja poliitilised mõtisklused on hakanud mulle selgeks tegema, kuna olen selle juurde korduvalt tagasi pöördunud.

10. La Dolce Vita (1960)

Fellini ettevaatlikult, kannatlikult ja poeetiliselt pehmendatud virtuoos on tema Palme d'Ori võitja juures täielikult välja pandud, mis haarab oma hingestatud ja varjulises glamuuris eluviisi, mis tundub liiga tabamatu ja mõnes mõttes liiga reaalne. Selle tempo rõhutab peategelase sihitust ja sunnib meid suplema elu elavuse sümfoonilises paigutuses ja selles, kui põgus see kõik on. Seda peategelast mängib karjääri parim Marcello Mastroianni, kes kasutab seda ajaannet selleks, et täita oma silmad vastupandamatu maailmaväsimusega. „La Dolce Vita” teatavate osade olulisuse kahtluse alla seadmine, mis võib tunduda filosoofilise impordi või narratiivse asjakohasuseta, on lükata tagasi võimalus lasta pikantsetel detailidel end üle uhada ja mõelda tagajärgedele. Kui Nino Rota taevane partituur viib meid Rooma peadpööritavasse maailma, vaadatuna läbi Fellini illusoorsete silmade, näete te ainult seda, mida ta soovib, et te näeksite, ja see muutub kiiresti ka teie.

9. 8 1/2 (1963)

Kasutades Marcello Mastroianni varjutatud gravitasid, võib Fellini puhas elekter olla valdav. Sa hoiad oma ettekujutust konkreetsest hetkest ja tunned ära selle lämbe rikkuse, et avastada, et filmitegija on liikunud teise lehviva, mõnusalt valmisoleku jada juurde. Tema ideed kunstnike kohta ja nende hämmeldav, naeruväärne kinnisidee iseendale võivad tunduda dateeritud - või mis veelgi hullem, ebaolulised -, kuid nende ehituse ja väljenduse jultumus ei kao meile kunagi. See võlub ja petab meid, lubamata meil kunagi silmi sellest ära võtta ja libiseb siis läbi sõrmede, kui kohale jõuab, et meil pole seda kunagi käes olnud. Fellini ei erine palju filmis selgeltnägijast Mayast, kes näib teadvat, mida kõik mõtlevad: oskus, mille tema assistent omistab telepaatiale. Kui meie peategelane Guido esitab assistendile küsimuse, kuidas ta seda teeb, märgib ta selgelt: „See on osaliselt trikk ja osaliselt reaalne. Ma ei tea, aga seda juhtub. ' Ükski sõna ei saaks filmi kirjeldamiseks sobivam olla.

8. Seitsmes pitser (1957)

Alates esimestest piltidest Bergmani ikoonilisest dokumendist usu, hirmu ja rahulolu kohta on teile loits. Terav, teraline pilk merele, rannikule ja sellel julge julge rüütel ja tema saatuslik kohtumine surma kehastamisega määrab filmi objektiivsuse selguse, isegi kui see jätab ruumi võrgutavale, peaaegu hirmuäratavale ebaselgusele, et pidevalt kohal olla. Magnetlavastusest saavad kasu võrreldamatu Max von Sydow ja rühm näitlejaid, kes tõstavad Bergmani hämmastava materjali, mis põhineb tema näidendil 'Puidumaal' ootamatule tasemele, ja 'Seitsmes pitser' oma 90 minutiga mõjutab põlvkondade kaudu edasi antud vana muinasjutt, mis käivitab kujutlusvõime palju avaramalt, kui see ise loota suudab. Gunnar Fischeri sädelev, karge must-valge tagab, et ahistav intensiivsus roomab meie naha alla. Voolusarnane voolavus on tingitud ülevast enesekindlusest ja käegakatsutavast tasakäelisusest. See võib olla täiesti lihtne lugu, et sellegipoolest peidab end rinnal väärtuslikke ideid, kuid see on õmmeldud nii keeruka ja julge kangaga, et ei saa muud üle vaadata, kui see kestvaks mälestuseks tõlgib.

7. Stalker (1979)

Hoides oma väiksemaid järeltulijaid, mis hõlmavad ülimenukat telesarja “Westworld”, ei saa ülehinnata “Stalkeri” kolossaalset mõju visuaalsele jutustamisele. Ideed - nii filosoofilised, vaimsed ja teaduslikud - kui ka nende osav ja hiilgav kinematograafiline uurimine filmis „Stalker” on leidnud oma muljed paljudele sellele järgnevatele ulmetele. Nii filmitegijate töös on peegeldunud mitte niivõrd libisemine, transsi tekitav ja punktides abstraktne tempo või hingetõmbav monokromaatilise seepia kasutamine väljaspool tsooni ja Eesti asukohtade jäljendvärvid Terrence Malick ja Lav Diaz, kui nimetada vaid mõnda, kuid püsivat kannatlikkust ja alandlikkust. Suuresti filosoofiliste valitsemisaegade publikule üleandmine jätab Tarkovsky vaatajatele nii palju ruumi, et nad saaksid enda jaoks avastada filmi mitu metafüüsilist tahku, et isegi selle konkurentsitult sõna otseses ja visuaalses luules näib sama palju meie väljamõeldise kui tema enda väljamõeldist ja tema kaastöötajad.

6. Apokalüpsis nüüd (1979)

Sõjafilm võib tulla ebatõenäolise valikuna. Kuid nagu ma ütlesin, murduvad suurepärased filmid oma žanri takistustest. Filmi „Apocalypse Now” peetakse laialdaselt suurimaks sõjafilmiks, mis kunagi tehtud. Kuid selle keskmes on see film, mis uurib ka eksistentsialismi. Kapten Willardi teekond Kambodža hämarasse külla mõistatava renegaadi armee ohvitseri mõrvamiseks on visuaalne metafoor inimese sisikonda kiskuvale reisile eksistentsi kuristikku. ‘Apocalypse Now’ räägib Willardi vastuste otsimisest. Temaga tema teekonnal seame kahtluse alla silmakirjalikkusest ja megalomaniast varjatud tsiviliseeritud ühiskonna loodud moraali. Tema kummaline, salapärane vaimustus kolonel Kurtzi vastu kulmineerub sõjajäsemete avastamisega, mis võivad muuta inimese tsiviliseerimata metsaliseks.

5. 400 lööki (1959)

François Truffaut ’’ 400 lööki “on tõeline kunstiteos, mis tuleneb tõelisest valust. Tõeliselt siiras ja sügavalt isikupärane teos pühendas Truffaut filmi oma vaimsele isale ja rahvusvaheliselt tunnustatud filmiteoreetikule André Bazinile. Oma olemuselt autobiograafilise iseloomuga oli Truffaut 'enda lapsepõlv murelik ja see kajastub filmis väga selgelt. Väljastpoolt räägib film alaealiste ja noorukite kuritegevusest, mille taga on sageli ühiskonna ja vanemate hooletus. Vaadake veidi sügavamalt ja leiate filmi lootusest; see on nii intensiivne kui ka terapeutiline lootus. Peategelane Antoine Doinel on mingil moel ühiskonna enda, ühiskonna, mis peidab reeglite, karistuste ja kohtuotsuste taha oma ebaõnnestumised, terav esindus. Film voolab nagu jõgi ja viib publiku lootuse, lootusetuse, empaatiavõime ja isegi viha teekonnale. Kui olete kunagi soovinud näha, milline meistriteos välja näeb, siis ärge vaadake muud kui ‘The 400 Blows’.

4. Tokyo lugu (1953)

‘Tokyo lugu’ on see, mille poole pürgib iga filmitegija, kes soovib rääkida sisukat lugu. Ilmselgelt jäävad need kõik alla! Pole paremat näidet filmist, mis muudab eepilise loo nii lihtsal, kuid meisterlikul, tõhusal ja unustamatul viisil. Filmiga „Tokyo Story” saavutas Yasujiro Ozu midagi, mis on iga elava filmitegija unistus: elada igavesti publiku südames ja meeles. Igaüks, kes on näinud ‘Tokyo lugu’, saab teada, millest ma räägin. Film räägib vananevast traditsioonilisest jaapani paarist, kes külastab Tokyos oma lapsi vaid selleks, et jõuda karmile arusaamisele, et nende lapsed on oma eluga liiga hõivatud, et neist hoolida ja on neist kultuuriliselt ja emotsionaalselt tohutult kaugenenud. . Mis on filmis ka nii tore, on selle universaalne teema, millega igaüks ja kõikjal saab suhelda. Ozu filmitegemisstiil tagab ka selle, et olete süvenenud loosse, mis pakub sügavat sissevaadet muutuva inimese psüühika muutuvate aegadega. Lihtsalt geniaalne!

2. 2001: kosmose-odüsseia (1968)

Filmi '2001: kosmose-odüsseia' geenius seisneb selles, et vaimne teekond, mille see meid viib, ei allu teismile, agnostitsismile ega millelegi muule - see on täiesti publiku otsustada, kuidas nad tahavad tõlgendada film. See ulatub teisti usust alati nii lahke, armastava Jumala olemasolusse kuni agnostiku küünilisuseni kuni elu masendava mõttetuseni, mille nihilist võiks valida. Sellegipoolest tuvastab Kubrick vähemalt, kui tähtsusetud me oleme ja kui pisikesed on meie nn tehnoloogilised edusammud! Meil on edasiminekuks valgusaastad, enne kui saame vastused kõigile meie peas kerkivatele eksistentsiaalsetele küsimustele.

3. Elupuu (2011)

Terrence Malick ei sea „Elupuus” kunagi kahtluse alla Jumala olemasolu. Kuigi tema tegelik imestustunne ei teki sellest; pigem rõõmustab ta selle maagia üle, mis elu ise on. Ajastul, kus Jumalast on saanud vahend paremuse tõestamiseks ning ettekääne kahjustamiseks ja isegi tapmiseks, pakub ‘Elupuu’ ilusat, kuid mõistlikku viisi Jumalasse vaatamiseks. Lõpuks on ‘Elupuu’ erakordse ulatuse ja ambitsiooniga kinolugu. See ei palu oma publikul lihtsalt jälgida, vaid ka kajastada ja tunda. Kõige lihtsamalt on ‘Elupuu’ lugu iseenda leidmise teekonnast. Kõige keerukamas on see meditatsioon inimese elust ja meie kohast asjade suures plaanis. Lõpuks võib ‘Elupuu’ muuta seda, kuidas sa elu vaatad - see muutis mind.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brüssel (1975)

See Prantsuse avangardne joon, mille nimitegelasena mängib Delphine Seyrig, pole pelgalt kinokogemus. See on harjutusele lähemal - test ja mõjutab teid viisil, mida vähesed teised filmid on enne või pärast teinud. Sõltumatu tükk keskendub kolmele päevale üksildase ja vaevatud koduperenaise elus, kui ta läbib oma igapäevaste majapidamistöödega täidetud ranget ajakava. Ta on ema ja lesk, kes teeb härrasmeestele seksitööd õhtul sissetuleku teenimiseks. Probleemid tekivad siis, kui teisel päeval on tema rutiin veidi häiritud, mis viib omamoodi doominoefektini, mis kajastub sellele järgnenud tundides. Jeanne Dielman tõmbab selle oma aeglasesse ja meditatiivsesse maailma koos Akermani eristava lavastajaallkirjaga, mis hõlmab diegeetilist atmosfääri ja hüpnootilist aurat, mille on toonud meistriteose rahulik, peen ja kannatlik isiksus, mis on eksistentsi monotoonsuse valus tähistamine.

1. Juhuslik Balthazar (1966)

Robert Bressoni kõle meistriteos on enesetunde harjutus. See juhib kõrvale selge peategelase või keskse teema määratlemisest, kui te ei arvesta Balthazari looduse imelist jõudu ja kui võtate filmi nimiväärtusega, siis ei. Kuid kui lubate tal olla oma ligipääsupunkt filmi emotsionaalsele ja temaatilisele maastikule, on sellest tasu saamata tagasitulek keeruline. Balthazari omapärane, lahja ja lahe visuaalne stiil tundub tagantjärele peaaegu glamuurne; selle rahulik haprus mähitud resigneerunud, üksikult tarka kontrollitundesse. Isegi selle käegakatsutav ausus peidab endas uuritud jõupingutusi, et pisut tagasi hoida, toita oma sättimise ja iseloomu lihtsuses rikkust, mis on publikule jäetud avastamiseks ja mõnel hingematval juhul ette kujutada. Balthazari iga hetke tähtsuse omistamine ei sõltu sellest, kas eeldame, et selle sisu on sotsiaalse või isegi poliitilise iseloomuga allegooriaid, vaid sellest, kuidas need meid muudavad tunda nautides nende keerukust ja vaikust, selle asemel, et toetuda enamus filmides kasutatavale mõttetusele ekspositsioonile. Seega on täiesti mõistlik, kui peategelane on samanimeline eesel.